Figurino e Cena

CENO-GRAFIAS

2012-01-31T17:16:00.000-08:00

(A CIDADE - espetáculo da Inominável Companhia de Teatro - foto de Anderson Fregolente)

Perguntaram-me qual era a minha definição de cenografia. Antes de responder com aqueles velhos clichês que sempre vem na cabeça, fiquei pensando como eu poderia contribuir para uma definição que realmente dialogasse com o trabalho que venho desenvolvendo e com as questões que realmente me interessam na construção de uma cenografia teatral. Depois de algum tempo pensando, respondi que cenografia era uma RELAÇÃO. Pois bem, relação com o quê? Podemos pensar a cenografia como uma relação espacial que se dá dentro do espetáculo e também entre o espetáculo e a platéia, por exemplo. Cenografia é a relação da cena com a luz, da luz com os objetos de cena. Cenografia é toda a relação iconográfica ou puramente plástica que se dá entre o corpo do ator e todos os outros elementos cênicos diante do público. Portanto, cenografia é o resultado da relação entre o espaço cênico, a iluminação, o desenho da cena, o movimento do ator e a assinatura do diretor diante dos olhos do espectador. Grosso modo, entretanto, podemos pensar numa cenografia sem cenário, mas nunca num espetáculo sem cenografia, pois, mesmo sem ser elaborada, a cenografia sempre existirá.

A partir daí, fiquei bastante curioso para saber como os outros artistas ou teóricos, que também pensaram a cenografia em algum momento das suas respectivas trajetórias, definiram a arte do cenário. Entre os registros disponíveis, com grifos meus, encontrei as seguintes definições:

LUIZ PAULO VASCONCELLOS:

“É a arte e a ciência da criação do cenário. Cenário é o arranjo dado à cena através da linguagem visual, pictórica e arquitetural. O conceito de cenário tem variado de acordo com a estrutura do palco e as convenções do espetáculo de diferentes épocas.”

J. C. SERRONI:

“Arte e técnica de criar, projetar e dirigir a execução de cenários. O cenário é o conjunto dos diversos materiais e efeitos cênicos (telões, bambolinas, bastidores, móveis, adereços, efeitos luminosos, projeções etc.) que serve para criar a realidade visual ou a atmosfera dos espaços onde decorre a ação dramática; a cena.”

ANNA MANTOVANI:

“Falamos que a cenografia é uma composição visual em um espaço tridimensional – no lugar teatral. Chamamos de lugar teatral o lugar onde é apresentado o espetáculo e onde se estabelece a relação cena/público. No teatro, o lugar cênico é o palco, que, como edifício, muda de uma época para outra e de um país para o outro.”

PATRICE PAVIS:

“No sentido moderno, é a ciência e a arte da organização do espaço teatral. Hoje a palavra impõe-se cada vez mais em lugar de decoração, para ultrapassar a noção de ornamentação e de embalagem que ainda se prende, muitas vezes, à concepção obsoleta do teatro como decoração. A cenografia marca bem o seu espaço tridimensional e não mais uma arte pictórica da tela pintada, como o teatro se contentou até o naturalismo.”

CYRO DEL NERO:

“É o desenho da cena. O cenário é composto por elementos plásticos que dão espaço à ação cênica. Há cenários estáveis e únicos; cenários móveis; projetados; feitos por iluminação; simbólicos e mutáveis. O cenário deve atender às exigências dramáticas e físicas da obra teatral. É um conjunto de signos plásticos, a concepção que define o espaço cênico no edifício teatral.”

MIRIAM ABY COHEN:

“A idéia contemporânea de Cenografia exige do profissional uma ação abrangente, que inclui todos os aspectos visuais da realização teatral, amplia sua responsabilidade sobre o todo do espaço cênico e por vezes, sobre o espaço teatral, demandando afinidade entre criadores que possuem, por sua vez, processos, responsabilidades e talentos individuais. O cenógrafo é assim levado a refletir sobre sua própria capacidade em responder à estas atribuições”.

JAROSLAV MALINA:

“Cenografia é a solução dramática do espaço; se a arquitetura é uma gigantesca escultura tridimensional ao ar livre, então a cenografia é para mim, uma forma de transformar do avesso o interior de uma escultura em qualquer espaço concreto”.

FIM DE ANO

2011-12-19T04:23:00.000-08:00

Novamente chega o momento de olhar para tudo aquilo que foi feito no ano e balancear os acontecimentos. Este foi um ano de trabalhos muito importantes. Em 2011 transitei entre oficinas, set de filmagens, palcos, espetáculos, grupos, companhias, artista e muitas viagens. Todos os trabalhos foram extremamente prazerosos e todas as equipes foram extremamente competentes.

Quatro trabalhos no teatro foram indicados a prêmio, o figurino do filme GOL A GOL foi premiado, mas independente de tudo isso, todos os trabalhos, indicados, premiados ou não, foram todos muito importantes. Quero aproveitar este post para agradecer todos os artistas, grupos, companhias, diretores, produtores e técnicos com quem trabalhei em 2011. Quero agradecer também todos que se relacionaram com a Figurino e Cena e com o meu trabalho.

No próximo ano os trabalhos já começam com todo vapor logo após o dia 10 de Janeiro, dessa forma, aproveitarei bastante as férias que se desenrolam entre esse período. Muita novidade acontecerá já no primeiro semestre.

À todos os leitores do blog, amigos pessoais, companheiros de trabalho e todos os artista que por aqui passaram, desejo um ano repleto de conquistas e de grandes felicidades. Que a arte possa nos manter firmes e felizes nas nossas escolhas e que os acontecimentos sejam sempre muito especiais. Um grande beijo pra vocês.

Boas férias! Feliz Natal e um ótimo ano novo pra todos!

Paulo Vinícius.

PRÊMIO GRALHA AZUL 2011

2011-11-22T14:21:00.000-08:00

Nesta semana foram anunciados os indicados ao Prêmio Gralha Azul - Melhores do ano do Paraná, criado em 1976 por Ivens Fontoura. Com muita alegria recebi a notícia de que quatro trabalhos realizados por mim foram indicados em duas categorias. Neste post publico uma foto de cada um desses trabalhos e a lista completa dos indicados nas 15 categorias. A revelação dos ganhadores e entrega do troféu acontecerá na noite do dia 13 de Dezembro no Teatro Guaíra em Curitiba (Guairinha - Auditório Salvador de Ferrante). Aproveito também esta ocasião para agradecer todos os produtores, artistas e diretores dos meus respectivos trabalhos indicados. Agradeço também a comissão julgadora e a comissão de organização do Prêmio. Muito obrigado! É uma felicidade imensa poder trabalhar com aquilo que mais amo e, ao final do ano, ainda ser indicado à este Pêmio tão importante para os artistas do Paraná. A gente se encontra no dia 13, até lá!

(Eu recebendo o Troféu em 2010 pelo figurino do espetáculo MENTIRA!)

1. TEXTO ORIGINAL
Gerson de Andrade, por “Caipirados Pra Burro” (Caipiras Pirados Pra Burro)

Paulo Biscaia, por “Avenida Independência 161_ Trilha Sonora Para Coisas Irreversíveis”
João Luiz Fiani, por “A Guerra dos Fanáticos – O Contestado”
Dimis Jean Sores por “Vivienne”

2. CENÁRIO
Marco Damaceno, por “Antes do Fim”
Cleverson de Oliveira, por “Edifício Amor”
Paulo Vinícius, por “Avenida Independência 161_Trilha Sonora Para Coisas Irreversíveis”
Paulo Vinícius, por “Seance, As Algemas de Houdini”
Sérgio Richter, por “Orinoco”

3. FIGURINO
Fernando Bachstein, por “Os Sete Pecados”
Paulo Vinicius, por “Ouoquequiserdes”
Alex Lima, por “A Pereira da Tia Miséria”
Paulo Vinícius, por “A Sapateira Prodigiosa”
Thamis Barreto, por “A Guerra dos Fanáticos – O Contestado”

(Cena de AVENIDA INDEPENDÊNCIA 161 - Foto de Fran Ferreira)

4. SONOPLASTIA
Paulo Biscaia, por “Avenida Independência 161_Trilha Sonora Para Coisas Irreversíveis”
Paulo Demarchi, por “Ouoquequiserdes”
Sérgio Justen, por “Cinderela”
Celso Piratta por “Buanga, A Noiva da Chuva”
Edith de Camargo, por “Vertigem”

5. ILUMINAÇÃO
Nadja Naira, por “Isso te Interessa?”
Beto Bruel, por “Ilíada Canto 1”
Wagner Correa, por “Avenida Independência 161_Trilha Sonora Para Coisas Irreversíveis”
Beto Bruel/Daniel Régis, por “Antes do Fim”

6. REVELAÇÃO - ATRIZ/ATOR e CRIADORES
Cleber Hidalgo - CENÁRIO - “Histórias Para Passar o Tempo”
Gabriel Manita – ATOR - “Cinderela”
Simone Hidalgo – DIREÇÃO - “Fabulosa Cozinha de Pierre”
Patricia Cipriano – ATRIZ- “Vivienne”
Cleber Hidalgo – CENÁRIO - “A Fabulosa Cozinha de Pierre”

(Cena de OUOQUEQUISERDES - Foto de Mariana Brandão)

7. ATOR COADJUVANTE
Samir Halab, por “Antes do Fim”
Rodrigo Ferrarini, por “Isso Te Interessa?”
Fernando Bachstein, por “A Sapateira Prodigiosa”
Joel Vieira, por “A Guerra dos Fanáticos - O Contestado”
Diogo Zavadski, por “Vivienne”

8. ATRIZ COADJUVANTE
Elliane Campelli, por “Antes do Fim”
Karla Fragoso, por “Avenida Independência 161_Trilha Sonora Para Coisas Irreversíveis”

9. ATOR
Guilherme Kirchheim, por “A Pereira da Tia Miséria”
Zeca Cenovicz, por “Antes do Fim”
Ranieri Gonzalez, por “Isso Te Interessa?”
Luiz Bertazzo, por “Seance, As Algemas de Houdini”

(Cenário de SEANCE - AS ALGEMAS DE HOUDINI - Foto de Marco Novack)

10. ATRIZ

Kassandra Speltri, por “Avenida Independência 161_Trilha Sonora Para Coisas Irreversíveis”

Sílvia Monteiro, por “Edifício Amor”

Claudete Pereira Jorge, por “Ilíada Canto 1”

Pagú Leal, por “Minha Vontade De Ser Bicho”

11. DIREÇÃO ESPETÁCULO PARA CRIANÇAS

Letícia Guimarães, por “Clarice Matou Os Peixes”

Marcelo Santos, por “Buanga, A Noiva da Chuva”

Maurício Vogue, por “Cinderela”

12. DIREÇÃO

Edson Bueno, por “Minha Vontade de Ser Bicho”

Marco Damaceno, por “Antes do Fim”

Paulo Biscaia, por “Avenida Independência 161_Trilha Sonora Para

Coisas Irreversíveis”
Mauro Zannata, por “Ouoquequiserdes

Dimis Jean Sores, por “Vivienne”

(Cena de A SAPATEIRA PRODIGIOSA - Foto de Michelle Martins)

13. ESPETÁCULO ITINERANTE

NÃO HOUVE INDICAÇÃO

14.ESPETÁCULO PARA CRIANÇAS

“Clarice Matou os Peixes”, da Cia do Abração

“Buanga, a Noiva da Chuva”, da Cia Karagozwk de Teatro de Sombras

“Cinderela”, da Cia Regina Vogue

“Caipirados pra Burro” (Caipiras Pirados pra Burro), da Cia Geografia das Artes

15. ESPETÁCULO

“A Pereira da Tia Miséria”, do Núcleo Ás de Paus

“Avenida Independência 161_Trilha Sonora para Coisas Irreversíveis”, da Cia MKF Produções

“Antes do Fim”, de Marcos Damaceno Cia de Teatro

“Vivienne”, da Companhia de Bifeseco

“Ouoquequiserdes”, da Companhia do Ator Cômico

Espaço e Cenografia

2011-11-15T14:38:00.000-08:00

(O Paraíso Perdido com o Teatro da Vertigem, encenado na Igreja da Consolação, em São Paulo em 1992)

Um dos assuntos que mais me interessam na cenografia de hoje é o Espaço. Para criar qualquer trabalho acho necessário pensar na relação do Espaço com o Espectador. Mais do que pensar no Espaço propriamente dito, o assunto de que falo está justamente na Relação entre ele e o espectador. Tal discussão já é bastante antiga na história das artes visuais e também, de certa forma, no teatro.

Nas artes visuais, Marcel Duchamp instaura o pensamento da obra de arte livre do suporte e propõe a relação com o espectador a partir da observação do objeto. A arte não estaria nem no sujeito e nem no objeto, mas na relação entre ambos. Além disso, Duchamp também tira o objeto de seu lugar tradicional e, dessa forma, questiona também o Espaço físico do museu enquanto Lugar. Outros artistas depois dele se aventuram a pensar sobre o lugar. Entre eles estão os brasileiros Hélio Oiticica e Lygia Clark.

(Obra de Hélio Oiticica, Invenção da cor, Penetrável Magic Square # 5, De Luxe, 1977, foto: Carol Reis)

Hélio entre tantas coisas cria os Penetráveis e propõe com eles uma relação sensível com o espectador. Entrar na sua obra era entrar na própria cor e se relacionar com ela, por exemplo.

Lygia também entre outras muitas coisas instaura a Arte Relacional ao se denominar uma propositora ao invés de uma artista. Cria máscaras sensoriais e objetos relacionais. A principal diferença entre o que ela propunha e o que Duchamp propôs estava justamente na relação com o Objeto. O objeto em Lygia Clark era apenas uma forma de se relacionar para criar a arte e não um meio de se chegar à constatação através da observação, como propôs Duchamp. Muito bacana é pensar em como essas relações se desenvolvem no Espaço. Pensar o Espaço no Hélio e na Lygia é pensar num Espaço muito mais interno do que exterior ao corpo do sujeito que apreende a obra.

Paralelamente a isso, cronologicamente falando, vieram os artistas que propuseram as Land Arts, grandes obras a céu aberto que eram para ser vistas de longa distância pelo espectador. Nestas obras a relação também é a proposição mais importante desses artistas, como foi o caso de Robert Smithon e Michael Heizer nos anos 60.

(Máscara Sensorial, obra de Lygia Clark de 1967)

Alguns diretores, encenadores e outros artistas de teatro também já pensaram nessa relação com o Espaço. Entre eles está o brasileiro Antonio Araujo do Teatro Vertigem que, através da Trilogia Bíblica dos anos 90, por exemplo, propuseram o espetáculo ocupando os espaços que inicialmente não eram os edifícios teatrais. A relação da cena com o público mudou completamente a partir dessas pesquisas e práticas. Depois dele vieram também vários outros artistas.

O fato de exercer a cenografia como parte dos meus trabalhos enquanto artista me faz pensar nessas relações do cenário e da platéia dentro de um Espaço Cênico específico e dentro daquilo que o espetáculo propõe enquanto escritura cênica. Trabalhar com diversas companhias, grupos, diretores e artistas, colaborar e propor junto dentro de estéticas e processos diferentes tem me agradado e me instigado muito. Tantas práticas me possibilitam exercer o autoria do meu trabalho como cenógrafo na medida em que ela se relaciona com o trabalho dos outros artistas envolvidos na criação e de como nós juntos oferecemos o nosso trabalho coletivo ao público.

Enquanto pesquisador e teórico, a busca da cenografia e das artes visuais tem acrescentado muito no desenvolvimento da minha prática de cenógrafo e indicado quais são realmente as ausências e lacunas que ainda deverão ser preenchidas no meu ofício.

Bem vindo o Tempo que me possibilita conhecer o Espaço.

Bem vindas as horas que ainda faltam para se chegar à algum Lugar específico.

Bem vindos os próximos trabalhos e as próximas pesquisas.

FESTIVAL NACIONAL DE CINEMA DOS SERTÕES: Figurino do longa metragem GOL A GOL é indicado ao troféu Cacto de Ouro 2011

2011-10-29T15:20:00.000-07:00

Gol a Gol, longa metragem digital de ficção, dirigido por Adriano Esturilho e Fábio Allon foi selecionado e indicado à várias categorias no Festival Nacional de Cinema dos Sertões, prêmio que acontece entre 22 a 26 de novembro de 2011 na cidade de Floriano – PI. O filme é resultado da parceria da Processo Multiartes e da Evolução Filmes e teve sua estréia nacional no final de 2010.

O figurino assinado por mim está entre as onze categorias indicadas ao Troféu Cacto de Ouro e concorre com mais três indicados (veja na relação logo abaixo). As fotos dest post integram o Still de Rosano Mauro Junior.

Sinopse do filme:

Curitiba, 2.021, num futuro ecologicamente nada promissor.

Gol a Gol é uma fábula musical regada a realismo mágico, imagens oníricas, toques de ficção científica e canções que contam e cantam o drama ético e dilema existencial de Pedro - que larga sua paixão pelo desenho em troca de uma vida segura de executivo na Seguradora Sol[AR]is (especializada em apólices contra danos ambientais). De um lado, o discurso distorcido da empresa; de outro, sua paixão de infância por Cindy – agora uma ativista ambiental atuante fora do país, com quem não se encontrava há vinte anos.

Após retomar a prática do desenho à mão (atividade agora clandestina) e cometer um crime aparentemente sem razão, Pedro é colocado em tratamento no Sistema Orwell de Monitoramento para abrandar seus recentes desvios. Ali, entre memórias da infância e juventude e saltos para um passado no qual fatos históricos se misturam com devaneios, Pedro acerta as contas com o passado numa partida de Gol a Gol contra si mesmo.

Maiores informações sobre Gol a Gol, acesse: http://golagolfilme.com/index.html

Maiores informações sobre o Festival, acesse: http://www.cinemadossertoes.com/index.php

Indicações na categoria LONGA-METRAGEM:

MELHOR FILME:

Mãe e Filha – Ceará

Gol a Gol – Paraná

Trampolim do Forte – Bahia

Como Esquecer – Rio de Janeiro

Cinema de Guerrilha – São Paulo

MELHOR DIRETOR:

Petrus Cariry - Mãe e Filha – Ceará

Fabio Allon e Adriano Esturilho - Gol a Gol – Paraná

João Rodrigo Mattos - Trampolim do Forte - Bahia

Malu de Martino - Como Esquecer – Rio de Janeiro

Evaldo Mocarzel - Cinema de Guerrilha – São Paulo

MELHOR ROTEIRO:

Petrus Cariry, Firmino Holanda e Rosemberg Cariry - Mãe e Filha – Ceará

Adriano Esturilho - Gol a Gol – Paraná

João Rodrigo Matos - Trampolim do Forte - Bahia

Sabina Anzuategui, Silvia Lourenço, Douglas Dwight, Daniel Guimarães e Luiza Leite - Como Esquecer – Rio de Janeiro

Evaldo Mocarzel e Willem Dias - Cinema de Guerrilha – São Paulo

MELHOR ATOR:

Tiago Luz - Gol a Gol – Paraná

Pedro Albigo - Gol a Gol – Paraná

Luis Miranda - Trampolim do Forte - Bahia

Murilo Rosa - Como Esquecer – Rio de Janeiro

Luciano Oliveira - Cinema de Guerrilha – São Paulo

MELHOR ATRIZ:

Zezita Matos - Mãe e Filha – Ceará

Juliana Carvalho - Mãe e Filha – Ceará

Giuly Biancato - Gol a Gol – Paraná

Marcélia Cartaxo - Trampolim do Forte - Bahia

Ana Paula Arosio - Como Esquecer – Rio de Janeiro

MELHOR FOTOGRAFIA:

Petrus Cariry - Mãe e Filha – Ceará

Luiz Fernando Abdo Gaio - Gol a Gol – Paraná

Pedro Semanovischi - Trampolim do Forte - Bahia

Heloisa Passos - Como Esquecer – Rio de Janeiro

Thiago Ribeiro - Cinema de Guerrilha – São Paulo

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE:

Lana Patrícia - Mãe e Filha – Ceará

Guilherme Sant’Ana - Gol a Gol – Paraná

Henrique Dantas - Trampolim do Forte - Bahia

Rafael Ronconi - Como Esquecer – Rio de Janeiro

MELHOR MONTAGEM:

Henrique Faria, Fábio Allon e Adriano Esturilho - Gol a Gol – Paraná

Baú Carvalho - Trampolim do Forte - Bahia

Pedro Rossi - Como Esquecer – Rio de Janeiro

Willem Dias - Cinema de Guerrilha – São Paulo

MELHOR TRILHA MUSICAL:

Hérlon Robson - Mãe e Filha – Ceará

Adriano Esturilho e Rodrigo Lemos - Gol a Gol – Paraná

Lourimbau, Robertinho Barreto e André T. - Trampolim do Forte - Bahia

Bia Paes Leme e Malu de Martino - Como Esquecer – Rio de Janeiro

MELHOR MAQUIAGEM:

Cristiano Pires - Mãe e Filha – Ceará

Marcelino de Miranda - Gol a Gol – Paraná

Wilson Dargolo - Trampolim do Forte - Bahia

Marina Beltrão - Como Esquecer – Rio de Janeiro

MELHOR FIGURINO:

Lana Patrícia - Mãe e Filha – Ceará

Paulo Vinicius - Gol a Gol – Paraná

Diana Moreira - Trampolim do Forte - Bahia

Rô Nascimento - Como Esquecer – Rio de Janeiro

Novo espetáculo da Vigor Mortis em Curitiba

2011-09-30T19:02:00.000-07:00

SEANCE – AS ALGEMAS DE HOUDINI é o novo espetáculo da Vigor Mortis, companhia curitibana dirigida por Paulo Biscaia Filho. SEANCE é o meu quinto trabalho como colaborador da companhia, desta vez fui o responsável pelos figurinos e pelo cenário. O espetáculo está em cartaz no teatro Espaço Dois até 23 de Outubro e desta vez traz como inspiração os filmes de terror da Hammer, produtora britânica que fez história nas décadas de 60 e 70.

O programa do espetáculo esclarece ao espectador o que vem a ser Seance, “termo que vem do francês para descrever encontros mediúnicos de comunicação com os mortos. A palavra também significa sessão, como em sessão de cinema ou um horário de apresentação de uma peça de teatro. Nas duas aplicações de significado, vamos a SEANCE em busca de um espaço de fuga. Fuga do concreto. Fuga da realidade através da criação de novas verdades”. Neste sentido, fica mais do que claro o que encontraremos durante o espetáculo; horror, fenômenos sobrenaturais, muito humor e, claro, sangue. Trata-se de mais uma aventura sanguinolenta e muito divertida da Vigor Mortis, não percam!

VIGOR MORTIS

A Companhia Vigor Mortis foi criada em 1997 por Paulo Biscaia Filho como um espaço para experimentar as possibilidades estéticas motivadas pelo Grand Guignol, o teatro de horror de Paris. Além do teatro, a Vigor Mortis atua como produtora de cinema. Em 2012, nos quinze anos da Companhia, será lançado o segundo Longamentragem NERVO CRANIANO ZERO. No teatro estão programadas as estréias das peças A MEIA NOITE LEVAREI TEU CADÁVER e MARLON BRANDO, WISKEY, ZUMBIS E OUTROS APOCALIPSES.

FICHA TÉCNICA DO ESPETÁCULO:

Texto | Direção | Videos : Paulo Biscaia Filho
Direção de Produção: Marco Novack

Elenco: Andrew Knoll - Cavalier
Guenia Lemos - Margeritte, a Médium
Luiz Carlos Pazello - Padre Lucas/ Irmã
Luiz Bertazzo - Homem de Terno
Rubia Romani -Dra. Estela Zorn
Christiane de Macedo - Mãe
Gustavo Saulle - V

Cenário | Figurinos | Adereços : Paulo Vinicius
Ass. de Figurinos: Day Bernardini
Ass. de Produção: Nika Braun
Cenotécnico : Birapaes
Iluminação: Wagner Corrêa
Operadora de luz: Erica Mitiko
Sonoplastia: Marco Novack/Paulo Biscaia Filho
Operadora de som e videos: Thaisa Pinheiro Carvalho
Orientador de Mágica : Mágico Hugo Moraes
Maquiagem: Marcelino de Miranda
Design Gráfico: José Aguiar
Diagramação material gráfico: Fabiano Vianna
Fotografia: Marco Novack
Uma Realização : Vigor Mortis Video Stage and Words

SERVIÇO:

Quando: De 21 de setembro a 23 de outubro.
De Quarta a Sábado às 21:00
Domingos as 20:00.
Sessões EXTRA : nos dias 9. 16 e 23 de outubro às 17:00.
____________________________________________________________
Não haverá apresentação da peça nos dias 30/09, 01 e 02/10.
____________________________________________________________

Quanto: Quartas R$2,00(inteira) e R$1,00(meia);
Quintas R$6,00(inteira) e R$3,00(meia);
Sexta a domingo: R$10,00(inteira) e R$5,00(meia).

www.vigormortis.com.br

Oficinas de Criação Teatral

2011-08-22T19:16:00.000-07:00

Neste semestre, em Setembro, volto a ministras as minhas oficinas de criação teatral em dois formatos, assuntos e lugares diferentes. Sempre que posso procuro manter ativa a função como palestrante e oficineiro como uma das atuações que mais me dão prazer na carreira artística. Estou muito feliz por isso.

A primeira formatação é sobre o figurino cênico e será oferecida aos alunos do curso de formação de atores da Academia de Artes Cênicas Cena Hum. No programa da oficina estão desde os assuntos relacionados à história da roupa até as ferramentas de construção do figurino cênico na cena contemporânea, passando pelo figurino enquanto dramaturgia e pelas diversas linguagens de construção artística: o teatro, a dança, o cinema e a TV. Esta oficina é restrita aos alunos da escola e atua como parte do programa de ensino da Academia.

A segunda formatação ultrapassa os limites do figurino para falar também sobre as poéticas do teatro no século XX e será oferecida aos educadores da rede pública da cidade da Lapa, interior do Paraná. A oficina é parte do Projeto de preservação do Patrimônio Cultural da cidade que este ano é considerada a capital da cultura no nosso país. Tal projeto tem o patrocínio do Ministério da Justiça e da Prefeitura da Lapa. As inscrições também são restritas aos professores do município inscritos no projeto. O objetivo deste projeto é formar multiplicadores de conhecimento onde, durante o semestre, cada aluno deverá formatar um projeto individual em uma das áreas oferecidas no programa que será acompanhado pelo professor responsável.

Quem quiser manter-se informado sobre as oficinas de criação teatral, oferecidas pelo Figurino e Cena e ministradas por mim, pode consultar a agenda no endereço: http://oficinasdecriacaoteatral.blogspot.com/

DIREÇÃO DE ARTE

2011-07-30T15:29:00.000-07:00

Todo ano dou sorte de ser surpreendido com convites fantásticos para trabalhos maravilhosos. Um desses convites no primeiro semestre de 2011 foi para fazer a direção de arte do mais novo longa metragem de Paulo Biscaia Filho. Depois de MORGUE STORY – SANGUE BAIACU E QUADRINHOS, primeiro longa do diretor exibido nos cinemas e vencedor de vários prêmios em festivais, o filme da vez é o NERVO CRANIANO ZERO. O roteiro do filme foi uma adaptação da peça homônima, montada pelo Paulo e pela Vigor Mortis em 2009, ocasião onde eu também fui o responsável pela cenografia do espetáculo. Desta vez, foram 20 dias de filmagens em estúdio e locações.

O lançamento oficial do filme será no final de Abril ou início de Maio de 2012.

Como sempre, para mim é um grande prazer e motivo de muito orgulho trabalhar com o Paulo Biscaia e estabelecer sempre novas parcerias de trabalho. Outro grande acerto neste trabalho foi a equipe que montei para trabalhar comigo na arte do filme, estou muito feliz por ter contado com o talento e o profissionalismo de Andréa Tristão e Leonardo Goulart, artistas extremamente competentes. Mais do que necessária foi também a preciosa colaboração de Marja Calafanje e Marco Novack. A direção de fotografia foi do querido e talentoso Mauricio Baggio. Ao final das filmagens todos nós ficamos muito satisfeitos com o trabalho e esperamos ansiosos pela finalização de NERVO CRANIANO ZERO. As fotos deste post integram o Still de Marco Novack.

NA ESTRADA

2011-07-19T22:19:00.000-07:00

Hoje iniciaremos uma turnê por 19 cidades do Estado de São Paulo com o espetáculo infantil M.M.M. A MONTANHA DO MEIO DO MUNDO, uma produção do Grupo Obragem de Teatro aqui de Curitiba.

M.M.M. foi montado em 2009, ano em que eu passei um semestre inteiro trabalhando com o Grupo Obragem e o espetáculo foi fruto dessa parceria. Parece incrível, mas já é o terceiro projeto que fazemos com o espetáculo e ainda não cumprimos nenhuma temporada aberta ao público aqui em Curitiba. Estreamos em Julho de 2009 num Festival de teatro Infantil promovido pela Caixa Cultural aqui em Curitiba. Depois fomos, no segundo semestre do mesmo ano, para o Festival Nacional do Teatro Infantil em Blumenau / SC. No ano passado, 2010, fizemos 22 apresentações pelo projeto de difusão teatral da Fundação Cultural de Curitiba, exclusivamente para escolas das Regionais. Tomara que ainda possamos fazer uma temporada aberta ao público curitibano em algum teatro bacana aqui da cidade, pois será um grande prazer.

Nossa Turnê deste segundo semestre de 2011 é promovida e patrocinada pelo SESI São Paulo. De Julho à Dezembro serão 30 apresentações e estaremos com o espetáculo em 18 cidades: Santo André, São Bernardo, Santos, São José dos Campos, Birigui, Marília, São José do Rio Preto, Franca, Araraquara, Rio Claro, Piracicaba, Itapetininga, Sorocaba, Osasco, Mauá, Botucatu, Atibaia e Bastos.

M.M.M. A MONTANHA DO MEIO DO MUNDO mostra os desafios da menina M.M.M. para vencer preconceitos e reconhecer suas qualidades. A peça apresenta uma narrativa repleta de descobertas, composta de importantes transformações na vida de M.M.M. Junto com seus amigos Mó, Mi e Mú, a menina encontra no símbolo da montanha uma maneira para vencer obstáculos.

Em 2010, M.M.M. recebeu o Prêmio Gralha Azul de Melhor Trilha Sonora pelo trabalho desenvolvido por Edith de Camargo no espetáculo e também recebeu a indicação de Melhor direção de espetáculo para crianças para Olga Nenevê.

É sempre muito bacana me apresentar neste espetáculo com a equipe tão querida e sempre tão profissional do Grupo Obragem. Viajar com estes amigos queridos fará do meu segundo semestre deste ano de 2011 uma fase de completa renovação da energia, objetivo sempre esperado para qualquer artista que, como eu, sempre preisa estar reciclando lugares, idéias e pessoas. Que venham as estradas e os muitos kilômetros, nós estamos prontos para a aventura!

As fotos desta postagem são de Luana Navarro.

FICHA TÉCNICA DO ESPETÁCULO:

Texto e Direção: Eduardo Giacomini e Olga Nenevê

Elenco: Elenize Dezgeniski (MMM)

Eduardo Giacomini (Moacyr)

Fernando de Proença / Ronie Rodrigues (Millôr)

Paulo Vinícius (Murilo)

Sonoplastia: Edith de Camargo

Narração: Fernando de Proença

Figurino e Cenário: Eduardo Giacomini

Ilustração: Olga Nenevê

Animação 2D e Edição de vídeo: Marlon de Toledo

Iluminação: Luiz Nobre

Fotos: Luana Navarro

Designer Gráfico: Alesandra Nenevê

Produção: Eduardo Giacomini Martins

Concerto Para Rameirinhas

2011-06-09T19:22:00.000-07:00

Sexo é o tema central do mais novo trabalho da CiaSenhas de Teatro. Por que não é lícito vender prazer? Por que é tão embaraçoso falar sobre prazer em uma sociedade que o propaga o tempo todo? Por que não sexo sem amor? Concerto para Rameirinhas que estreia dia 09 de junho, quinta-feira, às 20h, no Teatro Novelas Curitibanas, em Curitiba, sugere a reflexão de questões polêmicas como estas. Dois contos da escritora curitibana Luci Collin, Cotação do Dia e Fotinha, foram fontes de inspiração para o projeto que tem como proposta olhar para o prazer sexual a partir de um foco feminino. O trabalho foi viabilizado com o apoio da Prefeitura Municipal de Curitiba, Fundação Cultural de Curitiba, por meio do Fundo Municipal da Cultura – Programa de Apoio e Incentivo à Cultura.

Um dos contos retrata uma mulher casada que não suporta mais sujeitar-se à estrutura convencional do casamento, no outro conto a irmã mais velha escraviza sexualmente a irmã caçula. “Acho o trabalho da Cia Senhas muito corajoso, pois se trata de uma homenagem às prostitutas. É difícil lidar com esse constrangimento, com esse desconforto que elas, as prostitutas, nos trazem, mas é uma oportunidade de denunciar a hipocrisia. E o mais interessante é que a companhia faz isso de maneira leve, jocosa. Estou muito feliz com o resultado e grata pela possibilidade dos contos não ficarem presos ao papel e se transformarem em entidades sonoras”, declara Luci Collin.

Por tratar-se de um concerto, a presença da música é substancial neste trabalho, a trilha é executada ao vivo e é um dos níveis de linguagem utilizado pela diretora Sueli Araújo. Ela explica que a peça é resultado de um processo de criação colaborativo entre atores, músicos e direção. “Trata-se de uma brincadeira erótica que discute o prazer feminino, o direito da mulher ao prazer”, define a diretora. Ela é quem assina a dramaturgia do trabalho. “A partir dos contos de Collin fizemos uma colagem e criamos um novo texto que fala de sexo o tempo todo, de forma escancarada, sem pudor. A idéia é liberar as palavras, sem agressão. Parece que sobre esse assunto tudo já foi dito, mas não é nada difícil, ainda hoje, em pleno século XXI, tocar em tabus e velhos preconceitos nessa área. Por isso, o tema é pertinente e necessário”, revela. Sueli conta que há muito tempo a companhia tinha interesse em trabalhar com os contos da autora curitibana por se identificar com a escrita, com o universo que ela aborda e seu humor ácido. “Estamos muito excitados com esta possibilidade, pois o flerte era antigo”, conta Sueli.

A construção dramática se dá a partir da exploração de sonoridades de palavras, sons e instrumentos musicais. É no jogo de sentido e significado entre sons, instrumentos, personagens-atores, atores-narradores que se estabelecem as relações e se estrutura a dramaturgia da peça. O espaço cênico sugere uma rua com a presença da platéia em ambos os lados proporcionando uma atmosfera de intimidade e cumplicidade. Neste espaço se desenvolvem dois ambientes: um fictício que sugere um cabaré numa perspectiva urbana e contemporânea, sobre o qual desfilam as personagens presentes nos contos de Collin e no segundo ambiente músicos e atores assumem a “real” função de concertistas e condutores do cabaré. A encenação propõe o jogo dentro do próprio jogo teatral. Ora os atores são personagens, ora narradores da história, ou seja, ilusão e realidade se misturam e fazem parte do jogo. “Os contos da Luci são muito tocantes e de certa forma também divertidos. Acho que neste trabalho estamos nos permitindo descobrir novos caminhos de criação, de relação com o texto e também com a sonoridade das palavras”, conta a atriz Greice Barros.

Sobre o título da montagem a diretora explica que o termo rameirinha é uma forma graciosa escolhida para substituir rameira, cujo significado é prostituta. O sublime e o grotesco estão lado a lado nesta montagem que procura contrabalançar também a delicadeza e a crueldade. A dimensão dos textos de Collin trazida pela profunda humanidade dos seus personagens dialoga diretamente com a proposta de trabalho que a CiaSenhas vem desenvolvendo e buscando nos últimos anos.

FICHA TÉCNICA

Direção e Dramaturgia: Sueli Araujo

Contos “Fotinha” e “Cotação do dia”: Luci Collin

Atores: Anne Celli, Greice Barros e Luiz Bertazzo

Composição e Execução Musical: Ary Giordani e Luis Otávio

Direção de Movimento e Preparação Corporal: Cinthia Kunifas

Cenário: Paulo Vinícius

Figurino: Amábilis de Jesus

Iluminação: Wagner Corrêa

Maquiagem: Marcia Moraes

Design Gráfico: Adriana Alegria

Fotos: Elenize Dezgeniski

Direção de Produção: Marcia Moraes

Assistência de Produção: Lígia Oliveira

SERVIÇO

Concerto para Rameirinhas
De 09 de junho a 10 de julho
De quinta a domingo - Sempre às 20h - Teatro Novelas Curitibanas - Rua Presidente Carlos Cavalcanti, 1222 – São Francisco
Telefone: 41 3321 3358
Entrada Franca
Realização: CiaSenhas de Teatro

AVENIDA INDEPENDÊNCIA 161 - Trilha Sonora Para Coisas Irreversíveis

2011-05-16T07:52:00.000-07:00

Está em cartaz até 29 de Maio no Teatro Novelas Curitibanas o espetáculo AVENIDA INDEPENDÊNCIA 161 – TRILHA SONORA PARA COISAS IRREVERSÍVEIS com texto e direção de Paulo Biscaia Filho. O espetáculo é uma produção da MKF e tem no elenco Karla Fragoso, Ludmila Nascarella, Kassandra Speltri e Fabiano Amorim.

A dramaturgia é fragmentada, misturando tempos, repetindo momentos e revelando aos poucos as histórias e a ligação dos personagens. Em linhas gerais o espetáculo conta a história de duas irmãs, uma hipocondríaca viciada em jogo e uma eterna adolescente com espírito revolucionário, e de dois amantes, uma garota que fugiu de casa aos 14 anos com um guerrilheiro anarquista apaixonado pelos seus ideais. Estes quatro personagens tem em comum o endereço da Avenida Independência 161.

Nesta produção fui responsável pela cenografia, repetindo a parceria estabelecida com o diretor Paulo Biscaia nos espetáculos NERVO CRANIANO ZERO e MANSON SUPERSTAR da Cia Vigor Mortis, ambos em 2009.

O espetáculo fica em cartaz até o dia 29 de Maio, de quinta a Domingo sempre às 20h com entrada franca. A realização é da Fundação Cultural de Curitiba através do edital de ocupação do Teatro Novelas Curitibanas.

(foto de Janete Anderman)

FICHA TÉCNICA

Texto, Direção, Vídeos e Sonoplastia: Paulo Biscaia Filho
Assistente de direção: Fabiano Amorim
Elenco: Karla Fragoso, Ludmila Nascarella, Kassandra Speltri e Fabiano Amorim.
Cenário: Paulo Vinícius
Figurino e adereços: Karla Fragoso e Fran Ferreira
Iluminação: Wagner Correa
Produção: Márcio Tesserolli
Fotografia: Janete Anderman
Ilustração: André Azevedo
Designer gráfico: Maria Andrade

...OUOQQSERDES

2011-05-16T07:01:00.000-07:00

(foto de Mariana Brandão)

...OUOQQUISERDES, espetáculo dirigido por Mauro Zanatta, coloca em cena a obra Noite de Reis de William Shakespeare através da linguagem das máscaras. A Companhia do Ator Cômico resolveu propor um desafio a ela mesma: deixar William Shakespeare "sem palavras". As emoções e sentimentos, contidas nos textos do dramaturgo inglês, foram transportadas para um espetáculo em que os atores não falam. A montagem utiliza máscaras inteiras para transpor a comédia romântica de Shakespeare, onde é contada a história de um triângulo amoroso e muitos enganos. Esses desencontros amorosos são conduzidos por uma trilha sonora executa ao vivo, onde os músicos guiam o espectador pela história.

A peça ...OUOQQUISERDES voltou em cartaz no dia 4 de maio, no Teatro José Maria Santos após pouquíssimas sessões em outubro do ano passado no Teatro da Caixa. Acompanhei parte do processo de criação do espetáculo porque fiz o figurino e, após ter revisto o espetáculo neste último final de semana, constatei que o trabalho já está bastante diferente da temporada de estréia. As cenas evoluíram, ganharam a costura das narrações feitas pelo próprio Mauro Zanatta, enfim, como é de costume na Cia do ator Cômico, o trabalho está sempre em evolução. Quem ainda não viu não pode deixar de ver. Quem ja viu, vale muito a pena ver de novo. Não percam!

O espetáculo fica em cartaz até o dia 22 de Maio no Teatro José Maria Santos, de quarta a sábado, às 21h - domingos às 19h. Os ingressos custam R$ 20,00 (inteira) e R$ 10,00 (estudantes, idosos, portadores do cartão Teatro Guaíra, clientes CAIXA).

(foto de Mariana Brandão)

FICHA TÉCNICA:

Direção Geral e Preparação de Atores: Mauro Zanatta

Direção Musical: Paulo Demarchi

Músicos: Paulo Demarchi, Henrique Dronneau e Melissa Anze
Dramaturgia: Flavio Stein, Gabriel Rachwal e Mauro Zanatta
Atores / Criadores: Camila Jorge, Edran Mariano, Hique Veiga, Frank Sousa, Luana Godinho e Jussara Batista
Figurino: Paulo Vinicius
Cenário: Alfredo Gomes
Iluminação: Wagner Correa
Máscaras: Mauro Zanatta (criação), Polako (desenho), Daniel Feliz e Mauro Zanatta (confecção)
Adereços: Alfredo Gomes e Paulo Vinicius
Costureira: Sonia Franco
Design Gráfico: Adriana Alegria
Fotografia: Mariana Brandão
Assessoria de Imprensa: Fineza Comunicação e Cultura
Direção de Produção: Edran Mariano
Realização: Ator Cömico Produções Artísticas

DRAMATURGIA VISUAL

2011-04-12T19:00:00.000-07:00

(Cena do espetáculo Hamlet, dirigido por mim para os alunos do quinto período do

curso de formação de atores da Academia de Artes Cênicas Cena Hum em 2010)

O hibridismo alcançado pela mistura de diferentes linguagens artísticas na construção da cena teatral tem contribuído muito para desenvolver no meu trabalho de criador teatral um discurso indireto que eu tenho chamado de dramaturgia visual. Por uma linguagem teatral híbrida entendo a poética que tenho buscado através da utilização de diferentes elementos para a construção de um espetáculo. Tais elementos são provenientes de outras expressões artísticas como as artes visuais, o vídeo, a dança e a música, mas que reunidos completam o discurso visual do evento teatral. Dessa forma, não atribuo à dramaturgia verbal o principal elemento para que o espetáculo se realize. Na história do teatro, essa prática já vem sendo pesquisada desde as teorias de Adolphe Appia (1862 – 1928) e Gordon Craig (1872 – 1966) e tem se desenvolvido cada vez mais, principalmente a partir do teatro Pós Brecht, período que o pesquisador Hans-Thies Lehmann chama de pós dramático na sua obra O Teatro Pós-Dramático.

A autonomia da linguagem cênica pretende que uma cena, célula do teatro, articule seus elementos, devidamente selecionados, para refletir sobre suas próprias capacidades expressivas e que são independentes do texto articulado e previamente estabelecido. A experimentação no teatro é impulsionada pelo nascimento do cinema, que representa a realidade com mais eficácia, “é a partir daí que a teatralidade começa a ser trabalhada, ainda que timidamente, como dimensão artística independente do texto dramático, em um processo de autonomia que se completa apenas no final do século XX” (FERNANDES, Pág. 15).

Em outras palavras, entendo que escrevo uma dramaturgia visual na medida em que articulo um vocabulário de diferentes signos teatrais, associados ou não ao texto, buscando a criação de imagens, signos visuais, que se comunicam com o público e ampliam o conteúdo do discurso, uma vez que o sentido da cena só é completado com o entendimento subjetivo da platéia, seja ele racional ou sensível. Penso através de imagens e quero me comunicar efetivamente através delas. Para isso, os principais signos que considero de extrema importância para estarem associados às palavras articuladas são a iluminação, a sonoplastia, a cenografia, o figurino e, sobretudo, a presença forte e expressiva do ator.

Segundo Lehmann, a dramaturgia visual em geral acompanha a sonora no teatro pós- dramático. Ela não precisa ser organizada exclusivamente de modo imagético, pois se comporta, na verdade, como uma espécie de cenografia expandida que se desenvolve numa lógica própria de sequências e correspondências espaciais, sem subordinar-se ao texto, mas projetando no palco uma trama visual complexa como um poema cênico. Até a frieza formalista de certas imagens dessa dramaturgia pode funcionar, segundo Lehmann, como provocação, e é compensada pela corporeidade intensiva do ator, que se torna absoluta quando a substância física dos corpos e seu potencial gestual são o centro de gravidade da cena. (FERNANDES, pág. 26)

REFERÊNCIA BIBLIOGRAFICA:

GUINSBURG, J. e FERNANDES, Silvia. O pós-dramático. Perspectiva: São Paulo, 2009.

Segredos de Liquidificador

2011-03-18T14:45:00.000-07:00

No início do segundo semestre de 2010 recebi a missão de dirigir um espetáculo de teatro musicado com os alunos/atores formandos da Cena Hum, escola onde ministro a disciplina interpretação: Um elenco jovem, dois atores e quatro atrizes na faixa dos vinte anos. Pelo currículo da escola, no sexto e último semestre do curso de formação de atores os alunos devem passar por uma experiência onde possam cantar e dançar; este é um dos objetivos da grade curricular.

Busquei um projeto que traduzisse as expectativas daquela turma de alunos, algo em que eles realmente acreditassem e se apaixonassem de verdade. Parece que deu certo, terminaram o curso satisfeitos e felizes.

O espetáculo é uma homenagem ao cantor Cazuza e ao autor do texto Farid Lawi, grandes artistas, ambos falecidos na década de 90.

SEGREDOS DE LIQUIDIFICADOR volta em cartaz durante o Festival de Curitiba, edição 2011, com 10 apresentações e faz também uma apresentação especial com algumas cenas na Fenac do Shopping Barigui. É uma boa oportunidade para quem gosta de Cazuza. É uma ótima oportunidade para quem quiser conhecer um elenco de jovens atores, muito talentosos, alguns também cantores e que estão entrando no mercado de trabalho agora.

(foto de Luciana Ribas)

FARID LAWI

Diante desta missão fiquei pensando em mim quando tinha vinte anos e tentando lembrar quais eram as minhas expectativas artísticas. Nesta época eu cursava filosofia no campus da Unesp da cidade de Marília, interior do Estado de São Paulo. Com vinte anos minha principal influência no teatro foi a experiência que tive com Farid Lawi, autor, diretor de teatro e artista plástico da cidade de Bauru, minha cidade natal. Começamos a trabalhar juntos em 1991, quando eu ainda tinha 18 anos. Farid era um artista que atuava em várias áreas e, apesar do seu temperamento difícil, eu aprendia muito com a nossa convivência e experimentos artísticos. Uma das áreas em que ele melhor atuava era na escrita, escrevia dramaturgia e poesia. Seus textos falavam principalmente de amor, de paixões violentas e da existência. Eles marcaram profundamente o início da minha carreira profissional no teatro. Tenho cópia de várias peças dele, algumas que foram escritas exclusivamente para mim, motivo pelo qual me orgulho muito e faz aumentar a saudade deste amigo que partiu ainda muito jovem.

Farid Lawi viveu sua juventude na década de 80. Seus textos refletiam muito o pensamento daquela época, sobretudo no pensamento artístico. Ninguém melhor que ele para dar voz à história que se desenvolveria a partir das canções do Cazuza. Fui selecionando fragmentos de vários textos dele, costurando uma história na outra, aonde nós, diretor e atores, íamos descobrindo aos poucos, somando dados, construindo relações entre aquelas vozes e descobrindo quais eram os nossos personagens. Tudo falava de amor, texto, música, eu, eles, tudo.

(foto de Luciana Ribas)

CAZUZA

O cantor Cazuza marcou fortemente os anos 80 e 90. Foi um grande poeta e viveu intensamente o sexo, as paixões, as drogas e a vida. Ele cantou o amor, em prosa e em versos, através de metáforas geniais.

Nosso espetáculo nunca teve a intenção de ser uma obra biográfica, apenas tomamos a história e a atitude do poeta como inspiração para construir a nossa trama.

As letras das canções de Cazuza couberam perfeitamente como pano de fundo para a história do nosso personagem central. Elas dialogam com a encenação e emocionam a platéia quando são o foco principal da cena ou mesmo quando estão em segundo plano no espetáculo.

As escolhas foram minhas. Os arranjos e a direção musical foram de Junior Pereira, músico, cantor, sonoplasta e professor de canto dos alunos na escola. Entre vários fragmentos, algumas canções são executadas na íntegra, como por exemplo Codinome Beija Flor, um dos pontos altos do espetáculo.

(foto de Luciana Ribas)

SEGREDOS

No âmago da geração sexo, drogas e rock and roll, um acidente interrompe a carreira promissora do jovem vocalista de uma banda dos anos 80.

A história se desenrola por flashes da memória na UTI de um hospital. Mostramos uma história fragmentada pelo deslocamento de tempo, pela consciência daquele que agora se encontra no momento em que a vida nos passará como um filme na nossa mente. Um balanço final. Um encontro consigo mesmo. Uma despedida dos outros. Esta peça fala sobre a ausência, mais precisamente daquilo que deveria ser dito e não foi.

(foto de Luciana Ribas)

FICHA TÉCNICA -

Texto: Farid Lawi – Trilha sonora: Cazuza – Roteiro, direção e linguagem visual: Paulo Vinícius – Arranjos e direção musical: Junior Pereira Coreografias: Eraldo Kühl, Dayane Paixão e Clarissa Gindri - Edição de vídeo: Rodolpho Guttierrez – Fotografias: Thiago Herrero – Produção: Greice Yurie

Elenco: Angela Perini, Clarissa Gindri, Dayane Paixão, Greice Yurie, Rodolpho Guttierrez e Thiago Herrero

Musicos:Gleyson Meneguci, Junior Pereira e Rodolpho Guttierrez.

(foto de Luciana Ribas)

SERVIÇO:
Dia 24 de Março as 19h na Fenac do Shopping Barigui – Cenas editadas

Dias 30/03, 31/03, 01/04, 02/04, 03/04,06/04, 07/04, 08/04, 09/04 e 10/04 às 19h no Teatro Cena Hum – Rua Senador Xavier da Silva 166 – São Francisco – Curitiba.

GRUPO DE ESTUDOS EM TEATRO CONTEMPORÂNEO

2011-02-13T05:08:00.000-08:00

(Cena do espetáculo Passos do Grupo Obragem, primeira companhia convidada

para um bate papo no grupo de estudos - Foto de Elenize Dezgeniski)

No próximo dia 17 deste mês de Fevereiro inicia um grupo de estudo sobre teatro contemporâneo na Academia de Artes Cênicas Cena Hum. A organização das atividades está sob minha responsabilidade e da Airen Wormhoudt, também professora da Academia. As inscrições são gratuitas e estão abertas na secretaria da Cena Hum para todos os artistas, estudantes de teatro e também para aqueles interessados em formação de platéia de teatro.

Como conteúdo deste primeiro módulo, que durará o primeiro semestre de 2011, elegemos o panorama do teatro contemporâneo dentro da história mundial do teatro, afunilando para o trabalho dos principais encenadores e companhias do final do século XX e início deste XXI no Brasil.

Os encontros acontecerão uma vez por semana, sempre as quintas feiras das 09:30h as 12:00h. As discussões sobre a bilbliografia escolhida acontecerão quinzenalmente e na semana intermediária receberemos sembre a visita de um convidado para um bate papo com os integrantes do grupo de estudo. Como foco destes bate papos estará o trabalho de pesquisa de linguagem das companhias de teatro curitibanas.

Na abertura, agendada para as 10h do dia 17 apresentaremos o cronograma das atividades, com metodologia e bibliografia, e debateremos a primeira questão que ventilará como estímulo para as primeiras leituras.

No segundo encontro, abrindo os bate papos, teremos como primeira companhia convidada o Grupo Obragem representado pelos artistas Olga Nenevê (diretora, atriz e dramaturga) e Eduardo Giacomini (ator, produtor, figurinista e cenógrafo).

Maiores informações poderão ser recebidas diretamente na Cena Hum: Rua Senador Xavier da Silva, 166 - São Francisco - Curitiba – Tel. (41) 3333-0975 ou (41) 3016-0975.

RESENHA: O teatro e seu duplo

2011-01-14T10:44:00.000-08:00

I – Apresentação

Antonin Artaud (1896 - 1948) lutou contra o formato e o conteúdo do teatro de seu tempo. Buscou instaurar uma nova linguagem para o teatro, reformulando o já existente e edificando uma nova proposta. O teórico Alain Virmaux apresenta na sua obra Artaud e o teatro como se estruturou o seu entendimento sobre as idéias de Artaud e de como a sua obra preconiza uma visão renovada do fazer teatral: “Atonin Artaud disse tudo em O teatro e seu duplo, da maneira mais clara possível” (VIRMAX, pag. 35).

O que pretendo com a seguinte resenha é extrair de cada capítulo do livro as idéias e propostas mais pertinentes ao processo de entendimento do teatro contemporâneo associado à linguagem proposta por Artaud. No decorrer do texto, faço também citações das reflexões que Virmaux fez do seu entendimento das propostas de Artaud.

(Foto divulgação)

II – Parte 1: O TEATRO E A CULTURA

Na primeira parte do livro, Artaud faz algumas considerações a respeito da relação dos seres humanos com a cultura, onde apresenta esta ultima como “um meio apurado de compreender e exercer a vida” (ARTAUD, pag. 18). Para ele, o teatro deve ser uma linguagem artística que rompa com todas as limitações e que represente a vida como uma eterna magia, constituindo uma arte de elementos vivos. Alain conclui que essa relação do teatro com a vida torna-se muito significativa quando Artaud fala do teatro como se falasse da própria vida e questiona se o teatro seria o duplo da vida para Artaud, pois “de fato, no final da trajetória, teatro e vida acabam em uma fusão completa” (VIRMAX, pag. 39).

Artaud busca a magia para o teatro, pois ele define o teatro como um verdadeiro passe de mágica, isto é, “é preciso acreditar num sentido de vida renovado para o teatro onde o homem impavidamente torna-se o senhor daquilo que não existe e o faz nascer” (ARTAUD, pag. 22).

III – Parte 2: O TEATRO E A PESTE

Artaud imagina o teatro como uma revelação, uma exteriorização da crueldade presente num indivíduo. Dessa maneira ele compara a revelação que se dá, através do teatro, com a peste no sentido de ver explodindo em cena todas as forças profundas e ocultas que estão em potência no interior do ator. “Como a peste, o teatro é, portanto, uma formidável convocação de forças que conduz o espírito, pelo exemplo, à origem de seus conflitos” (ARTAUD, pag. 42). O teatro, assim como a peste, leva o homem a se ver exatamente como ele é, sem máscara, exteriorizando todos os sentimentos por piores que sejam: “O teatro, como a peste, é feito à imagem dessa carnificina, dessa essencial separação. Desenrola conflitos, libera forças, aciona possibilidades, e se essas possibilidades e essas forças são regras, a culpa não é da peste ou do teatro, mas da vida” (ARTAUD, pag. 44).

Alain Virmaux, sobre a definição da peste em Artaud, diz que ela “não é a imagem do teatro, ela é o teatro (VIRMAUX, pag. 45). Dessa forma, o teatro teria em si mesmo os meios de florescimento de idéias da apresentação de um mundo superior, uma forma verdadeira de vida renovada.

IV – Parte 3: A ENCENAÇÃO E A METAFÍSICA

Nessa terceira parte, o que mais me chama a atenção e o interesse é a descrição que Artaud faz do que ele chama de “linguagem concreta” e de como essa teoria pode ser vista sob a ótica da metafísica. Para ele, a cena é um lugar concreto e físico que deve ser construída através de uma linguagem independente da palavra e que satisfaça os sentidos onde os pensamentos expressados escapam a linguagem articulada.

Artaud diz que essa linguagem concreta, antes de se direcionar ao espírito deve, primeiramente, se comunicar aos sentidos do espectador e, possivelmente, num segundo momento, ser entregue à análise racional e intelectual. Essa poesia idealizada por ele deve resultar numa combinação de todos os meios de expressão (música, dança, artes visuais, pantomima, mímica, gesticulação, entonações, arquitetura, iluminação e cenário). O formato dessa linguagem proposta pertence à linguagem dos signos, ou seja, “esta linguagem que evoca no espírito imagens de uma poesia natural (o espiritual) intensa dá bem a idéia do que poderia ser no teatro uma poesia no espaço, independente da linguagem articulada” (ARTAUD, pag. 54). Tal poesia seria a descoberta de uma linguagem ativa, que é também anárquica, onde foram abandonados os limites comuns entre os sentimentos e a palavra.

O caráter metafísico dessa poesia é o que resultaria todo o seu real valor de ser. Ao se encontrar com o tempo e o movimento é que a poesia se torna teatral sob um ponto de vista metafísico. Nesse sentido, o teatro resgataria o seu conteúdo religioso e místico que se perdeu e essa nova linguagem, proposta por Artaud, seria estruturada sob a forma de encantamento, ou seja, “fazer a metafísica da linguagem articulada é fazer com que a linguagem sirva para expressar tudo aquilo que rotineiramente ela não expressa: é usá-la de um novo modo, excepcional e incomum (ARTAUD, pag. 62).

(foto divulgação)

V – Parte 4: O TEATRO ALQUÍMICO

Para Artaud o teatro é metafísico da mesma maneira que seria alquímico, ou seja, ele quer se tornar sensível a multiplicidade da vida, fazer um teatro de ambivalência onde “a ilusão é verdadeira, a destruição construtiva e a desordem ordenada” (VIRMAX, pag. 46).

Artaud aproxima o teatro da alquimia por conta do caráter do movimento que o teatro tem entre as forças antagônicas. Segundo ele, a operação teatral deverá fazer “ouro” pela relação conflitante que é provocada, pois “tanto a alquimia quanto o teatro são artes por assim dizer virtuais e que carregam em si tanto a sua finalidade quanto sua realidade” (ARTAUD, pag. 65).

VI – Parte 5: SOBRE O TEATRO DE BALI

Artaud apropria-se do teatro de Bali para exemplificar e inspirar a sua teoria teatral. Num primeiro momento, as aparições espectrais das personagens do teatro de Bali, antes de evoluírem para a linguagem simbólica, são para Artaud, a essência do teatro puro que ele busca, onde a sua concepção e execução só valerão quando atingirem certo grau de objetivação da cena. A eliminação das palavras, a opção pelos temas abstratos, a complexidade dos artifícios cênicos resultariam na aplicação da metafísica extraída de uma nova utilização da voz e dos gestos: “No seu novo emprego, a palavra vai então servir para desintegrar as funções habituais da palavra” (VIRMAX, pag. 90).

A tradução dessas imagens numa linguagem nova e discursiva, torara-se totalmente inútil diante do sentido preciso e intuitivo que os signos espirituais do teatro de Bali propõem. O efeito que essas imagens resultariam no público é uma intensa sensação de fantasia e riqueza enlouquecedoras.

A sutileza dos gestos, as variações de voz e os movimentos precisos seriam como um despertar mágico que acontece diretamente no espírito humano. A linguagem do teatro de Bali seria como uma fala anterior as palavras, “um estado anterior à linguagem e que pode escolher sua linguagem em música, gestos, movimentos e palavras” (ARTAUD, pag. 81).

Virmaux resume a visão que Artaud tem do teatro de Bali dizendo que “o que o entusiasma particularmente no espetáculo dos balineses é que, ao contrário de todo o teatro ocidental, ele encena uma lição de espiritualidade” (VIRMAX, pag. 48).

VII – Parte 6: TEATRO ORIENTAL E TEATRO OCIDENTAL

Artaud privilegia o teatro oriental ao ocidental. Ele dá como exemplo e inspiração o teatro de Bali que, segundo ele, nos fornece uma idéia física e não verbal, independente do texto, que no teatro ocidental é visto como literatura, como elo psicológico da cena, como supremacia da palavra no teatro.

O que Artaud pretende é buscar uma linguagem teatral pura, que atinja os mesmos objetivos interiores das palavras através das formas, sons, gestos e que coloque o seu sentido no mesmo nível que a linguagem articulada. O espírito deverá absorver essa nova linguagem teatral pura, que atinja os mesmos objetivos interiores das palavras através das formas, sons, gestos e que coloque o seu sentido no mesmo nível que a linguagem articulada. O espírito deverá absorver essa nova linguagem através do pensamento, ou seja, através daquilo que ela realmente representa e não simplesmente do que ela mostra. “Fazer isso, ligar o teatro à possibilidade de expressão pelas formas, e de tudo que houver em matéria de gestos, ruídos, cores, plasticidades, etc, é devolvê-lo à sua primitiva desatinação, é colocá-lo em seu aspecto religioso e metafísico, é reconciliá-lo como universo” (ARTAUD, pag. 92).

A real intenção de Artaud é saber se o espírito poderá ser capaz de absorver a linguagem icônica e visual no espaço da mesma maneira que consegue captar a linguagem articulada e o seu conteúdo psicológico. Para ele, o domínio do teatro não é psicológico, mas plástico. Com isso, ele não tenta eliminar a palavra do teatro, mas mudar a sua destinação, ou seja, torná-la apenas um meio de conduzir a expressão humana juntamente com os outros signos teatrais.

Essa metafísica formal de várias possibilidades no teatro fará surgir a idéia de uma poesia que se confundirá com a bruxaria. Essa tendência metafísica do teatro oriental, que se opõe a psicologia do ocidental domina, segundo Artaud, ao mesmo tempo, todos os planos do espírito. Extrair dos gestos, palavras, sons, músicas e da combinação deles a objetividade necessária é utilizar uma linguagem mágica que constituirá a encenação como uma bruxaria.

(foto divulgação)

VIII – Parte 7: É PRECISO ACABAR COM AS OBRAS PRIMAS

Ao dizer que as obras primas são qualidades do passado e que não servem para o tempo atual, Artaud propõe uma linguagem inovadora, recheada de riscos, na qual as imagens físicas e violentas instiguem a sensibilidade do público que se vê preso por forças superiores. Ele propõe a quebra dos antigos padrões em prol do movimento, da inquietação, da reflexão através de caminhos que não são confortáveis para nós. Ao abandonar as fórmulas psicológicas, vamos nos ater ao extraordinário da vida, que através da arte, mais empiricamente através do teatro, nos livre do lugar comum ao qual estamos habituados.

IX – Parte 8: O TEATRO DA CRUELDADE

Artaud nos diz que tudo o que atua é uma crueldade, portanto propõe um teatro que transforme o público presente com nervos e corações despertados.

O teatro da crueldade propõe estabelecer sobre os interesses das massas através de um espetáculo em movimento influenciando todos os espectadores, ou seja, um “espetáculo total” que explore a sensibilidade nervosa do público, “nesse espetáculo de tentação onde a vida tem tudo a perder e o espírito tudo a ganhar” (ARTAUD, pag. 112).

Alain Virmaux nota que Artaud “preconiza para o teatro da crueldade um espetáculo giratório e que propõe colocar o espectador no meio da ação para que seja envolvido e marcado por ela” (VIRMAUX, pag. 52).

X – Parte 9: O TEATRO DA CRUELDADE (Primeiro Manifesto)

Nesse primeiro manifesto, Artaud fortalece a idéia de que um teatro como ele imagina só será possível através da ligação mágica que privilegie o perigo e a atrocidade. Nesse sentido, o teatro deverá ter fundamentos orgânicos. Artaud utiliza termos como o exorcismo, as tentações, os encantamentos, etc. A linguagem pretendida será alcançada via linguagem do pensamento e do gesto. A crueldade é a base para que tudo se estabeleça.

A busca é feita pelo que pode ser expressado além da aplicação comum e cotidiana das palavras, dos sons, dos gestos e de toda a expressão intelectual e sensível que fuja da significação meramente psicológica. Uma metafísica da linguagem. O que importa para Artaud é que “através dos meios seguros, a sensibilidade seja colocada num estado de percepção mais aprofundada e mais apurada, é esse o objetivo da magia e dos ritos, dos quais o teatro é apenas um reflexo” (ARTAUD, pag. 117).

A técnica utilizada será a via de fornecer ao público uma visão de sonho, imagens sensitivas, uma absorção que o público obterá interiormente através desses estímulos. Os temas serão como chaves que funcionarão de elo de ligação entre as imagens e projeções apresentadas com o entendimento sensorial e intelectual.

O espetáculo deverá conter elementos físicos, objetivos e comuns a todos. A encenação será a mola propulsora para o processo criativo. A linguagem deverá propiciar uma leitura onírica da realidade. Os signos teatrais como a música, a luz e o figurino deverão fugir das concepções usuais e temporais, ou seja, deverão propiciar novas leituras estéticas e reflexivas.

No lugar do cenário estarão signos plásticos que remetem a outros lugares que não os comuns aos espectadores. O local, ou sala de espetáculo, não deverá separar a cena do público, ou, em outro sentido, o público deverá estar no meio ou arredores da ação propiciando uma comunicação direta entre espectadores e espetáculo. Com relação ao espaço cênico, Virmaux afirma que Artaud “sempre desejou para seu teatro um lugar novo e fundamentalmente diferente das salas tradicionais” (VIRMAUX, pag. 70).

O ator é um elemento de extrema importância e sua eficaz interpretação desencadeará o sucesso do espetáculo. Sua interpretação será formatada como uma linguagem codificada em movimentos e ritmos. A verdade e a naturalidade das entonações deverão ser aplicadas pelos atores como um exagero da interpretação e, dessa forma, “será preciso encontrar um tom de uma naturalidade pouco utilizada, escondida e como que esquecida, porém tão verossímil e tão real quanto um e outro” (VIRMAUX, pag. 55). Com relação ao espectador, Virmaux observa que “a condição essencial de uma ação física sobre o organismo do espectro reside na presença direta do ator” (VIRMAUX, pag. 67).

(foto divulgação)

XI – Parte 10 – CARTAS SOBRE A CRUELDADE

Nas três cartas publicadas, Artaud tenta esclarecer o que é o princípio da crueldade. O termo é usado para qualificar não uma situação de sadismo ou terrorismo e sangue, mas para qualificar o rompimento com o sentido usual da linguagem que retornarão as origens etimológicas da língua através dos conceitos abstratos que resultarão numa linguagem concreta. A crueldade “é uma espécie de direção rígida, submissão à necessidade” (ARTAUD, pag. 132).

Esse sentido de aplicação do termo crueldade está inteiramente ligado ao desejo de vigor e relação entre as forças opostas. Está ligado ao caráter vivo da lembrança, ao apetite e a força para tornar a cena em um constante movimento viril. A crueldade é a força, sem resistência, capaz de alcançar qualquer objetivo. É um impulso racional que move os desejos e necessidades mais básicas do ser humano.

Alain Virmaux sintetiza o objetivo do teatro da crueldade dizendo que ele “pretende fazer da representação algo tão localizado e tão preciso quanto à circulação do sangue nas artérias” (VIRMAUX, pag. 73).

XII – Parte 11- CARTAS SOBRE A LINGUAGEM

A encenação para Artaud é a parte verdadeiramente teatral do espetáculo. A cena é um espaço a ser ocupado e onde as coisas acontecem e, dessa forma, a linguagem das palavras deve dar lugar à dos signos, linguagem essa que atinja nossos sentidos de modo mais imediato: “Trata-se de conferir à representação teatral o aspecto de um espaço devorador, (...) que no domínio psicológico ou cósmico, se identifique com a crueldade” (VIRMAUX, pag. 84).

Artaud busca mudar o ponto de partida da criação teatral, substituindo a linguagem comum por uma diferente, “cujas possibilidades expressivas equivalerão à linguagem das palavras, mas cuja ordem será buscada num ponto mais profundo e mais recuado do pensamento” (ARTAUD, pag. 140).

As indicações dessa nova linguagem ainda deverão ser encontradas, voltando ao gesto de maneira espontânea, onde “gritos, onomatopéias, signos, atitudes e de lentas, abundantes e apaixonadas modulações nervosas, plano a plano, e termo a termo, essa linguagem se empenha em fazer todo o espaço falar, segundo o simbolismo e as analogias. Artaud busca tornar mágica a velha linguagem articulada através dos signos e novas possibilidades, proporcionando um “desencadeamento dialético da expressão” (ARTAUD, pag. 144).

Com relação ao principio do teatro, Artaud diz que ele é metafísico e, dessa forma, seu objetivo seria de criar mitos, “traduzir a vida sob seu aspecto universal, imenso e extrair dessa vida imagens nas quais gostaríamos de nos reconhecer” (ARTAUD, pag. 148).

A linguagem articulada das palavras deverá, segundo ele, ser substituída por gestos, jogos e repetições que sugeririam um maior número de imagens no cérebro do espectador. A volta do teatro para as origens ritualísticas seria um viés necessário para que o teatro se reafirme como linguagem.

XIII – Parte 12 - O TEATRO DA CRUELDADE (Segundo manifesto)

Com o teatro da crueldade, Artaud procura estabelecer um teatro construído sobre as idéias de rigor violento, condensação dos elementos cênicos, agitações e inquietudes características da época atual. O teatro buscará produzir mitos do ser humano e da vida moderna.

O homem total é o que pretende mostrar Artaud, ou seja, o objetivo de estudo não será apenas as características simbólicas do home e nem seu contexto puramente social. Esse teatro se dirigirá pela submissão às leis e preceitos.

O retorno aos mitos primitivos fará com que a encenação atualize os conflitos mais antigos do ser humano através de uma linguagem de movimentos e gestos que será sentida diretamente pelo espírito sem as deformações da linguagem articulada em palavras. O espetáculo será estruturado sobre todos os planos possíveis através de um grande número de imagens físicas e signos ligados aos momentos. Essa linguagem física só terá a sua real eficácia através da magia de uma atmosfera hipnótica em que o espírito seja atingido pela explanação dos sentidos.

Artaud sugere que as dissonâncias estejam presentes na criação do espetáculo que ocupará toda a extensão da sala de espetáculo. Dessa forma, o teatro será apresentado como uma continuidade da vida através dessa linguagem simbólica e icônica.

XIV – Parte 13 – UM ATLETISMO AFETIVO

Com relação ao trabalho do ator, Artaud reafirma a proposta de localizar fisicamente os sentimentos numa espécie de musculatura afetiva. “O ator é como um atleta do coração. (ARTAUD, pag. 162). O corpo do ator é apoiado pela respiração, uma questão primordial para Artaud, e cada movimento corresponde a uma nova respiração. Para ele, o ator deve pensar com o coração e deve procurar materializar suas paixões, ou seja, “a crença em uma materialidade fluídica da alma é indisponível à profissão do ator” (ARTAUD, pag. 164).

O conhecimento da respiração dá sentido as relações que o ator faz com o ambiente e com sua preparação física, assim, através da respiração, o ator “cava sua personalidade” (ARTAUD, pag. 166). Através de um conhecimento físico, qualquer ator pode aumentar a intensidade e o volume dos seus sentimentos.

No desenvolvimento desse teatro, a relação da poesia com a ciência deve ser desenvolvida segunda a noção de que toda emoção tem bases orgânicas. “Uma ciência tão exata quanto possível e relativa aos recursos do corpo, aos efeitos da luz e do som sobre os corpos” (VIRMAUX, pag. 74).

XV – Referências bibliográficas:

ARTAUD, Antonin. O teatro e seu duplo. Lisboa: Minotauro, s.d. (São Paulo: Max Limonad, 1884)

VIRMAUX, Alain. Artaud e o Teatro. Trad. Carlos Eugênio Marcondes de Moura (1 ed. Paris, 1970). São Paulo: Perspectiva, 1978.

FIM DE ANO

2010-12-20T07:26:00.000-08:00

Escrever mais assiduamente aqui no blog neste ano de 2010 foi algo que passei desejando o tempo todo. Por outro lado, não posso me lamentar muito também porque foi por um grande motivo: trabalhei bastante. O trabalho, quando é feito com bastante vontade, acaba substituindo outros prazeres como o de escrever por paixão, por exemplo.

Trabalhei com muita gente boa e querida. Aprendi muito. Troquei muito. Também perdi, mas os ganhos foram muito maiores. Fiz grandes amigos, ampliei a amizade com antigos amigos e, graças a Deus, não fiz nenhum inimigo.

Quando pensei que o ano terminaria bem, me surpreendi, fui indicado ao Prêmio Gralha Azul 2010 e o ganhei por um dos dois trabalhos que estavam na lista dos que mais tinham me dado prazer em fazê-los neste ano. Amigos queridos torceram por mim, fiquei muito feliz.

Quero aproveitar o final de ano para agradecer todos os profissionais com quem trabalhei - artistas, produtores e diretores. Foi um grande prazer. Que nos próximos anos possamos repetir nossa parceria bem acertada.

Agora saio para minhas tão merecidas férias e na segunda quinzena de janeiro estarei de volta para dar sequência nos projetos que já estréiam em fevereiro de 2011.

Ótimo final de ano para todos, que as energias sejam todas renovadas e boas férias!

Beijo grande,

Paulo Vinícius.

PRÊMIO GRALHA AZUL 2010

2010-11-20T06:56:00.000-08:00

(LENDAS JAPONESAS- foto de Daniel Sorrentino)

O Gralha Azul é o mais importante prêmio para os artistas de teatro do Paraná. Nesta edição de 2010 tive o prazer de ser indicado ao prêmio de melhor figurino por dois espetáculos: LENDAS JAPONESAS do Grupo Camêlo, dirigido por Preto Galiotto e MENTIRA! do Cena Hum, dirigido por mim. Agradeço muito pelas indicações e, principalmente, pela oportunidade de ter trabalhado com profissionais tão bacanas quanto estes que formaram as equipes destes dois espetáculos. Muito obrigado! Obrigado também a comissão julgadora e aos organizadores do prêmio. Estou muito feliz por isso!

A cerimônia de entrega será no dia 15 de Dezembro as 20:30h no Teatro Guaíra em Curitiba.

Desde já, estou de dedos cruzados!

Obrigado pela torcida!

Beijo a todos!

Paulo Vinícius.

(MENTIRA! - foto de Caco Ishizaka)

O Centro Cultural Teatro Guaíra em co – promoção com o SATED/PR e SEPED/PR (Entidades representativas da área das Artes Cênicas), divulga a lista de indicados para o Troféu Gralha Azul de 2010, 31ª Edição. Os espetáculos concorrem em 14 categorias: Texto Original ou Adaptado, Cenário, Figurino, Sonoplastia, Iluminação, Revelação - Atriz/Ator e Criadores, Ator Coadjuvante, Atriz Coadjuvante, Ator, Atriz, Direção, Direção de Espetáculo para Crianças, Espetáculo Para Crianças e Espetáculo.

A Comissão Julgadora deste ano é formada por: Christiane de Macedo, Eloá Petreca, Babiana Gomes Porrat Reiner, Sinval Ferreira Martins e Vitória Arabela Sahão.

Conheça os indicados:

1. TEXTO ORIGINAL OU ADAPTADO:

MARCIO ABREU por “Vida”

ALEXANDRE FRANÇA por “ Habituè”

LÉO GLÜCK por “ Rebecca"

2. CENÁRIO:

ALFREDO GOMES por “ Metaformose – Reflexões De Um Herói Que Não Quer Virar Pedra”

EDUARDO GIACOMINI por “Quando a Criança Era Criança”

FERNANDO MARÉS por “Lendas Japonesas”

MARCELO SCALZO e BLAS TORRES por “Sobrevoar”

3. FIGURINO:

MAUREEN MIRANDA por “Sobrevoar”

PAULO VINÍCIUS por “ Mentira!”

EDUARDO GIACOMINI por “Vitamina”

PAULO VINÍCIUS por “Lendas Japonesas”

4. SONOPLASTIA:

VADECO por “ Lendas Japonesas”

EDITH DE CAMARGO por “M.M.M. - A Montanha Do Meio Do Mundo”

KARLA IZIDRO por “ Sobrevoar”

5. ILUMINAÇÃO:

ANRY AIDER por “Lendas Japonesas”

BETO BRUEL por “Metaformose – Reflexões De Um Herói Que Não Quer Virar Pedra”

WAGNER CORRÊA por “ Obsceno Eu Público”

6. REVELAÇÃO - ATRIZ/ATOR e CRIADORES:

ALEXANDRE FRANÇA – DIREÇÃO - “Habituè”

MAÍRA LOUR– DIREÇÃO - “ Coração de Congelador”

UYARA TORRENTE – ATRIZ - “ Elizaveta Bam”

JOÃO PETRY – DIREÇÃO - “ O Visitante”

7. ATOR COADJUVANTE:

JOEL VIEIRA por “Um Chifre Nasceu Em Mim”

RODRIGO FERRARINI por “Vida”

TIAGO LUZ por “Lendas Japonesas”

8. ATRIZ COADJUVANTE:

MAIA PIVA por “ Habituè”

HELENA PORTELA por “ Medéia”

MAUREEN MIRANDA por “ Os Invisíveis”

9. ATOR:

MAURO ZANATTA por “Obsceno Eu Público”

LUIZ BERTAZZO por “ O Homem Piano”

TIAGO LUZ por “ Metaformose – Reflexões De Um Herói Que Não Quer Virar Pedra”

RANIERI GONZALEZ por “ Vida”

OTAVIO LINHARES por “Habituè”

10. ATRIZ:

CLAUDETE PEREIRA JORGE por “ Medéia”

TALITA DALLMANN por “ Engarrafados”

JULIANA ADUR por “ Coração de Congelador”

11. DIREÇÃO ESPETÁCULO PARA CRIANÇAS:

PRETO por “ Lendas Japonesas”

LETÍCIA GUIMARÃES por “Sobrevoar”

OLGA NENEVÊ por “ M.M.M. - A Montanha Do Meio Do Mundo”

MAURÍCIO VOGUE por “ Alice No País Das Maravilhas”

12. DIREÇÃO:

EDSON BUENO por “ Metaformose – Reflexões De Um Herói Que Não Quer Virar Pedra”

MARCIO ABREU por “ Vida”

DIEGO FORTES por “ Os Invisíveis”

13. ESPETÁCULO PARA CRIANÇAS:

“SOBREVOAR” da Cia do Abração

“LENDAS JAPONESAS” do Grupo Camelo

“ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS” da Messe Produções

“NA FAZENDA DAS MEIAS” da Cia Ânima Teatro de Bonecos

14. ESPETÁCULO:

“METAFORMOSE- REFLEXÕES DE UM HERÓI QUE NÃO QUER VIRARPEDRA” do Grupo Delírio Companhia de Teatro

“VIDA ” da Companhia Brasileira de Teatro

Maiores informações sobre o prêmio Gralha Azul no endereço: http://www.tguaira.pr.gov.br/modules/noticias/article.php?storyid=423

Entrevista no site CURITIBA CULTURA

2010-10-02T19:14:00.000-07:00

Abaixo transcrevo a minha entrevista feita pelo jornalista Diogo Woiczack sobre o espetáculo MENTIRA! para o site Curitiba Cultura. Para ver a postagem original é só clicar no link: http://www.curitibacultura.com.br/noticias/entrevista-com-o-diretor-paulo-vinicius

"Esta semana é a última da temporada do espetáculo Mentira! , no Teatro Cena Hum. A peça é dirigida por Paulo Vinícius, que também fez o figurino e o cenário, além da adptação do texto homônimo de Alexandre França. Para saber mais sobre essa personalidade de múltiplas funções – e também para saber mais sobre as multi-linguagens de Mentira! - entrevistamos Paulo Vinícius:
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CuritibaCultura: Quando vc chegou em Curitiba (Paulo Vinícius é de Bauru-SP)?
Paulo Vinícius: Cheguei no final de 2004.
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CC: E qual era o teu envolvimento com o teatro?
Paulo: Com a cena daqui nenhum. Eu tinha duas vontades: uma era morar em Curitiba e fazer uma graduação em artes cênicas (eu só tinha graduação em filosofia). Sempre trabalhei com Teatro, mas minha formação era autodidata , intuitiva – não tinha uma formação acadêmica. Então vim pro vestibular e já fiquei. Antes da prova fui conhecer o trabalho das pessoas e os espaços. Fui conhecendo o trabalho de todo mundo, observando, classificando, vendo os aspectos que admirava ou que passei a admirar... Trabalho com muitos desses diretores hoje, o que para mim é muito gratificante...
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CC: Eu gostaria de saber: Vc começou como ator e depois foi desenvolvendo essas outras funções?
Paulo: Quando comecei no teatro não era profissional apesar de encarar como, em 1990, em Bauru. Dirigi meu primeiro espetáculo em 1990. Só que aí eu comecei a fazer tudo junto, porque como tava surgindo eu quis fazer o figurino e tive que fazer o cenário, por necessidade... mas também por vontade, porque eu gostava e sentia que aquilo eu podia fazer. Daí segui trabalhando com filosofia, com moda, com carnaval e o teatro junto. Eu não sobrevivia de teatro, mas nunca deixei de fazer teatro. Na faculdade eu fiz curso de interpretação - na FAP (Faculdade de Artes do Paraná) - e todo o trabalho eu sempre me preocupava com a encenação, com estética, figurino, cenário, com o trabalho de uma forma geral. Como eu já tinha outros trabalhos como figurinista, fui trabalhando e formatando meu portfólio. O pessoal foi gostando e me chamando. Mas assim como eu faço figurino e cenário, eu também atuo, eu também dirijo. Tudo no teatro me interessa. Algumas coisas eu não faço porque não sei fazer, como iluminação, que tenho noção, mas não conhecimento técnico.
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CC: O que entendi é que você acumula todas essa funções por uma questão de que pra vc é natural, pois desde o início trabalhou assim. Então em decorrência desses convites, para fazer cenário e figurino, que surgiu a Figurino e Cena?
Paulo: Na verdade a Figurino e Cena começou antes mesmo de eu vir para Curitiba. Eu pensei: preciso arranjar uma forma de organizar meu portfólio. Foi aí que surgiu a proposta de uma marca, que é a Figurino e Cena. Que, sobretudo, remete a essa coisa de figurinista, mas que também abrange todas os âmbitos do teatro.
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CC: E como foi com Mentira!?
Paulo: O figurino de Mentira! tinha espaço para uma linguagem que foge do cotidiano, uma coisa mais teatral mesmo. O figurino do Mentira! tem referências da França mas também do Kitsch, do carnavalesco. O Mentira! partiu dessa vontade de trabalhar com a estética pop, com a estética kitsch.
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CC: O que te levou a eleger essas estéticas?
Paulo: Mentira! é um trabalho que parte de um lugar que é plástico, estético. O meu trabalho no teatro é muito ligado a estética. Então surgiu primeiro dessa necessidade. Eu repensei os trabalhos que fiz na intenção de fazer algo diferente – vontade de mudar. Minha primeira ideia era fazer um espetáculo colorido. Pensei com que poderia trabalhar, e eram tantas linguagens que eu queria por... e isso dialogava com algo mais teatral mesmo, entende? Então eu lembrei do Mentira!, texto do (Alexandre) França que eu já conhecia. Então o texto entrou em um segundo momento. E como eu já o conhecia,sabia que, para montar este trabalho, teria que adaptá-lo – a idéia original não caberia. Daí eu falei com o França, pedi autorização, ele topou, autorizou. Eu disse que adaptaria e mandaria para ele, e que quando tivesse algo concreto de cena chamaria ele para ver o ensaio. O texto ele aprovou, só ficou o final em aberto que decidiríamos juntos. Já fui pensando no elenco – essa coisa de fazer tudo – e já fui convidando o pessoal. Quando começamos a trabalhar eu percebi que na estrutura dramatúrgica do texto caberia uma pegada mambembe para o espetáculo – essa coisa de um grupo de atores compondo e interpretando aquela estória.
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CC: E como foi esse processo de montagem?
Paulo: Fui mostrando tudo o que dialogava com o trabalho que íamos fazer: mostrei cores, texturas, estampas, imagens de roupas, sapatos, perucas... A gente foi criando referências comuns para a equipe. Na parte musical fui dando a entender que o espetáculo tinha mais a ver com jingle do que com canção. O cenário tinha necessidade de projeções, porque a dramaturgia tinha um gancho pra isso – ela dizia: ao fundo é projetado um quadro de Jacques Louis David. Então eu teria que ter mais uma parceria, com artistas dessa área. Daí eu lembrei da Paraphernália Produções Artísticas, que estavam trabalhando com curta metragem, animação, e achei que eles iriam contribuir muito com o espetáculo. Com todas essas informações fui observando que o espetáculo era a soma dessas diversas linguagens. E como eu poderia classificar isso? Então pensei no conceito do barroco. Barroco no sentido de que é uma junção de vários elementos, excessivo.
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CC: Ouvindo isso percebo que tudo isso se encaixa na coisa da farsa...
Paulo: Sim, que é uma coisa que o texto trouxe.
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CC: ...por exemplo essa releituras (ex: como acontece nos figurinos), de customizar...
Paulo: isso, uma re-significação. O texto traz isso para a interpretação: Atores interpretando personagens. Queria que a platéia entendesse que aquilo que está acontecendo no palco é uma mentira. Uma coisa meio Brecht , com o ator se dirigindo diretamente para a platéia, fazendo com que essa platéia sinta que aquilo é teatro, uma mentirinha, não uma verdade. Então os atores contam uma estória e interpretam personagens, mas personagens construídos.
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CC: Eles estão interpretando atores?
Paulo: Eles estão interpretando atores e esses atores estão interpretando personagens. O ator num estado performático. E outra coisa que o texto traz é o jogo entre atores, numa relação triádica com a platéia.
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CC: E nesse jogo existe uma improvisação, uma criação por parte do ator?
Paulo: Existe. Mas tentei direcionar essas improvisações para que elas respeitem a dramaturgia. Mas existe sim, o que faz com que cada espetáculo seja diferente do outro, o que está na própria natureza efêmera do teatro. "

A MENTIRA POLÍTICA, O FINGIMENTO ARTÍSTICO

2010-09-26T17:13:00.000-07:00

Nesta postagem, publico o texto feito pela jornalista Luciana Romagmolli para o Caderno G do jornal Gazetta do Povo de Curitiba no dia de estreia do espetáculo, 16/09/2010. As fotos são de Mariana Brandão.

"Charlotte Corday (1768-1793), filha de uma família monárquica e simpatizante dos girondinos, foi guilhotinada quatro dias depois de cravar uma lâmina no peito de Jean-Paul Marat, porta-voz da ala mais radical da Revolução Francesa, o partido jacobino. Jacques-Louis David (1748-1825) preparou a pele dele (castigada por uma doença crônica) para o funeral e o imortalizou na tela A Morte de Marat. Pintor da República, David retratou com suas tintas também a ida de Maria Antonieta à decapitação.
Opostos por suas visões políticas, em um momento em que se desenhava a polarização entre direita e esquerda, Charlotte e David se enfrentam na imaginação do dramaturgo curitibano Alexandre França (Habituê e Final do Mês). O encontro fictício entre os dois personagens históricos acontece no espetáculo Mentira!, em cartaz a partir de hoje no Teatro Cena Hum.

É a primeira montagem da peça a chegar ao palco, mas não a primeira tentativa. Havia planos de o próprio autor dirigir o texto em um espetáculo que estrearia no Festival de Curitiba deste ano, mas o projeto não vingou. Quem ora assume a direção é Paulo Vinícius, estreando na função – ao menos dentro dos limites curitibanos.
Há seis anos na cidade, Paulo Vinícius acumula trabalhos como ator (em Chiclete&Som, dirigido por Nina Rosa Sá), figurinista (Manson Superstar, da Vigor Mortis, e Noite de Reis, que Mauro Zanatta estreará em outubro) e cenógrafo (Homem Piano, da CiaSenhas), além de dar aulas de interpretação na Cena Hum. Antes, vivia em São Paulo, onde fazia a direção de espetáculos.

O diretor adaptou o texto às suas pretensões estéticas, identificadas com o pop e o kitsch, o circo e o carnaval, em uma “pegada mambembe”. O debate político está introjetado na encenação, sem que isso tenha sido pensado em coincidência com o período eleitoral atual. “A peça fala de política pela metáfora”, diz. “Através da mentira, discute o discurso político, a expressão artística e o fazer teatral, o fingimento do ator ao interpretar o personagem. A mentira é tomada nesse sentido amplo.”

Ao criar o cenário e os figurinos de Mentira!, Paulo Vinícius deu à figura clássica francesa (com suas imponentes perucas) um tratamento contemporâneo, misturando estampas de zebra com fuxico, e abusando das cores e texturas. Foi uma maneira de interpretar os apontamentos sobre propaganda contidos no texto, inclusive com referências a marcas de produtos industriais. Das embalagens comerciais ao pop de Andy Warhol, das misturas excessivas de materiais ao kitsch, o caminho cumprido aproximou a montagem de uma linguagem que o diretor considera barroca.
Faltou Paulo Vinícius atuar. Essa parte, o diretor deixa com um grupo de quatro atores profissionais: Fabiano Amorim e Luiz Brambila, Verônica Rodrigues e Lubieska Berg. Os dois homens se revezam na pele de Jacques-Louis David, enquando as duas garotas fazem Charlotte Corday. Não bastasse compartilhar os personagens, o elenco também entra em cena desnudado desses papéis, para discutir as posições políticas e o rumo que a peça deve tomar. Oscila entre dois registros: a presença cênica e o personagem construído, naquele tom de exagero dramático do “teatrão”. "

O link para ver a publicação original é: http://www.gazetadopovo.com.br/cadernog/conteudo.phtml?tl=1&id=1047083&tit=A-mentira-politica-o-fingimento-artistico

SERVIÇO: MENTIRA! No Teatro Cena Hum (R. Sem. Xavier da Silva, 66, (41) 41 3333-0975. Texto de Alexandre França. Direção de Paulo Vinícius. Com Fabiano Amorim, Leandro Leal, Lubieska Berg, Luiz Brambila e Verônica Rodrigues. Quinta a sábado, às 21 horas, e domingo, às 19 horas. Até 3 de outubro.

Com quantos fuxicos se faz uma mentira?

2010-08-12T18:49:00.000-07:00

MENTIRA! é Pop. É Kitsch. É um discurso tecnicolor. E por ser tudo isso, ao mesmo tempo, é também Barroco.
Enquanto teatro é jogo e enquanto jogo questionada a veracidade das regras. Enquanto encenação, passa pelo Mambembe, pelo Musical e pelo Circo para se tornar Contemporâneo.
De um lado, dois personagens da Revolução Francesa, Charlotte Corday e Jaqcues Louis David, debatem sobre o sentido da arte num tempo de revoluções e cabeças cortadas. Do outro lado, cinco atores discutem a respeito de qual posição política a peça que ali ocorre deveria tomar.

DRAMATURGIA: Alexandre França.
DIREÇÃO E FIGURINOS: Paulo Vinícius.

COMPOSIÇÃO E DIREÇÃO MUSICAL: Leandro Leal

PROGRAMAÇÃO VISUAL E VIDEO/PROJEÇÕES: Paraphernália Produções Artísticas (Luci Orttega, Fábio Miranda e Ricardo Juchem)

ELENCO: Fabiano Amorim, Leandro Leal, Lubieska Berg, Luiz Brambila e Verônica Rodrigues.

MAQUIAGEM: Luiz Lopes.
CONSULTORIA DE ILUMINAÇÃO: Wagner Correa
FOTOS: Caco Ishizaka.
REALIZAÇÃO: Cena Hum Academia de Artes Cênicas.

SERVIÇO:
De 16/09 a 03/10 – De Quinta a Sábado as 21h e Domingos as 19h no Teatro Cena Hum – Rua Senador Xavier da Silva 166 – São Francisco – Curitiba/PR. Informações (41) 9665-3643

CLARICE E O TEATRO

2010-07-21T17:12:00.000-07:00

Neste primeiro semestre de 2010 pude exercer duas funções extremamente prazerosas: lecionar teatro e continuar minha pesquisa sobre a escritora Clarice Lispector. Fui responsável por duas turmas do curso de formação de atores da Academia de Artes Cênicas Cena Hum de Curitiba. Com ambas, mergulhei novamente no universo clariceano. Como resultado dos processos, constatei que o prazer em juntar Clarice o teatro não foi só meu, mas também dos alunos. Nas próximas linhas segue um pequeno relato dos dois espetáculos. As fotos são de Caco Ishizaka.

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FELICIDADE CLANDESTINA

Um elogio à narradora do invisível. São três histórias, três contos de Clarice Lispector que se entrelaçam no instante em que suspendemos a respiração e engolimos a seco. De tantos contos escritos por Clarice, escolhemos Macacos, Uma galinha e Felicidade Clandestina, texto que deu nome ao nosso espetáculo. O foco deste trabalho foi para o lado família da Clarice, nos debruçamos sobre textos que resgatavam a vida cotidiana da escritora, ficcionalisados através da literatura.
Como pesquisa de linguagem, mergulhamos no trabalho do ator narrador para tentar descobrir em que momento a palavra escrita, célula da literatura, poderia se tornar teatro na boca dos atores. Entendemos também que a célula do teatro, por sua vez, é a cena e que a cena só poderia se concretizar através do corpo do ator. Então, o que mostramos foi a soma de tudo isso.
Ficamos felizes. E por ser Clarice, parece que já pressentíamos que a felicidade também nos seria clandestina.

Ficha técnica:

Roteiro e direção: Paulo Vinícius
Elenco: Ângela Perini, Clarissa Gindri, Dayane Paixão, Greice Yurie, Mariana Kauchakje, Rodolpho Guttierez, Thabata Oliveira e Thiago Herrero.
Coreografia: Dayane Paixão
Programação visual: Edson Godinho
Operação de som: Giselle Benvenuti

Operação de Luz: Paulo Vinícius
Participação especial: Trecho do conto O ovo e a galinha narrado em off pela atriz Simone Hidalgo.
Produção: Mariana Kauchakje

Realização: Cena Hum - Academia de Artes Cênicas

CASA

A Casa como Metáfora do Corpo: Morada do Ser, do Pensamento que questiona a Vida e se prepara para a Morte. O Corpo-Casa que se relaciona com o Mundo e com o Outro. Sobre a Existência. Uma personagem criada a partir da vida e da obra de Clarice Lispector. Foi com um enorme prazer que nós, professor e alunos, mergulhamos no universo clariceano e que, modificados e comprometidos, retornamos ao teto de uma Casa cujo telhado misterioso ainda poderá ser explorado. Com os olhos bem abertos e o coração inquieto, áspero e pulsante. Neste trabalho, o foco foi para uma Clarice estrangeira no mundo, que quase não suportava permanecer dentro do próprio corpo, para isso, nos apoiamos nos livros Água Viva, Uma aprendizagem ou o Livro dos prazeres, A hora da Estrela e A via Crucis do corpo. De todos os lugares que percorremos, nos sobrou a enorme certeza: nunca mais seremos os mesmos!

Ficha técnica:

Direção, Roteiro e Linguagem visual : Paulo Vinícius
Elenco: Emanoelli Carvalho, Érica Colognesi, Evelise Miranda, Giselle Benvenuti, Guilherme Sanches, Mateus Dal Ponti, Michelle Rodrigues e Ricardo Elias.
Fotos: Caco Ishizaka
Maquiagem: Luis Lopes
Coreografias: Michelle Rodrigues
Direção para canto e baixo acústico: Junior Pereira
Operação de projeções: Luiz Brambila
Operação de som: Manoelle Maciel

Operação de luz: Paulo Vinícius
Produção: Michelle Rodrigues e Giselle Benvenuti

Realização: Cena Hum - Academia de Artes Cênicas

MENTIRA!

2010-07-21T16:16:00.001-07:00

A produção e os ensaios do espetáculo MENTIRA! seguem a todo vapor! A estreia acontece no mês de Setembro. As fotos são de Caco Ishizaka. Em breve, maiores informações!

FICHA TÉCNICA: Dramaturgia: Alexandre França – Direção e figurinos: Paulo Vinícius – Direção musical e composição: Leandro Leal – Elenco: Fabiano Amorim, Leandro Leal, Lubieska Berg, Luiz Brambila e Verônica Rodrigues – Programação visual e vídeos/projeções: Paraphernália Produções Artísticas (Fábio Miranda, Luci Orttega e Ricardo Juchem) – Consultoria de iluminação: Wagner Correa – Maquiagem: Luiz Lopes – Fotos: Caco Ishizaka – Realização: Cena Hum Academia de Artes Cênicas.

CiaSenhas estreia HOMEM PIANO - UMA INSTALAÇÃO PARA A MEMÓRIA

2010-07-06T20:14:00.000-07:00

HOMEM PIANO – UMA INSTAÇÃO PARA A MEMÓRIA é o mais novo trabalho da CiaSenhas de Teatro e a minha primeira parceria com a companhia. O resultado é proveniente de alguns meses de um delicioso trabalho com esses amigos queridos, artistas talentosos. Nas linhas abaixo, você poderá saber um pouco mais sobre o processo de criação e o desenvolvimento. Não deixe de ver, a entrada é franca, reserve seu lugar e aventure-se. Vale a pena! As fotos deste post são de Elenize Dezgeniski.

Neste espetáculo-instalação, ator e público compartilham o espaço-tempo do aqui e agora, e tecem juntos a memória de um homem, cuja história se constrói a partir de esquecimentos e lembranças coletivas.A pesquisa foi iniciada em 2008 no projeto “Narrativas Urbanas – interferências e contaminações” através do edital de Pesquisa em Linguagem Teatral promovido pela Fundação Cultural de Curitiba. Este projeto previa a investigação de fatos reais com repercussão na mídia, selecionados pelos atores. A idéia era problematizar informações midiáticas e conflitos humanos. No projeto inicial o ator Luiz Bertazzo pesquisa possibilidades de levar à cena a angustia de um Homem que perde a memória, vive a ausência de identidade e começa a se comunicar com o mundo através do piano.

A pesquisa se transformou em espetáculo contemplado agora pelo Prêmio Myriam Muniz. O processo de criação, para esta fase, começou em janeiro de 2010 e estréia dia 08 de julho com temporada até dia 18. Serão três apresentações diárias, às 16h, às 18h e às 20h.
Em seu formato final, “Homem Piano” ocupa a sede da CiaSenhas de Teatro e propõe a experiência da construção de memórias entre público e ator num espaço/instalação em que teatro, ficção e realidade se misturam. O público é conduzido pelo ator pelos três andares da sede. No percurso ele é convidado a recordar suas memórias mais felizes ou tristes e se quiser, ao final, poderá doá-las ao Homem Piano.

Neste trabalho a experiência da recuperação das memórias contempla a construção do ontem que reverbera no hoje e nos projeta para o amanhã. No movimento entre lembrar ou esquecer sugerido no trajeto do espetáculo surgem questionamentos e inquietações silenciosas: “Devo lembrar ou esquecer do afeto que me causa saudade, lembrar ou esquecer daquela humilhação inconfessável?”.
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SERVIÇO:
HOMEM PIANO – UMA INSTALAÇÃO PARA A MEMÓRIA
08 A 18 DE JULHO (TODOS OS DIAS EXCETO DIA 14)HORÁRIOS: 16H, 18H E 20HLOCAL: CIASENHAS DE TEATRORUA SÃO FRANCISCO, 35 - CENTROFONE: 3222-0355ENTRADA FRANCA20 lugares por sessão
homempiano.blogspot.com

FICHA TÉCNICA
Uma criação compartilhada de Luiz Bertazzo e Sueli Araujo - Dramaturgia e Direção: Sueli Araujo - Ator: Luiz Bertazzo - Preparação Corporal: Cinthia Kunifas e Mônica Infante - Desenho de Som: Ary Giordani - Desenho de Luz: Fábia Regina e Victor Sabbag - Ambientação do Espaço Cênico: Paulo Vinícius - Figurino e Consultoria Visual: Amábilis de Jesus - Direção de Produção: Marcia Moraes - Assistência de Produção: Lígia Oliveira - Design Gráfico: Adriana Alegria -Fotografia: Elenize Dezgeniski - Consultoria de Vídeo: Luciana Barone - Realização: CiaSenhas de Teatro

O FIGURINO NO TEATRO CONTEMPORÂNEO

2010-06-13T18:21:00.001-07:00

Por ser um importante elemento da linguagem visual do espetáculo, o figurino é muito mais do que a segunda pele do ator ou o identificador da personagem. É signo, comunicação, uma das várias linguagens do espetáculo que, juntas, compõem o que poderíamos chamar de linguagem cênica, estética ou poética teatral, segundo as características de cada processo ou de cada encenação.
Para cada processo, cada espetáculo, cada diretor, há uma forma mais adequada de criação e desenvolvimento do figurino. Este texto tem como objetivo pensar as possibilidades da criação e execução do figurino para as necessidades do teatro. É a partir delas que normalmente se dá o meu trabalho como figurinista.
Dentre todos os caminhos, cito cinco formas que identifico como possíveis para a cena contemporânea:

(Cena do espetáculo ABSTRATOS - 2008)

A RECONSTRUÇÃO
Esse processo se dá quando o espetáculo é ambientado numa época definida e tem como objetivo reconstruir fielmente as características desse período.
Aqui, meu trabalho consiste primeiramente numa pesquisa aprofundada da época, bem como o estudo do período e da moda. A partir dessa primeira fase, o figurino passa a ser criado e confeccionado segundo as características e necessidades das personagens, texto e cenas referentes.
O processo de reconstrução na criação do figurino se caracteriza como um mergulho no tempo especificado, espaço estabelecido e no interior das personagens após longas conversas com o diretor, atores e demais profissionais envolvidos na criação e construção do espetáculo.

(Cena do espetáculo ONÍRIKUS - 2007)

A CRIAÇÃO
São inúmeras as possibilidades de criação no figurino teatral. Normalmente esse processo se dá quando sou chamado para desenvolver o figurino de um espetáculo cuja linguagem cênica é desenvolvida pelo próprio encenador. Os croquis são desenvolvidos a partir de temas, textos, conceitos, espaços e qualquer outro estímulo ou ponto de partida. Nesse caso a criação do figurino pode acontecer sem nenhuma exigência rígida por parte do texto, diretor ou produtor. Tudo está aberto para novas possibilidades que venham adequar o figurino ao conjunto do espetáculo.

(Cena do espetáculo RECREIO PINGUE PONGUE - 2008)
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A COMPOSIÇÃO
Compor um figurino pode ser executá-lo a partir de peças compradas prontas ou sobre peças do próprio guarda roupa do grupo ou companhia.
Os principais elementos que levo em consideração nesse trabalho é a composição de cores, estilos e formas que estarão em cena sobre o cenário e sob a luz.
Um figurino é desenvolvido por esse processo por motivos práticos como o tempo curto de trabalho, o orçamento limitado da produção, a ausência de mão de obra especializada ou talvez por melhores resultados quanto à fidelidade da criação.
Apesar de aparentemente parecer simples, compor um figurino pode ser um processo muito mais complicado e dispendioso que qualquer liberdade de criação pode proporcionar. A composição oferece excelentes resultados apenas quando estiver associada a uma profunda capacidade estética de acabamento e criatividade para as soluções do figurinista. É também uma arte.

(Cena do espetáculo MANSON SUPERSTAR - 2009)
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A COLABORAÇÃO
Nesse processo eu acompanho toda a criação e o desenvolvimento do espetáculo, estou presente nos ensaios. O diálogo com a equipe é peça fundamental para o desenvolvimento do figurino colaborativo, pois ele será criado segundo as necessidades de cada ator somadas aos interesses do grupo e ao conceito trabalhado.
O figurinista, envolvido integralmente com o projeto, se preocupa não apenas em vestir a personagem, mas o ator.
Cada linguagem exige uma roupa específica que deverá ser experimentada, substituída e evoluída. Aqui o figurino não é nunca imposto por mim, mas criado com a participação do elenco, diretor e de toda a equipe.

(Cena da gravação do vídeo clipe ELES ME QUEREM ASSIM - 2007)

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A ESTIMULAÇÃO
Chamo de estimulação a forma onde o figurino é criado anteriormente a qualquer outro elemento prático do espetáculo. Este processo destina-se aos espetáculos de teatro ou dança contemporâneos que têm no corpo a principal ferramenta do seu discurso.
Neste processo, o figurinista é peça fundamental para a concepção e o desenvolvimento do texto, da cena e, numa proporção maior, do espetáculo. O figurinista estaria também ocupando outros lugares que em outro processo seriam apenas ocupados pelo autor e pelo diretor, o que não elimina a existência dessas funções, apenas os trabalhos dos três artistas são desenvolvidos horizontalmente.
O figurino é o que estimulará a dramaturgia corporal do espetáculo. É sobre a influência que o figurino exerce no corpo do ator que o “texto” será desenvolvido. Neste processo o ator se entrega às criações do figurinista que, por sua vez, estará valorizando, facilitando e estimulando o trabalho do ator.
O fato de ser também ator e conhecer as possibilidades e necessidades desse ofício facilita imensamente meu trabalho como figurinista, principalmente num processo como este.
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Enfim, muitas são as possibilidades de diálogo do figurino com o teatro contemporâneo e foi-se o tempo em que o figurinista era apenas o responsável por pensar esteticamente a indumentária do espetáculo.
Podemos pensar também a relação do figurinista com outros elementos de uma produção cênica e muitos outros assuntos se dobrarão a partir daí, como o tempo necessário para a criação e o desenvolvimento do figurino, por exemplo, mas sobre estes outros temas eu escreverei em futuras postagens aqui no Blog. Por enquanto é só. Espero ter sido útil.

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Um grande abraço a todos!

Homenagem a Waldo Léon

2010-06-07T20:48:00.000-07:00

Estava em São Paulo no último final de semana e foi com muita tristeza que recebi por e-mail a notícia do falecimento do grande artista Waldo Léon. Sempre fui muito fã do seu trabalho, nós trabalharíamos juntos pela primeira vez no espetáculo ELIZAVETA BAM, no último mês de Abril, quando soubemos que ele precisaria se afastar da equipe para tratar de um câncer. Infelizmente não pude ter a satisfação de dividir com ele a criação de um espetáculo. Porém, no final de 2009 ele, atenciosamente, aceitou meu convite para participar de uma postagem sobre a iluminação na cena teatral curitibana aqui no blog. Sua participação me deixou imensamente feliz. Agora, em sua homenagem, eu publico novamente o texto escrito por ele, que naquela ocasião veio acompanhado do depoimento de outros grandes iluminadores. O teatro curitibano perde um grande criador, mas o céu ganha novo brilho com a luz de Waldo Léon.

WALDO LÉON
"Há mais de 20 anos comprei minha primeira máquina fotográfica. Na década de 90 me especializei em fotojornalismo; trabalhei para vários jornais de Montevidéu e para a UNICEF. Neste tipo de fotografia a luz é um fator importante, como a composição, o momento decisivo, mas não é uma iluminação controlada. O documento fotográfico mais puro é aquele que reúne esses fatores em uma tomada única. No ano de 1992 alguns amigos de teatro me pediram para fazer umas fotos de divulgação; foi o início de uma relação que dura até hoje. Controlar a luz para a fotografia e para o teatro é uma idéia que vem de longe. Pintores como Rembrandt e Caravaggio regulavam as janelas de seus ateliês para controlar a entrada da luz do sol. Com o tempo deixei o fotojornalismo e passei a me dedicar ao teatro. Quando assisto aos ensaios das peças, chego desprovido de idéias, de conceitos e preconceitos Sou um iluminador lento. Preciso escutar várias vezes o texto, a música, ou ver várias vezes uma coreografia, para chegar à mesma pergunta de sempre: o que me agradaria ver neste instante? Esta pergunta leva todos os conceitos técnicos da fotografia; composição, ritmo, destaques, figuras, momentos únicos, fundo, clima, ambiente, época. Fotografias que no geral duram uma cena, uma coreografia, uma frase, uma palavra ou um gesto. Depois de imaginar essa possível fotografia, busco nos recursos técnicos disponíveis os elementos necessários. Não me sujeito a nenhuma regra, podendo ser uma vela, a luz da rua em uma janela ou ainda o mais sofisticado dos aparelhos robotizados, o objetivo é o mesmo, estar em sintonia visual com o que acontece na cena. Complementar, colaborar com o espectador a sentir o que quer transmitir o ator, a bailarina ou o músico. A luz é a influência mais importante em nossa percepção visual do mundo; vemos muito mais do que podemos tocar ou cheirar. Iluminar espetáculos é uma tarefa que requer concentração e paciência. Assistir aos ensaios possibilita exercitar a imaginação e discutir possibilidades estéticas.As novas ferramentas virtuais acabaram por derrocar a tirania dos iluminadores. A iluminação nos espetáculos era até pouco tempo a única coisa que não se podia mostrar antes de executada. Hoje, todos os integrantes do grupo tem a possibilidade de vê-la simulada, enriquecendo e afirmando suas idéias. Não tenho regras para iluminar; uma iluminação de balé pode ficar fantástica em uma peça de teatro, e uma luz de cinema pode ser impactante em um monólogo. Entre as milhares de opções que se apresentam não pode haver apenas uma única forma de iluminar. Dificilmente um espectador se lembra de uma frase de uma peça que assistiu, mas é provável que se lembre de uma imagem. Minha tarefa é realizar essa imagem dentro de qualquer espetáculo. Faço iluminação em todo tipo de cenários, circulares, italianos, também nas ruas, nas tendas de circo, em prédios desativados, em estações de trem, museus, todo tipo de espetáculo, teatro, música, circo, balé, ópera, dança. Em todos me guio pelo instinto da excelência da imagem.Algumas fotos de meus trabalhos podem ser vistas em: http://waldocesarleon.blogspot.com/ "

LENDAS JAPONESAS

2010-05-16T07:55:00.001-07:00

Estreou ontem no Teatro Regina Vogue, no Shopping Estação, o espetáculo infantil LENDAS JAPONESAS do Grupo Camelo. A peça conta a história de um menino que, junto de seus gatos, sai em busca do seu caminho, guiado por Tamashi, uma criatura fantástica. É um espetáculo super bacana e que a vale a pena conferir.
Fiz os figurinos e adereços, um convite da produtora Laura Haddad e, além do grande prazer em confeccioná-los, pude mergulhar um pouco mais fundo na cultura e estética japonesa. As lendas japonesas são realmente fantásticas!
A equipe técnica é formada por profissionais extremamente competentes e talentosos, amigos queridos, que não mediram esforços para a realização e o sucesso do projeto.
O espetáculo LENDAS JAPONESAS fica em cartaz até o dia 09 de Junho, sempre aos sábados e domingos às 16h. Os ingressos custam R$15,00 (inteira) e R$7,50 (meia).

FICHA TÉCNICA:
Texto: Patrícia Kamis – Direção: Pretto Galiotto – Assistência de direção: Tiago Luz – Cenografia: Fernando Marés – Iluminação: Anry Aider – Sonoplastia/composição musical: Vadeco – Maquiagem: Marcelino de Miranda – Figurinos e adereços: Paulo Vinícius – Fotógrafo: Daniel Sorrentino – Cenotécnico: Sérgio Richter – Projeto gráfico: Juliana Furuta – Caricaturas em Mangá: Guilherme. Match – Costureira: Rose Mathias – Operação de Luz: Anry Aider – Operação de som: Dayres de Conto – Assistência de produção: Patrícia Kamis – Direção de produção: Laura Haddad – Elenco: Guilherme Fernandes, Léa Albuquerque, Patrícia Kamis, Tarciso Fialho e Tiago Luz.

Outro papo.

2010-05-04T18:28:00.000-07:00

Outro papo é o mais recente projeto da Paraphernália Produções Artísticas. Trata-se de um programa de entrevista para a Web. Os entrevistados são artistas de diversas áreas, divulgando seus trabalhos e idéias.
Tive o prazer de ser o segundo convidado e estou divulgando-o aqui não apenas por isso, mas também porque é um programa super bacana que vale a pena conferir. A primeira edição foi com o ilustrador e videomaker Fábio Biondo.
O link para ver a entrevista é: http://vimeo.com/13117735 e aproveite para conhecer também o site deles que é bem bacana.

Enfim, vida longa a Paraphernália e parabéns por mais este projeto!

ELIZAVETA BAM

2010-04-20T14:19:00.000-07:00

(foto de Marco Novack)

No último dia 15 estreou, no Teatro Novelas Curitibanas, o espetáculo ELIZAVETA BAM, uma produção do Teatro de Breque e da Cia Transitória. Mais uma vez fico super feliz por integrar a equipe de um projeto financiado pela Fundação Cultural de Curitiba. Desta vez assinei o Figurino e a Ambientação Cênica.
O espetáculo é fruto de um processo colaborativo coordenado pelos diretores Edson Bueno, Nadja Naira e pela atriz Luciana Schwinden do Grupo Vertigem de São Paulo. Luciana fez o desenho de ocupação de espaço, Nadja, a concepção cênica e Edson, a direção de atores. A produção foi desenvolvida pelo querido e talentoso Pablito Kucarz (Teatro de Breque). A trilha sonora foi pesquisada e desenvolvida por Rodrigo Lemos e a Iluminação é do Wagner Correa. No elenco estão os atores Diego Duda, Eduardo Simões, Flávia Sabino, Kelly Eshima, Thiago Inácio e Uyara Torrente.
A primeira vez que vi uma montagem de ELIZAVETA foi no ano de 2009 quando o diretor Márcio Mattana se apropriou do texto de Danill Charms para a encenação com os alunos do quarto ano de Bacharelado em Artes Cênicas da FAP. Na montagem que agora está em cartaz no Novelas, fora a dinâmica onde o público acompanha os atores pelo desenrolar das cenas, a encenação é completamente diferente daquela. Uma outra abordagem foi dada ao texto de Charms, o que concede grande mérito aos diretores, tanto ao Edson e a Nadja, como também ao Márcio.

(foto de Marco Novack)

O público que comparecer às apresentações verá que o casarão do Novelas se tornou a residência da família de Elizaveta. Os diversos espaços do casarão histórico são a própria cenografia onde se desenrola as conflitantes relações entre as personagens. Relações incestuosas entre pai e filha e entre mãe e filho , além do triângulo amoroso sugerido entre Ivan Ivanovich, Petr Nicolaevich e Elizaveta Bam, são alguns dos temas valorizados para contar a história que se apresenta por trás da densa dramaturgia de Daniil Charms. Uma preocupação recorrente no trabalho dos diretores foi sempre o de oferecer códigos ao público para que ele pudesse costurar o seu entendimento sobre a absurda trama apresentada.
Sobre a dramaturgia caótica, Edson Bueno valoriza o contato com uma experiência surrealista, ou seja, “em nossos tempos de velocidade de informações e necessidade de compreensão rápida, experimentar alguma espécie de surrealismo é quase um exercício de suspensão”, diz ele no programa do espetáculo. Esta é uma excelente dica para quem for assistir o espetáculo, não deixe a razão ser sua primeira guia no entendimento do espetáculo, abra-se para o que talvez possa ser entendido por um outro canal. Desta forma, talvez você construa um novo entendimento sobre ELIZAVETA BAM. Se isto acontecer, não se esqueça de me contar!
No mais, as cenas garantem lindas imagens ao espectador, isto é claro.
Aventure-se! O trabalho está muito bonito!
Foi um grande prazer fazer parte dele.
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ELIZAVETA BAM
De 15/04 a 16/05 de 2010 – Quinta á domingo as 20h – Teatro Novelas Curitibanas (Rua Presidente Carlos Cavalcanti. 1222).
Entrada: R$10,00 (inteira) e R$5,00 (meia)
Informações: 8405-7095 / 3321-3358

BREVES IMPRESSÕES SOBRE O FESTIVAL

2010-03-28T21:55:00.000-07:00

Neste ano, em função dos meus projetos que estréiam em Abril e por estar em cartaz com CHICLETE & SOM, vi bem menos espetáculos do que nas edições anteriores. Também estive distante dos buchichos e confusões sempre presentes no Festival. Para mim foi um período de muito trabalho paralelo.
Ao contrário do ano passado, que escrevi sobre alguns espetáculos separadamente, farei agora um resumo dos principais trabalhos que assisti e que valem à pena comentar.

(VIDA - foto divulgação)

Vi a estréia da Companhia Brasileira, o espetáculo VIDA. Como já disse aqui no blog, gosto muito do trabalho do diretor Márcio Abreu, sempre presto muita atenção em como a palavra é trabalhada na dramaturgia. A forma de como o texto é interpretado pelos atores é uma preocupação recorrente nos espetáculos do Márcio. Apostos frisados, repetições constantes e uma maneira cotidiana de fazer a palavra caber na boca dos atores, já são marcas registradas na Companhia. As soluções criativas quanto à encenação também são elementos que me chamam muita atenção. Desta vez, o cenário foi grandioso com direito a parede de fundo móvel e outras revelações. A Companhia Brasileira fará uma nova temporada de VIDA em Abril, quem não conseguiu ver no Festival, não perca.

(TILL - foto divulgação)

Outro grupo que procuro não perder é o Galpão. Desta vez os mineiros trouxeram TILL, A SAGA DE UM HERÓI TORTO. O espetáculo originalmente foi feito para a rua, mas no Festival foi adaptado também para a Ópera de Arame. É sempre muito bacana ver as qualidades técnicas e criativas do Galpão, pois sempre os trabalhos são feitos com muita qualidade, porém acho que nós, o público, também gostaríamos de ver os atores do Galpão em um lugar de maior risco, um lugar menos confortável do que este que nós já sabemos que eles sempre tiram de letra.

(NÃO SOBRE O AMOR - foto divulgação)

NÃO SOBRE O AMOR da Sutil Companhia, espetáculo super elogiado pela crítica e ganhador de vários prêmios importantes, se apresentou na mostra Fringe. A encenação é genial, combina um cenário fabuloso com projeções fantásticas e uma iluminação brilhante. Porém, na minha opinião, a dramaturgia é um ponto bem fraco no espetáculo e fez com que a performance dos atores não ultrapassasse a qualidade de um texto bem dito e só.

(IN ON IT - foto divulgação)

IN ON IT da Companhia dos atores, dirigida por Enrique Dias, é tão brilhante quanto A GAIVOTA, último espetáculo do Enrique que vi. Pouca tecnologia teatral, muito trabalho de ator, dramaturgia brilhante e direção impecável são os pontos altos do espetáculo.

(SIMPLESMENTE EU, CLARICE LISPECTOR - foto divulgação)

SIMPLESMENTE EU, CLARICE LISPECTOR, monólogo de Beth Goulart, me emocionou muito pelo grande elogio à minha escritora favorita. É uma bela interpretação de Clarice, fundamentada sobre uma pesquisa bastante rica. Enquanto encenação teatral não ultrapassa nenhum lugar conhecido, mas gostei muito de ter visto.

FESTIVAL DE CURITIBA 2010

2010-03-16T11:57:00.001-07:00

Começa hoje o 19º. Festival de Curitiba que trará até o dia 28 de Março mais de 300 espetáculos para a cidade. Na Mostra oficial 2010 serão apresentados 26 espetáculos, 07 são estréias nacionais e 01 internacional. Na mostra Fringe, companhias e grupos de todo o país se apresentarão em vários teatros da cidade.
Na edição do ano passado tive a oportunidade de postar aqui no blog indicações dos artistas curitibanos. Neste ano, em função do tempo corrido e dos trabalhos que estou envolvido, não tive a mesma disponibilidade de tempo para organizar as postagens e realizar os convites. Porém, na medida do possível, escreverei sobre os espetáculos que me estimularem para isto.
Por enquanto, indico os espetáculos que integro a equipe e que se apresentarão no festival.

CHICLETE & SOM

(CHICLETE & SOM - foto de Emannuel Pixer)

O espetáculo dirigido por Nina Rosa Sá, volta nesta nova temporada no mesmo teatro em que estreamos, no TUC, dentro da mostra de Pequenos Conteúdos. Eu, Rúbia Romani, Uyara Torrente e Pablito Kucarz, o elenco do espetáculo, estaremos renovando toda a energia que investimos na temporada de estréia em Novembro de 2009. Para quem ainda não viu, vale a pena, esta talvez seja a nossa última temporada em Curitiba.
O TUC fica na galeria Julio Moreira s/n no Largo da Ordem.
DIAS:
20/03 AS 12h
21/03 AS 20h
22/03 AS 14h
23/03 AS 23h
24/03 AS 14h
27/03 AS 2Oh
Informações pelo telefone (41) 8405-7095

NERVO CRANIANO ZERO

(NERVO CRANIANO ZERO - foto de Denis Lelo)

O espetáculo dirigido por Paulo Biscaia Filho com a Cia Vigor Mortis, volta no Festival com Leandro Daniel Colombo no papel do doutor Bartolomeu Bava. Na primeira temporada a personagem era uma doutora, Barbara Bava, interpretada pela atriz Simone Martins. O elenco traz ainda Michelle Pucci e Rafaella Marques que originalmente integravam o espetáculo. É uma ótima produção, minha primeira parceria como cenógrafo da Vigor Mortis.
NERVO CRANIANO ZERO será apresentado no Teatro da Caixa Cultural, rua Conselheiro Laurindo 280, no Centro de Curitiba.
DIAS:
17/03 AS 18h E 21h
18/03 AS 18h E 21h
Maiores informações: http://www.vigormortis.com.br/

MANSON SUPERSTAR

(MANSON SUPERSTAR - foto de Chico Nogueira)

O musical documentário dirigido por Paulo Biscaia Filho, também com a Cia Vigor Mortis, volta no TEUNI com o mesmo elenco da estréia em Novembro de 2009. O ator Andrew Knoll ganhou o Prêmio Gralha Azul de melhor ator em 2009. Ainda no elenco estão Rafaella Marques, Leandro Daniel Colombo, Michelle Pucci, Ana Clara Fischer, Marco Novack, Carolina Fauquemont e Wagner Correa. Eu assino o cenário e o figurino do espetáculo.
DIAS:
22/03 AS 17h
24/03 AS 23h
25/03 AS 14h
26/03 AS 23h
27/03 AS 17h
O TEUNI fica no prédio histórico da Federal, Praça Santos Andrade, no Centro de Curitiba.

Maiores informações: www.vigormortis.com.br
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Ótimo Festival para todos. A gente se encontra por aí.

FIGURINO E CENA EM CAMPO GRANDE / MS

2010-03-15T21:01:00.000-07:00

Dando continuação ao projeto de Oficinas de Criação Teatral, estive na última semana em Campo Grande / MS ministrando a oficina Figurino Cênico. O objetivo central da oficina foi apresentar os diversos processos de construção do figurino na cena contemporânea. O conteúdo prático visou o desenho de croquis, o figurino em espuma e a customização.
A oficina foi promovida pelo projeto INTERAÇÃO, realizado pela Fundação de Cultura de MS. O objetivo do projeto, que se estende até o final do semestre, é investir na capacitação dos artistas locais para que os conteúdos possam ser transmitidos e multiplicados por todo o Estado. A turma de alunos foi formada por 32 alunos, artistas das diversas áreas das artes cênicas, artes visuais e da dança. Os artistas, que foram previamente selecionados por afinidades de currículo, surpreenderam todas as expectativas com relação ao conteúdo ministrado na oficina de figurino.
Para mim foi um grande prazer estar durante os cinco dias em contato com uma turma tão bacana e dedicada. Sempre fico muito feliz em poder transmitir os conhecimentos adquiridos na duração de minha carreira e poder contribuir nesta área ainda tão carente de publicações e informações técnicas que é o figurino cênico.
Agradeço também a equipe de coordenadores da Fundação de Cultura por todo profissionalismo, carinho e dedicação ao me receber tão bem nesta primeira ida a cidade de Campo Grande. Entre todos profissionais envolvidos, agradeço especialmente o carinho, a atenção e a companhia de Lidiane Lima, Bia Marques, Márcio Veiga, Pietro Falcão e Renderson Valentim.
Bacana foi também saber que a produção cultural está em profundo crescimento no MS. Alguns projetos culturais do Estado, como os Pontos de Cultura, são iniciativas importantes para o desenvolvimento cultural e artístico do Estado.
Até o final do primeiro semestre de 2010, artistas e profissionais de diferentes áreas do teatro, da dança, do circo, da música e das artes visuais estarão contribuindo pra a realização do projeto INTERAÇÃO.
Vida longa e multiplicação ao INTERAÇÃO e muita sucesso aos artistas de Campo Grande e de todo Estado do MS.
Obrigado pela parceria.
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Maiores informações sobre as oficinas do Figurino e Cena visite: http://oficinasdecriacaoteatral.blogspot.com/

UM HOMEM SEM MEMÓRIA

2010-02-28T16:16:00.000-08:00

(O ator Luiz Bertazzo durante a performance que tem por objetivo coletar as memórias alheias)

O HOMEM PIANO – UMA INSTALAÇÃO PARA A MEMÓRIA é o novo trabalho da Ciasenhas de teatro. Premiado com o Miriam Muniz da FUNARTE, o espetáculo está em fase de produção.

Já começaram as performances onde o ator Luiz Bertazzo, sustentado pelo equipamento desenvolvido por Ary Giordani, coleta as memórias, doadas anonimamente pelas pessoas, nas ações realizadas em praças e outros espaços públicos da cidade.
O espaço das performances foi criado coletivamente pela diretora Sueli Araujo, por mim (que assinarei o cenário do espetáculo) e pela figurinista e pesquisadora Amábilis de Jesus (responsável pelo figurino e consultoria de espaço).
HOMEM PIANO se desenvolve a partir do conceito de Instalação, proveniente das artes visuais. É a continuação do trabalho iniciado no projeto Narrativas Urbanas de 2008 e quem explica melhor a trajetória desenvolvida até aqui é o próprio ator Luiz Bertazzo: “Em 2008 a Cia senhas de Teatro estava realizando o projeto Narrativas Urbanas - interferências e contaminações. Provocados a encontrar um fato espetacularizado pela mídia, os atores foram atrás de suas notícias, eu então me deparei com este Homem encharcado, sem nenhuma identificação, sem nenhum documento, sem nenhuma memória, mas que se revelou um exímio pianista, assim se resume a história do "Homem Piano"(como foi apelidado pela mídia). Dentro desta narrativa minha busca incessante pelos silêncios deste homem sem memórias, me fez em 2009 correr para a sede da Cia. afim de me apresentar em um pequeno monólogo para a XVI Mostra de Teatro da FAP (Faculdade de Artes do Paraná)”.
Nesta nova fase do trabalho, como justificaria o próprio conceito de instalação, o público será um fator determinante para o desenrolar dos acontecimentos. As apresentações acontecerão na própria sede da Ciasenhas que será totalmente preparada e ambientada para o evento. A data prevista para a estréia é o final do mês de abril.
É com muito orgulho que integro a equipe de criação e posso concretizar o antigo desejo de trabalhar com o Bertazzo, meu amigo querido e talentoso, com a amiga Amábilis, minha sempre professora, e com toda a competente equipe da Ciasenhas de teatro que sempre admirei muito e que já falei algumas vezes aqui no blog. Além dos artistas já citados, compões ainda a equipe Márcia Moraes e Fábia Regina.
Para quem quiser acompanhar o desenvolvimento do HOMEM PIANO, é só ficar conectado no blog HTTP://homempiano.blogspot.com/ . Além das informações sobre o projeto, o blog publica os depoimentos do ator sobre a experiência de coletar as memórias alheias.
Por enquanto, a gente poderá se encontrar em qualquer espaço público da cidade e a qualquer hora do dia.
Até lá.

PESSOA, PREGO E PELÚCIA

2010-02-20T13:09:00.000-08:00

(foto de Leco de Souza)

Muitas vezes me pergunto aonde o teatro quer chegar. Geralmente isso acontece quando saio de um teatro com a sensação de que o espetáculo ainda não terminou dentro de mim. O movimento interno, provocado por questões ou emoções causadas por aquilo que vi em cena pode ir do estranhamento ao riso, da dúvida ao descobrimento e da angústia à satisfação. O RAPAZ E A RAPARIGA – PEÇA DE PESSOA, PREGO E PELÚCIA foi um destes espetáculos que me colocou neste lugar de reflexão.
Vi o espetáculo no último dia da primeira semana da temporada que acontece até o dia 14 de março no teatro Novelas Curitibanas, sempre as 20h. A produção é uma realização da Couve-flor Microcumunidade Artística Mundial com financiamento da Fundação Cultural de Curitiba. O processo criativo e colaborativo se deu entre os artistas Cândida Monte, Elizabete Finger, Gustavo Bittencourt, Neto Machado, Ricardo Marinelli e Well Gutti.
A inspiração para o trabalho veio da obra do cineasta e autor Tim Burton. O ponto de partida para o início da criação foi o livro A morte melancólica do rapaz ostra e outras histórias. Vemos em cena quatro discursos diferentes, quatro personagens que se entrecortam e que são apresentados a partir de uma estética desenvolvida sobre referências góticas, surreais e bem humoradas. São quatro argumentos metafísicos, quatro universos fantásticos, construídos a partir da contaminação que as idéias de Tim Burton influenciaram no processo criativo dos artistas.
Tudo parece ter sido desenvolvido a partir da linguagem da performance que o grupo se apropriou de forma muito eficaz e, apesar de ter sido uma linguagem surgida ainda nos anos 60, o espetáculo traz um frescor de algo inusitado.
Como falar mais sobre O RAPAZ E A RAPARIGA sem estragar a sensação de descoberta para quem ainda verá o espetáculo? Não saberia responder. Apenas acho que esta é uma aventura que toda pessoa interessada em teatro deveria experimentar e descobrir por si própria os códigos que a levarão à uma interpretação pessoal das cenas apresentadas na mais recente empreitada do Couve-flor.
Vale a pena ir. Eu fui e gostei muito. Se você for, deixe a expectativa e os preconceitos em casa. Permita-se a experimentar e, se estiver conectado com a arte contemporânea, tenho certeza de que vai ter uma boa experiência.
Boa viagem!

(foto de Leco de Souza)

FICHA TÉCNICA:
Uma criação de e com: Cândida Monte, Elisabete Finger, Gustavo Bitencourt, Neto Machado, Ricardo Marinelli e Well Guiti - Apoio à pesquisa dramatúrgica: Jorge Alencar - Consultoria de materiais de cena: Amábilis de Jesus - Designer de luz: Fábia Guimarães - Conceito visual e material gráfico: Atelier Utrabo Monteiro - Produção: SELO - Produção e Gestão Cultural - Projeto: Couve-flor Minicomunidade Artística Mundial, associado à Aspart - Incentivo: Lei Municipal de Incentivo à Cultura, Fundação Cultural de Curitiba, Prefeitura Municipal de Curitiba

IMPORTANTE: O ingresso no Novelas Curitibanas não é mais uma lata de leite em pó como estamos acostumados. Agora a inteira custa R$10,00 e a meia entrada R$5,00, super acessível. O horário também mudou, agora todas as sessões, de quinta a domingo, acontecem sempre as 20h.

UM HOMEM CÃO

2010-02-11T07:58:00.000-08:00

A Caixa Cultural apresenta nos próximos dias 19, 20 e 21 de Fevereiro o espetáculo THE CACHORRO MANCO SHOW, solo do grande e querido ator Leandro Daniel Colombo. Velho conhecido do público curitibano, principalmente pelo trabalho desenvolvido com a companhia Vigor Mortis, Leandro Daniel é uma das duas melhores coisas do espetáculo. A outra é o texto de Fábio Mendes.
Vi o espetáculo em Novembro de 2008 quando esteve em cartaz no teatro Barracão em Cena de Curitiba. Aquela temporada aconteceu logo depois da estréia no Teatro Municipal Maria Clara Machado no Rio de Janeiro. Depois disso, o espetáculo ainda fez turnês em Brasília, novamente no Rio, em Lisboa e São Paulo.
O espetáculo já traz no currículo alguns prêmios, indicações e ótimas críticas. Leandro foi indicado ao Gralha Azul de Curitiba como melhor ator em 2008 e ao 3º. Prêmio da revista Quem como melhor ator em 2009 ao lado de grandes nomes do teatro nacional como Antônio Fagundes, por exemplo. Fábio Mendes ganhou o Prêmio Luso-Brasileiro de Dramaturgia Antonio José da Silva e o Prêmio APCA de melhor autor em 2009.
Quem ainda não viu não pode perder esta próxima oportunidade ofertada pela Caixa Cultural. Depois disto, THE CACHORRO MANCO SHOW ainda poderá ser visto em pouquíssimas e disputadíssimas apresentações em Março no Festival de Curitiba.

Fica a dica. Vá ver e depois me conte. Se já viu, veja de novo. Acredito que um bom espetáculo, assim como um bom vinho, quanto mais envelhece melhor fica.

(foto de Guga Melgar)

SOBRE O ESPETÁCULO

"O roubar pouco é culpa, o roubar muito é grandeza;

o roubar com pouco faz os piratas,

o roubar com muito, os Alexandres".

(Fábio Mendes)

Um mendigo. Uma metáfora dos excluídos. O homem-cão oferece sua narração em troca de um pouco de ração na procura de um dono. Uma comédia dramática, o stand-up de um cachorro que faz seu show pelas margens da sociedade.
O espetáculo traz pouquíssimos recursos cênicos, faz valer a relação texto x interpretação. Ótima opção pra quem procura na dramaturgia a possibilidade de ver uma grande atuação.
Na ficha técnica, além do autor Fábio Mendes e do ator Leandro Daniel, o espetáculo conta com a direção de Moacir Chaves, cenário de Fernando Mello da Costa e Rostand Albuquerque, figurino de Inês Salgado, iluminação de Aurélio de Simoni, direção musical de Tato Taborda, programação visual de Maurício Grecco, fotos de Guga Melgar, assistência de direção de Diego Molina e direção de produção de Paulo Felisbino.

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SERVIÇO: THE CACHORRO MANCO SHOW - com Leandro Daniel Colombo – Dias 19, 20 e 21 de Fevereiro no Teatro da Caixa Cultural em Curitiba. Sexta e sábado as 21h e domingo as 19h.

CAFÉ COM GEORGE SADA

2010-01-18T08:35:00.001-08:00

(George Sada - Foto de Bebel Ritzmann)

Passei seis meses esperando por este encontro. Fiz o convite ao George no início do segundo semestre de 2009. Não conseguimos coincidir um horário nas nossas agendas em todo este tempo. Finalmente no último sábado tive o prazer de receber George Sada para um café em casa. Com o alto astral de sempre, ele veio acompanhado do nosso querido amigo Humberto Gomes. Foram quatro horas de muito papo, muitas risadas, revelações e reafirmações. Nosso encontro tornou meu início de ano ainda mais prazeroso.
No quesito relações humanas, George conquistou unanimidade na simpatia de todos que se relacionam com ele. Não há quem não concorde que George é uma das raras criaturas no mundo que dominam o relacionamento interpessoal, que sempre soube tratar muito bem qualquer pessoa de quem dele se aproxima. Acredito que isto se deva principalmente ao fato de que ele sempre age impulsivamente movido pela paixão à vida e à arte com uma dose caprichada de generosidade ao próximo.
No campo profissional ele sempre teve muito pra mostrar e contar. É isso que pretende este texto que, carinhosamente, agora escrevo aqui no blog. Que ele receba minhas palavras como quem recebe uma homenagem. Que você leitor as receba como uma doce história que precisava ser ouvida. E que eu consiga escrevê-las com a mesma competência que ele caminha sobre os caminhos sinuosos desta vida que embala a todos nós.

(George recebendo o Troféu Gralha Azul por melhor direção em 2008 - foto divulgação)

UMA CARREIRA DE CONQUISTAS
Depois de cursar psicologia, período entre os anos de 1981 e 1985, George Sada, formou-se no curso de Artes Cênicas da antiga PUC/PR que mais tarde foi encampado pela Faculdade de Artes do Paraná, onde George se tornou coordenador do curso de artes cênicas, chefe do departamento de teatro e professor de interpretação em 1990. Sua atividade na FAP se estendeu até 1998.
Como ator ele traz no currículo mais de 40 espetáculos e, do início da carreira, lembra a importante influência transmitida por diretores como Lilian Fleury, Hugo Mengarelli, Edson Bueno e do colega de curso da época de faculdade, o Cleon Jaques. George fala também da importante marca que a diretora Mona Lazar, vinda do Rio de Janeiro, deixou na sua formação de ator, através do processo de montagem do espetáculo O EXERCÍCIO em 1999. Ainda não tive oportunidade de vê-lo em cena, porém na edição de 2010 do Festival de Curitiba, George estará no elenco da produção de XAROPE PARA ACABAR COM A TOSSE, espetáculo dirigido por Humberto Gomes que acontecerá nas dependências de uma farmácia no centro de Curitiba.
Como diretor já tive o prazer de assisti-lo algumas vezes, ele já assinou mais de 200 espetáculos somando as direções que desenvolveu na escola onde leciona e onde também é diretor, a Academia de Artes Cênicas Cena Hum.
No teatro, George também já atuou como figurinista, cenógrafo, maquiador e produtor. É um profissional competente, totalmente apaixonado pelo oficio, apaixonante e capaz de empolgar todos que estão ao seu lado. Sua carreira sempre foi motivada paixão, pelo sonho de ver o teatro como elemento multiplicador das idéias que brotavam dentro de si, como uma voz que sempre o impulsionava. Entre tantas habilidades e funções, ele ainda é professor de interpretação para os bailarinos da Escola de Dança do Teatro Guaíra e o responsável pelo desenvolvimento de roteiros para os espetáculos. Como funcionário do Teatro Guaíra, George trabalha desde 1990. Haja energia pra tanto. Assim como eu, ele também é uma pessoa viciada em trabalho, destas que bastam apenas 10 dias de férias para não mais agüentar a tranqüilidade e querer voltar correndo para o que realmente interessa.

(foto divulgação)

CENA HUM
A Academia de Artes Cênicas Cena Hum, escola fundada por George e dirigida por ele até hoje, ao lado do sócio Márcio Vegas, é o resultado de um investimento que dura mais de duas décadas, já que a escola começou a ser planejada mais de 06 anos antes de sua inauguração em 1995. Quem vê as atuais dependências da nova sede própria e o resultado das produções da escola não imagina que a escola iniciou as atividades com duas pequenas turmas, que somavam doze alunos e apenas dois professores. Hoje a escola emprega uma equipe de 30 profissionais, entre professores, funcionários administrativos e pedagógicos e inúmeras turmas de alunos somando mais de 250 matrículas. Tenho também o prazer de fazer parte da equipe de professores e poder exercer o delicioso ofício de lecionar interpretação para os alunos. É muito bom poder trabalhar dentro de um ambiente com astral tão leve e também conviver com uma equipe que sempre leva o trabalho tão à sério como na Cena Hum.
A nova sede, inaugurada no início do semestre passado, conta, entre outros espaços, com vários e amplos estúdios de aula, biblioteca, sala de áudio/visual, cantina, guarda roupa com mais de 5.000 peças e um teatro adaptável a diversos estilos de montagens.
Um bom exemplo para quem ainda duvida que não devíamos agir somente por princípios racionais é a própria história de como George fundou a escola. Ele conta que quando tomou definitivamente a decisão de abrir a escola, ainda não possuía nenhum capital investidor. Quando foi fechar o contrato de locação do prédio, tudo o que tinha no bolso era uma moeda de 25 centavos. A fixação pelo sonho de ver sua escola funcionando era tanta que nem mesmo a limitação financeira o impediu de vê-lo realizado.
Outra boa história que George nos conta emocionado, é o momento de escolher o nome da escola. Na véspera do dia em que a empresa seria aberta, ele ainda não tinha conseguido escolher um nome. A escolha veio durante a noite. No seu sonho, numa espécie de teste onde só ele estava sentado na platéia de um teatro e esperando para ser chamado, o homem que estava sentado sozinho no palco lhe disse, um segundo antes dele acordar: “venha para a cena um!”. Depois disso, a escolha de colocar o H no nome, veio principalmente pela vontade de dizer que o trabalho que estava disposto a desenvolver seria totalmente preocupado com o lado humano das relações.
Além dos cursos de oficina e de iniciação teatral, a escola oferece nesses 14 anos de atividades o curso de formação de atores com duração total de 3 anos. Vários atores que hoje estão no mercado nacional se formaram pela escola. Da primeira turma, George lembra, entre outros, os nomes de Laura Haddad e de Luis Brambilla. Para 2010 a escola também abrirá novas turmas diante da grande procura no final do semestre.
No final de cada ano a escola entrega o Troféu Cena Hum para os melhores do ano numa festa bastante badalada.
Sobre os projetos para 2010 e as novas produções do núcleo profissional da Cena Hum, George prepara algumas surpresas, entre elas um musical sobre Elis Regina, espetáculo que já está em pré-produção. Neste ano também, o espaço teatro da escola também será aberto para outras temporadas que não sejam apenas para as mostras de conclusão dos cursos da escola.
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Fico muito feliz em poder falar deste artista guerreiro que é o George, de poder estar ao lado de uma pessoa tão querida, que sempre soube valorizar o que deveria ser priorizado em qualquer relação profissional: a relação humana, solo fértil de onde sempre brota as melhores e mais prazerosas parcerias.
Salve George!
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Para quem ainda não conhece a Cena Hum, mas gostaria de fazer uma visita, o endereço é Rua Senador Xavier da Silva, 166, próximo ao Shopping Muller. Maiores informações pelo telefone (41) 3333-0975.

BOA NOVA NO PEDAÇO: Alexandre França

2010-01-11T09:06:00.001-08:00

(Alexandre França clicado por Albert Nane)

Todo mundo sempre soube que eu adoro falar bem dos artistas e trabalhos que eu me relaciono e admiro. Reconheço em mim a virtude de admirar artistas e trabalhos diferentes entre si, desde que sejam sempre de boa qualidade. Estilo nunca me aprisionou muito. Gosto de transitar, mas ao mesmo tempo de também permanecer. Isto sempre ocorre quando acredito realmente em algo. Distingo sempre entre aquilo que é bom daquilo que é ruim, nunca entre aquilo que é certo daquilo que é errado. Neste ano de 2010 continuarei valorizando o trabalho dos artistas que tem o que mostrar. Profissionais que admiro e que sempre estou por perto, mesmo que seja só para admirar. A lista é grande. Escolhi começar por Alexandre França.
É ótimo poder lembrar que vem surgindo em Curitiba uma nova geração de dramaturgos. Alexandre França, dramaturgo e músico, é uma boa lembrança de um representante desses autores. É ótimo também lembrar que esses novos dramaturgos vem diretamente ao encontro dos interesses dos novos encenadores de plantão. Um bom texto sempre é muito sonhado pelos profissionais do teatro.
Admiro muito o trabalho dos bons dramaturgos, com linguagens distintas, com estilos e estruturas interessantes. Dos dramaturgos já veteranos em Curitiba cito, entre outros tão talentosos, o nome de Sueli Araujo e Paulo Biscaia que sempre me fascinaram pelo trabalho autoral, cada um no seu estilo, mas ambos geniais no que acreditam. Uma boa dramaturgia sempre influiu muito na qualidade final do espetáculo.
Alexandre França é um autor que veio da música, já que esta foi a primeira atividade profissional que exerceu. Ele já teve dois CDs gravados e produzidos, A SOLIDÃO NÃO MATA, DÁ A IDÉIA em 2006 e MUSICA DE APARTAMENTO em 2009. Na área da música, França tem um trabalho bem bacana e sempre está muito bem acompanhado de excelentes músicos.
Tenho acompanhado seus textos desde o primeiro a ser encenado em 2007 com as atrizes Helena Portela e Verônica Rodrigues, UM IDIOTA DE PRESENTE, quando fui convidado para fazer o figurino e o cenário desse e do próximo espetáculo, FINAL DO MÊS com Claudete Pereira Jorge e Helena Portela no elenco e Verônica Rodrigues na produção. Depois disso, o França escreveu alguns textos, apresentados em leituras dramáticas ou apresentações que não pude estar presente e também outros textos que tive a oportunidade de ler. Cada um tem suas características e qualidades específicas. Vi também GINA, monólogo escrito para a triz Maia Piva. Seus textos estão cada vez melhores. Nos últimos que li, ainda não encenados, vi novos apontamentos na estrutura e no estilo, novidades que vieram para amadurecer muito e deixar suas tramas ainda mais sofisticadas.
Fique de olho.
Vida longa a Letra e a Música de Alexandre França.
Os artistas e o público curitibano agradecem.

DEZEMBRO

2009-12-21T07:01:00.000-08:00

Queridos leitores, assim como eu, o Blog tira férias neste mês de Dezembro.

Neste ano de 2009 foram vários e prazerosos os encontros aqui no Figurino e Cena. Agradeço imensamente os artistas que aqui estiveram e os espetáculos ou Companhias que me motivaram a escrever.

Muito obrigado a você leitor por ter estado aqui uma ou mais vezes, tenho acompanhado o relatório de visitantes e, cada vez mais, fico muito feliz por saber que nunca estou sozinho. A lista de artistas que desejo encontrar aqui é imensa e, no próximo ano, continuarei recebendo visitas ilustres, queridos amigos e divulgando os trabalhos que eu acredito muito.

Enfim, tenham todos um ótimo fim de ano!

Nos encontramos em Janeiro com energias renovadas.

Grande beijo a todos,

Paulo Vinícius.

MANSON SUPERSTAR

2009-11-29T08:49:00.001-08:00

A companhia curitibana Vigor Mortis encerra as atividades em 2009 com mais uma grande produção. Trata-se da estréia de MANSON SUPERSTAR, resultado do edital de ocupação do Teatro Novelas Curitibanas, uma iniciativa da Fundação Cultural de Curitiba. A companhia, liderada por Paulo Biscaia Filho, mostra no palco do Novelas o resultado de como a boa organização e administração de um projeto pode valer o dinheiro público investido na arte. MANSON é um espetáculo musical formado por oito atores no elenco e mais uma equipe de dez pessoas revelando ao público como o teatro pode se apropriar da linguagem documentária de forma rica e brilhante. Tudo é preciso e bem executado. Como causa, só posso identificar o encontro de uma equipe muito competente, dirigida por alguém que sabe muito o que quer.

O ESPETÁCULO E O PROCESSO
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MANSON SUPERSTAR é um espetáculo diferente de tudo o que já foi produzido pela Vigor Mortis. O fato de ser um espetáculo teatral que seria também, ao mesmo tempo, documentário e musical, impulsionou o diretor, desde a concepção do projeto, a se aventurar por um terreno desconhecido até então do seu processo de criação. Paulo Biscaia queria buscar uma nova fórmula para este espetáculo e acordou com toda equipe que andaríamos por lugares desconfortáveis até que um solo seguro fosse encontrado. Biscaia sabia o que queria, mas, no começo de tudo, nem ele sabia ao certo onde e quando pararíamos para respirar tranqüilos.
Depois de muitas reuniões, muitas pesquisas e acesso à um grande material que documentou a história dos crimes de assassinatos liderados por Charles Manson no final da década de 60, o elenco, sempre acompanhado pela equipe de criação, foi para a sala de ensaios diários apenas com um roteiro de cenas e uma sugestão de canção para cada cena que seria desenvolvida. Ao final da segunda semana uma nova estética já tinha sido apontada e guiaria também a concepção final do cenário, do figurino, da luz e da direção musical.
Entre achados e perdidos, várias propostas foram substituídas, abandonadas, invertidas, superadas e reencontradas ao longo do processo. A preocupação com o público, característica fundamental no trabalho da companhia, mais uma vez esteve presente durante todo o percurso desenvolvido.
É um novo espetáculo, com uma nova pegada na concepção, na dramaturgia, na direção e no acabamento estético, porém a qualidade e a criatividade, características básicas da Vigor Mortis, continuam impressas na encenação de MANSON SUPERSTAR por Paulo Biscaia.

Para mim, foi novamente um grande prazer estar na companhia, participar de todo o processo, assinar o cenário e os figurinos, conviver com uma equipe e um elenco sempre tão competente, queridos, disponíveis e generosos. Obrigado a todos. Obrigado a fada madrinha Tânia Araujo. Obrigado ao querido mestre Paulo Biscaia.
MANSON SUPERSTAR é um espetáculo lindo e forte. Tenso e pesado. Mesmo depois de ver vários ensaios e apresentações continuo me arrepiando e me emocionando com as cenas. Falar mais sobre ele seria censurar o público do prazer ao se surprender com as novidades.

Não percam!

MANSON SUPERSTAR fica em cartaz até o dia 20 de Dezembro no teatro Novelas Curitibanas -De quinta a Sexta as 21h e Domingos as 19h – Apropriado para maiores de 18 anos – Ingresso: Uma lata de leite em pó.

FICHA TÉCNICA:
Direção, roteiro e sonoplastia: Paulo Biscaia Filho / Elenco: Andrew knoll, Leandro Daniel Colombo, Carolina Fauquemont, Wagner Correa, Michelle Pucci, Marco Novack, Rafaela marques e Ana Clara Fischer. / Cenografia e Figurino: Paulo Vinícius / Direção Musical: Gilson Fukushima / Iluminação: Wagner Correa / Produção: Tânia Araujo / Operação de som e adereços: Thiago Di Giovanni / Operação de luz: Erica Mityco e Viviane Mortean / Cenotécnico: Alfredo Gomes / Projeto gráfico e ilustração: José Aguiar

FATOS HISTÓRICOS QUE COSTURAM O ESPETÁCULO

1966
- Charles Manson é transferido para a prisão de Terminal Island. Ele já tinha passado mais da metade de seus 32 anos na cadeia.
- Susan Atkins era uma garota que saiu de casa e foi trabalhar como dançarina topless em uma revista musical satânica conduzida por Anton Lavey, o Papa do satanismo.
- Roman Polanski inicia uma relação com Sharon Tate durante as filmagens de "Dança dos Vampiros". Depois de ter iniciado o romance, Sharon termina com seu namorado, Jay Sebring, um famoso cabeleireiro de Hollywood.
-Leslie Van Houten é eleita Rainha da Escola em Altadena na Califórnia.
- Patrícia Krenwinkel abandona o Colégio Jesuíta no Albama e foge para a Califórnia.
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1967
-Charles Manson é liberado da prisão contra a sua vontade.
-Roman Polanski começa as filmagens de "O bebê de Rosemary" após casar com Sharon Tate.
- Manson chega a São Francisco e, no auge do Verão do Amor, começa a fazer amigos em Haight-Ashbury. Seu carisma começa a reunir dezenas de jovens, entre eles Susan, Leslie, Patrícia e Tax Watson, um ex aluno modelo e ex jogador de futebol americano amador.
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1968
- O bebê de Rosemary é lançado nos cinemas.
- Jay Sebring se aproxima como amigo da família de Polanski, apenas para poder ficar próximo a Sharon.
- Manson estabelece sua "família" no Rancho Spahn, um antigo cenário de filmes de faroeste no Vale da Morte.
- O White Álbum dos Beatles é lançado.
- Manson faz amizade com um integrante dos Beach Boys e através dele faz uma gravação e contatos com produtores musicais.
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1969
- Sharon Tate conta a Polanski sobre sua gravidez. Ele não queria ter filhos, mas com o tempo aceitou.
- Manson não recebe resposta do produtor musical Terry Melcher. Com o constante assédio de Manson, Melcher decide se mudar e aluga sua casa no endereço 10050 Cielo Drive para a família de Polanski.
- Manson ouve o White álbum dos Beatles e acredita que a faixa Helter Skelter é uma profecia apocalíptica sobre a guerra racial e que a "família" será a governante após as batalhas.
- No dia 9 de Agosto de 1969, Roman estava em Londres preparando seu próximo filme. Sharon estava em casa com Jay e outros amigos que lhe faziam companhia. Tex, Susan e Patrícia invadem a casa dos Polanski no meio da noite e matam todos ali. Sharon estava grávida de oito meses e meio. Susan usa o sangue de Sharon para escrever na porta da casa "Pig".
- Dois dias depois, Patrícia, Leslie e Tex invadem a casa do empresário Leno La Bianca e matam ele e a mulher com mais de 100 facadas. Na parede, Patrícia usa o sangue das vítimas para escrever "Helter Skelter".
- Manson declarou assim o início do Helter Skelter.
- Meses depois, a família é presa por roubo de carros e na cadeia Susan confessa a uma colega de cela sobre a morte de Sharon.
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1970
- O julgamento de Manson, Susan, Patrícia, Leslie e Tex se transforma em circo de mídia. Ao final do julgamento, todos são condenados a morte, mas antes de sua execução, a Lei na Califórnia muda e suas sentenças são alteradas para prisão perpétua.
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2009
- Roman Polanski é detido na Suíça por um crime cometido em 1978 nos EUA. Ele havia mantido relações sexuais com uma garota de 13 anos. Antes da decisão do Juiz, Polanski foge para a França onde passa a morar por mais de 30 anos. neste momento, Polanski aguarda decisão sobre a extradição e prisão.
- Em 24 de Setembro, Susan Atkins morre na prisão em consequência de um tumor no cérebro.
- Manson, Krenwinkel, Watson e Houten ainda estão detidos.

O DISCURSO DA CENOGRAFIA

2009-11-26T07:13:00.000-08:00

(Projeto de Adolph Appia para cenário - foto divulgação)

O discurso da cenografia se impõe hoje, cada vez mais, ao negar a idéia de decoração, ou seja, a cenografia ao ultrapassar a função simplista de ornamentação cênica, têm se apresentado muito mais próxima à idéia de necessidade, prática ou plástica, para a composição da cena teatral.
Esta abordagem não é uma invenção da cena contemporânea, ao contrário, já foi anunciada desde os tempos de Adolph Appia (1862- 1928) e Edward Gorgon Craig (1872-1966) que valorizaram a tridimensionalidade da cena e se afastaram dos painéis bidimensionais criados pelos pintores que, na maioria das encenações, desenvolviam os cenários até então. Appia foi um divisor de águas na história da cenografia. Ele profetizou o palco moderno. Para ele, a organização do espaço fechado do palco é sempre tridimensional. Craig também se opôs ao cenário bidimensional. Ele compartilhava das idéias de Appia e, por ter realizado vários trabalhos, suas idéias foram mais difundidas.
A cenografia é um dos elementos cênicos que compõem o espetáculo. Não é uma arte independente, como tudo no teatro, deve estar de acordo, dialogar, com todos os outros elementos: o ator, a dramaturgia, a direção, a luz, a sonoplastia, o figurino, a maquiagem, etc. A cenografia, junto com o figurino e a iluminação, são os elementos que, principalmente, definem a estética do espetáculo, ou seja, a plasticidade da cena.
O teatro é uma arte, essencialmente, desenvolvida em grupo, portanto, o cenário também deve ser criado e desenvolvido pelo cenógrafo em total parceria com a equipe de criação, formada principalmente pelo diretor, iluminador e o figurinista. É o principal recurso cênico responsável para definir o ONDE do espetáculo, ou seja, é o cenário quem materializa o lugar da ação. Ele deve estar em total acordo com a linguagem do espetáculo, seja ela realista, simbólica, impressionista, surrealista ou contemporânea.

(Projeto de Gorgon Craig para cenário - foto divulgação)

O cenário está muito mais para a escultura e para a arquitetura do que para a pintura. A pintura é, por sua vez, apenas uma das artes utilizadas pelo cenógrafo na tentativa de criar o espaço tridimensional onde se dará o jogo dos atores que também são tridimensionais e estão em constante movimento.
A iluminação é uma das principais aliadas da cenografia. Pode ser inclusive o principal elemento que dará corpo e volume para a plasticidade do espetáculo. Na contemporaneidade existem inúmeras criações onde os efeitos causados pela luz constituem a própria cenografia.
A cenografia, como qualquer outro elemento cênico, é signo, ou seja, é informação visual, capaz de provocar uma leitura ao espectador antes mesmo de qualquer palavra ser pronunciada. Dessa forma, a cenografia deve ser criada levando em consideração que ela deverá “falar” a mesma língua que o texto, o figurino, a direção, etc.
Hoje também trabalhamos com outros conceitos aplicados á cenografia. O de Ambientação cênica é um exemplo. A cenografia é a composição resultante de um conjunto de cores, luz, forma, linhas e volumes, equilibrados e harmônicos em seu todo, e que criam movimentos, lugares e contrastes. Desta forma, o cenógrafo, como qualquer outro programador visual, deve dominar os elementos da linguagem visual para estabelecer a qualidade do seu discurso.

CHICLETE & SOM

2009-10-29T18:24:00.000-07:00

Conforme prometido, mais notícias de CHICLETE & SOM que estreia nesta quarta feira, dia 04 de Novembro no Tuc. O espetáculo, dirigido por Nina Rosa Sá teve seu roteiro construído a partir da obra de Caio Fernando Abreu e traz os atores Pablito Kucarz, Rúbia Romani, Uyara Torrente e Eu reverberando o universo da obra do escritor gaucho falecido na década de 90.

Entre encontros e desencontros, CHICLETE & SOM fala da incomunicabilidade humana, do amor não correspondido e das coisas que poderiam ter sido mas que não foram. Fruto do processo colaborativo entre uma equipe afinada para o trabalho, o que estará em cena é o resultado do diálogo entre textos e imagens, movimentos e suspensões presentes na vida real que, segundo Caio, não existiria sem a esfera da ficção, necessária para preencher a vida de poesia.

POR NINA ROSA (Diretora):

"Engraçado. Quando fui incumbida de escrever um texto para o programa da peça, várias coisas se passaram pela minha cabeça. A primeira delas foi escrever um textinho sobre o Caio Fernando Abreu e a relevância de sua obra. E até comecei este texto. Mas achei tudo tão impessoal. O tempo todo Caio utiliza uma pessoalidade lancinante para sua literatura. E me parece impossível escrever qualquer coisa que seja sem ser extremamente pessoal também. Como parece impossível referir-me ao autor chamando-o pelo sobrenome. Não dá para escrever coisas como “Abreu fala o tempo todo sobre amor não realizado.” Não mesmo. É preciso falar no Caio. E Caio fala sim, o tempo todo, sobre amor. Oras realizado, oras não realizado. E todos os desdobramentos que a palavra amor pode ter. Amor romântico, amor materno, amizade, amor às coisas e à vida.
Apesar de escrever muito de modo trágico – especialmente na fase pós-anos 80, quando já sabia que estava com AIDS, e naquela época isso era uma sentença de morte – toda sua tragicidade possui uma certa leveza. Pois, como diz o personagem-narrador de Os Dragões não Conhecem o Paraíso, “que seja doce”. É preciso ser doce, mesmo quando se está sofrendo. É preciso acreditar no amor, mesmo no amor não dado. É preciso continuar todas as manhãs, seja apoiado no I-Ching, na Bíblia ou na vodka. É preciso se reerguer, ainda que doa.
E para nós, que nos propusemos à realização deste espetáculo a que você agora assiste, foi necessária uma boa dose de paciência para controlar a ansiedade. É difícil ler a obra quase completa do Caio e não querer colocar tudo na mistura. Foi extremamente árduo cortar os textos. E acabamos centrando num tema, a incomunicabilidade.
A incomunicabilidade de falar com Deus e não ouvir resposta. De revelar todas as maneiras como uma pessoa nos machuca e ela não ouvir. Revelar o amor maior que se poderia imaginar e ser deixado no vácuo. De ser abandonado e a única justificativa ser um bilhete. De estar em um país distante e não falar a língua. Assim, nós também optamos por às vezes não deixar fácil o entendimento. Alternando imagens e narrativas que nem sempre se complementam. Mas esta foi a maneira mais honesta que encontramos de representar o Caio. Ou de nem representá-lo, mas só apresentá-lo.
Porque às vezes o entendimento se encontra na ausência. Então guarde este recado: alguma coisa sempre faz falta. Guarde sem dor, embora doa, e em segredo." (NR)

POR PABLITO KUCARZ (Produtor e ator):
"O teatro de breque nasceu do interesse comum de seus colaboradores em experimentar processos de criação colaborativos e autorais. Deste encontro, que mistura profissionais de diversas áreas além de artistas de diversas companhias da cidade, chegamos à nossa terceira realização, o espetáculo Chiclete&Som. Encaramos este espetáculo como conseqüência natural dos projetos anteriores, por seguir a mesma lógica colaborativa e por apostar na interação entre diversos profissionais. O Beijo, espetáculo de curta duração com texto do americano Mark Harvey Levine, marca o início desta trajetória, iniciada em 2008. O Coletivo de Pequenos Conteúdos é nossa segunda realização em parceria com a Companhia Transitória. Trata-se de uma mostra de cenas de curta duração, contando com 4 companhias da cidade, e que obteve lugar de destaque dentro da programação do Festival de Teatro de Curitiba em 2009. Chegamos enfim ao Chiclete&Som, que é a retomada de um projeto baseado na obra de Caio Fernando Abreu e que teve início em 2005 (porém naquela época sem a estrutura do Teatro de Breque). O projeto foi contemplado com o Prêmio Funarte de Teatro Myriam Muniz 2008 e nos permitiu voltar à sala de ensaio para repensar Caio Fernando Abreu.Por várias vezes tentei elaborar respostas inteligentes quando me perguntavam “porque Caio Fernando Abreu ?”... durante muito tempo não fui honesto, pensado que minha resposta sincera pareceria rasa, sem conteúdo. Porém cada vez mais ela faz sentido pra mim e sim, agora minha única explicação pra essa escolha é por que foi preciso. Gosto do que ele escreve, acho importante compartilhar um pouco de seu universo com o público de teatro. Assim como gosto de fazer teatro e não consigo me sentir uma pessoa melhor sem o fazer.
Deste modo, compartilhamos com você algumas de nossas dúvidas e esperanças (palavras caras ao próprio Caio) e não posso deixar de agradecer a todos os envolvidos neste projeto. Profissionais que dedicaram seu tempo e seu talento; e amigos e parceiros que acreditaram em nosso trabalho. Obrigado à Nina pela paciência e pela calma nos momentos tempestuosos do processo, sempre confiante de que chegaríamos lá (seja lá onde quer se seja). Obrigado Uy por sempre duvidar de nossas idéias idiotas, mas sempre disponível pra chafurdar conosco. Rúbia sempre com muita energia e topando qualquer parada e Paulo, nossa escolha mais acertada, obrigado pela dedicação e pelas sobremesas deliciosas!
A vocês que decidiram partilhar um pouco de seu tempo que seja doce!" (PK)

SERVIÇO:
CHICLETE & SOM
De 04 a 27 de Novembro no TUC ( Galeria julio Moreira - Largo da Ordem s/n).
Quartas, quintas e sextas as 20h. R$ 10,00 (inteira) - R$ 5,00 (meia)

FICHA TÉCNICA:

Direção: Nina Rosa Sá - Elenco: Rubia Romani, Uyara Torrente, Pablito Kucarz e Paulo Vinícius - Iluminação: Nadia Náira - Figurino: Maureen Miranda - Cenário: Adriana Madeira - Pesquisa Musical: Moa Leal - Composição Musical: Rodrigo Lemos - Vídeomaker: Fábio Allon - Preparação corporal: Mariana Gómes - Preparação Vocal: Márcia Kaiser - Assoria de imprensa: Thiago Inácio - Direção de produção: Rodrigo Ferrarini

A LUZ NA CENA: Os iluminadores do teatro curitibano.

2009-10-05T20:52:00.000-07:00

(Cena de NERVO CRANIANO ZERO, espetáculo da companhia curitibana Vigor Mortis, com iluminação de Wagner Correa - foto de Denis Lello)

Como qualquer outro elemento cênico a iluminação é um importante signo dentro do espetáculo. Grande aliada do figurino e, principalmente, da cenografia, a luz é também fundamental na definição da estética ou plasticidade teatral. É texto, discurso visual, que comunica e que transmite informações sobre a própria encenação. Por isso, o iluminador deve trabalhar sempre em parceria com o diretor, o cenógrafo e o figurinista. Ambos se utilizam dos elementos da linguagem visual para comporem o seu trabalho.
A luz no teatro é imagem. Tem forma, corpo, volume, cor e intensidade. Muitas vezes é utilizada como a própria cenografia. Na contemporaneidade um iluminador também pode ser chamado de designer, ele é um programador visual, tanto quanto o cenógrafo e o figurinista.
Desde o advento da luz elétrica, no século XIX, os espetáculos, que anteriormente eram iluminados a lamparinas a gás e que permaneciam com a platéia acessa durante as apresentações, foram favorecidos com ilusionismos e climatizações artificiais por conta dos efeitos criados com a iluminação. O primeiro profissional do teatro a utilizar a luz como um fator que favorecesse a tridimensionalidade da cena em comunhão com o corpo do ator e com a cenografia foi Adolphe Appia (1861 -1928). Appia profetizou o palco moderno. Depois dele veio Gordon Craig (1872 – 1966).
São inúmeras as possibilidades de se trabalhar com a iluminação nas diversas estéticas teatrais da cena contemporânea. Para falar um pouco sobre a iluminação cênica, convidei alguns dos melhores profissionais que vêem atuando no teatro curitibano. São iluminadores cujo trabalho eu admiro muito. Entre a nova geração e os veteranos, convidei amigos queridos para contar um pouco sobre a maneira como trabalham e se relacionam com a luz no teatro. Abaixo vocês poderão ler os depoimentos dos que realmente entendem desta linguagem. São participações mais que especiais aqui no blog Figurino e Cena. Profissionais que, mesmo com tantos compromissos, puderam contribuir com a deliciosa função de pensar o teatro que é feito hoje em Curitiba e também contar um pouco sobre a trajetória de cada um. À todos os que estão aqui, também à Beto Bruel e a Luiz Nobre que por motivos específicos não estão presentes agora, muitíssimo obrigado e que estes nossos encontros prazerosos se repitam sempre. Um beijo grande para todos vocês.

NADIA LUCIANI

(fotografada por Daio Hofmann)

"Nestes quase 20 anos como iluminadora o que mais aprendi a respeitar são aqueles que fazem do seu trabalho paixão e do seu prazer profissão... Trabalhar com teatro é uma das poucas coisas que se tem certeza fazer por paixão e prazer, pois não se sustenta enquanto atividade se os únicos parâmetros forem econômicos, profissionais ou sociais, apesar de alcançá-los, se assim for... Tudo é meio adverso, incerto e apaixonante. Isso é fazer teatro!
Fazer luz, então, é mais ainda... O que dizer de paixão, de prazer, de satisfação profissional quando o que fazemos é emocionar, transformar e engrandecer as pessoas e coisas com nossa arte... A luz apaixona, encanta, metamorfoseia os espaços e todos que estão nele, público, cena, vida real ou fictícia. A luz é magia e sonho e nós somos responsáveis por ela, até onde podemos, até onde nos permite a tecnologia e a criatividade, em iguais proporções. Iluminar é isso, é atender as demandas do espetáculo sem jamais se esquecer do espectador (aquele que devemos emocionar), do ator (aquele que iluminamos) e do encenador (aquele cujas idéias materializamos). Estes três elementos humanos compõem a matéria prima de nossa criação e através de ferramentas materiais e subjetivas construímos nossa obra cênica, tão efêmera e real quanto possível... ...e necessário.
Eu venho descobrindo que meu trabalho como iluminadora tem, hoje, duas vertentes de igual importância para minha atuação: a produção artística (os projetos, a luz, os espetáculos) e a produção intelectual (as pesquisas, teorias, estudos, cursos, palestras e aulas). Falar sobre luz tem sido tão prazeroso quanto fazer luz, pois as trocas com outros profissionais, com alunos, aprendizes e apaixonados são estimulantes, proveitosas e extremamente ricas... A atuação na ABrIC/OISTATBr e a possibilidade, através dela, de promover e participar de encontros, fomentando o ensino e o aprimoramento nas áreas de iluminação e tecnologia teatral tem se revelado também, assim como foi descobrir a luz na minha vida, um grande prazer e fonte de realização pessoal e profissional. "

O site da Associação Brasileira de iluminação cênica é: http://www.abric.org.br

NADJA NAIRA

(fotografada por Elenize Dezgeniski)

"A luz no teatro pra mim sempre foi mais que um efeito, um desenho bonito pra uma cena ou o sublinhar de um estado emocional de um personagem, de um clima tenso ou cômico na trama da peça. Iluminar é conduzir a visão do espectador, é ajudá-lo a descobrir os detalhes e as sutilezas da peça e da encenação. Muitas vezes não revelar tudo, trabalhar com reflexos e sombras, com ângulos não naturais, podem ajudar a desvendar as camadas de complexidade de um texto teatral. Este sempre foi o meu maior desafio, trabalhar com este recurso de forma a colaborar na construção da dramaturgia do espetáculo. Nosso grande mestre, Beto Bruel, sempre diz duas coisas muito importantes: cada diretor/encenador requerer uma luz diferente, isto é, cada um tem seu estilo, sua forma de arquitetar uma peça, um escolha estética; e também que luz correta, boa e eficiente é aquela que não se percebe, que não quer dizer mais que o texto, que não quer aparecer mais que os atores e a encenação. Foi ouvindo estes exemplos que foi entendendo a função verdadeira de um artista criador, colaborador, que ajuda na elaboração de uma obra de arte.
Hoje, a cena contemporânea caminha ou para os trabalhos de grande impacto visual ou para aqueles onde há o privilégio do texto, das palavras na boca do ator. É preciso entender os diversos objetivos e funções de cada trabalho/criação e buscar sempre contribuir através de um diálogo de olhos bem abertos e atentos. Não é preciso buscar o diferente, o novo, mas o que está vivo e pulsa. A velocidade do nosso mundo nos devora, mas a fragilidade de uma presença viva na cena ainda nos faz querer ver e ouvir o ser humano, seus dilemas ou delírios."

WAGNER CORREA

(fotografado por Marco Novack)

"Minha primeira operação de luz aconteceu no ano de 1998 para o Espetáculo Onde Estivestes a Noite, escrito e dirigido por Edson Bueno e Iluminado por Nadja Naira. Foi logo após ter participado de um curso técnico de iluminação cênica ministrado por Nadia Luciani. Essa experiência foi simplismente apavorante, a peça tinha cerca de duas horas e meia e muitos movimentos de luz, com direito a várias replugagens no rack (dimmers). Usavamos uma mesa de luz manual ditel com 48 canais e mais uma mesa caseira, que chamamos de pianinho, foi importantíssimo começar dessa maneira, aprendi muito com isso. Muitas montagens e operações se seguiram até que em 2004 concebi minha primeira luz, o espetáculo era Gravidade Zero, de Mario Bortoloto dirigido por Emilia Hardy, também no mesmo ano fui chamado novamente por Nadja Naira para operar sua luz na peça Morgue Story realizada pela Cia. Vigor Mortis, dirigida por Paulo Biscaia Filho. Tenho um carinho muito especial por essa diretora e iluminadora, a Nadja. Ela apostou em meu trabalho desde o inicio, me apresentou a Vigor Mortis e graças a ela e ao Biscaia, outro grande amigo, estou com a Vigor desde o Morgue Story até hoje, foram várias criações, viagens, temporadas... No momento, estamos ensaiando o espetáculo Manson Superstar, com estreia marcada para novembro. Pela segunda vez tenho a oportunidade de ao mesmo tempo iluminar e atuar em uma peça, a primeira foi em Jesus vem de Hannover, espetáculo produzido pela Cia. Silenciosa e dirigido por Henrique Saidel.
Embora esse acumulo de funções seja bem desgastante, gosto disso. Normalmente, o iluminador entra no processo de ensaios de uma peça pouco tempo antes da estreia e poder acompanhar o processo desde o inicio é muito interessante.
Hoje além de ser integrante da Cia. Vigor Mortis e colaborador assiduo da Cia. Silenciosa, desenvolvo trabalhos para várias outras cias. de Curitiba, dentre elas a Cia. Ator Comico, Cia Portátil e Pip Pesquisa em Dança.
Iluminar antes de qualquer coisa é uma imensa responsabilidade. Mas, o prazer que se sente ao exercer essa função é tão ou mais imenso. Iluminar é mostrar, esconder, disfarçar, derreter, distanciar, sensibilizar, endurecer, emocionar, colorir, trovejar, distorcer, sombrear, siluetar, contar, iludir, preencher, acender, apagar, movimentar, intensificar...
O prazer que sinto ao acender um refletor e ver a luz produzida por ele cortar o espaço até chegar ao seu destino, com a intensidade, o desenho e a cor que imagino é indescritivel.
Vivo um processo constante de busca pelo novo e isso é ao mesmo tempo penoso e instigante. Além de sempre buscar o dialogo com o diretor e demais criadores de uma obra e do estudo de referências, sinto a necessidade de pesquisar fontes alternativas de luz, novos angulos e temperaturas.
Comecei a trabalhar nessa area num momento em que elaborávamos os mapas a mão e operavamos manualmente a luz, hoje temos a disposição sistemas completamente digitais, podemos gravar a luz de cenas para um espetáculo e, se quisermos, operar apertando um único botão. Não consigo me adaptar a isso, gosto de gravar as cenas em submasters, gosto de sentir que a luz está em minhas mãos, opero em sintonia com os atores e bailarinos, isso faz com que me sinta dentro do espetáculo. A tecnologia é muito importante para a iluminação cênica e aprender a se utilizar dela também é. Mas, confesso que sinto dificuldade em utilizar certos softwares de visualização em 3D, por exemplo. Normalmente, só consigo desenhar meus mapas após a estreia dos trabalhos, a luz está em minha cabeça.
Na medida em que o tempo vai passando e vão se acumulando as experiências na criação, adaptação e resoluções técnicas chega a ser angustiante criar. Creio que por vezes sou detalhista e perfeccionista, isso é bom e ruim. Bom porque prezo pela qualidade e ruim porque nem sempre tenho a disposição estrutura fisica e financeira pra chegar onde quero, então sofro.Mas, de qualquer forma, tal sofrimento vale a pena. Pretendo continuar iluminando por muitos e muitos anos. Tenho orgulho de fazer o que faço e de pertencer a este grupo de profissionais da luz, somos unidos, admiramos o trabalho uns dos outros, ajudamo-nos muito e compartilhamos do mesmo prazer, o de pintar com a luz e direcionar o olhar dos apreciadores / espectadores. "

WALDO LÉON

"Há mais de 20 anos comprei minha primeira máquina fotográfica.
Na década de 90 me especializei em fotojornalismo; trabalhei para vários jornais de Montevideo e para a Unicef.
Neste tipo de fotografia a luz é um fator importante, como a composição, o momento decisivo, mas não é uma iluminação controlada. O documento fotográfico mais puro é aquele que reúne esses fatores em uma tomada única.
No ano de 1992 alguns amigos de teatro me pediram para fazer umas fotos de divulgação; foi o início de uma relação que dura até hoje.
Controlar a luz para a fotografia e para o teatro é uma ideia que vem de longe. Pintores como Rembrandt e Caravaggio regulavam as janelas de seus ateliês para controlar a entrada da luz do sol.
Com o tempo deixei o fotojornalismo e passei a me dedicar ao teatro.
Quando assisto aos ensaios das peças, chego desprovido de ideias, de conceitos e preconceitos Sou um iluminador lento. Preciso escutar várias vezes o texto, a música, ou ver várias vezes uma coreografia, para chegar à mesma pergunta de sempre: o que me agradaria ver neste instante? Esta pergunta leva todos os conceitos técnicos da fotografia; composição, ritmo, destaques, figuras, momentos únicos, fundo, clima, ambiente, época. Fotografias que no geral duram uma cena, uma coreografia, uma frase, uma palavra ou um gesto.
Depois de imaginar essa possível fotografia, busco nos recursos técnicos disponiveis os elementos necessarios. Não me sujeito a nenhuma regra, podendo ser uma vela, a luz da rua em uma janela ou ainda o mais sofisticado dos aparelhos robotizados, o objetivo é o mesmo, estar em sintonia visual com o que acontece na cena.
Complementar, colaborar com o espectador a sentir o que quer transmitir o ator, a bailarina ou o músico.
A luz é a influência mais importante em nossa percepção visual do mundo; vemos muito mais do que podemos tocar ou cheirar.
Iluminar espetáculos é uma tarefa que requer concentração e paciência. Assistir aos ensaios possibilita exercitar a imaginação e discutir possibilidades estéticas.
As novas ferramentas virtuais acabaram por derrocar a tirania dos iluminadores. A iluminação nos espetáculos era até pouco tempo a única coisa que não se podia mostrar antes de executada. Hoje, todos os integrantes do grupo tem a possibilidade de vê-la simulada, enriquecendo e afirmando suas ideias.
Não tenho regras para iluminar; uma iluminação de balé pode ficar fantástica em uma peça de teatro, e uma luz de cinema pode ser impactante em um monólogo. Entre as milhares de opções que se apresentam não pode haver apenas uma única forma de iluminar.
Dificilmente um espectador se lembra de uma frase de uma peça que assistiu, mas é provável que se lembre de uma imagem. Minha tarefa é realizar essa imagem dentro de qualquer espetáculo.
Faço iluminação em todo tipo de cenários, circulares, italianos, também nas ruas, nas tendas de circo, em prédios desativados, em estações de trem, museus, todo tipo de espetáculo, teatro, música, circo, balé, ópera, dança. Em todos me guio pelo instinto da excelência da imagem.
Algumas fotos de meus trabalhos podem ser vistas em: http://waldocesarleon.blogspot.com/ "

UM NÓ NA GARGANTA

2009-10-03T19:56:00.000-07:00

Aponta um novo momento no novo espetáculo do Grupo Obragem, dirigido por Olga Nenevê. Quem acompanha o trabalho do grupo e viu os espetáculos anteriores saberá do que eu estou falando.

É impossível deixar a sala de espetáculos do teatro Novelas Curitibanas sem carregar por muitos minutos uma sensação de que tudo aquilo ainda não terminou. E não termina mesmo. É poesia em movimento, estupefaciente, desconcertante.
A peça é a segunda parte de uma trilogia sobre o luto escrita pela Olga. A primeira foi PASSOS. No INVENTÁRIO DE NADA BENJAMIN, uma mãe e dois filhos se encontram, após o falecimento do Pai para dividir os bens não materiais, tudo o que Nada, o pai, deixou para ser herdado pela família. Os três se encontram para depois partirem. É um drama contemporâneo, onde a narrativa mistura o presente e o passado, por meio do deslocamento das ações no tempo, o que faz os personagens re-avaliarem suas visões de mundo. Uma relação conflituosa que me gerou um nó na garganta e que só se desatou depois dos muitos minutos que carreguei comigo aquela sensação de que tudo não terminava assim tão facilmente.
Falar mais sobre o trabalho é tentar justificar com palavras o que só é compreendido através das sensações. Não pretendo domesticar minha porção mais indomável daquilo que percebo e que, como público, sempre me faz muito bem.
Sempre me faz muito bem ver o resultado do árduo trabalho do Grupo Obragem. Sempre me faz muito bem ver os queridos amigos Eduardo, Fernando e Olga em cena. Sempre me faz muito bem indicar o que gosto para os leitores do meu blog. Sempre.
O espetáculo fica em cartaz até o dia 18 deste mês de Outubro no Novelas Curitibanas. As sessões são de quarta a sábado as 21h e aos domingos as 19h. A entrada é uma lata de leite em pó. Vale a pena!

FICHA TÉCNICA: Elenco: Eduardo Giacomini, Fernando de Proença e Olga Nenevê. Texto e direção: Olga Nenevê. Assistência de direção: Elenize Dezgeniski. Cenário e figurino: Eduardo Giacomini. Iluminação: Waldo Léon. Música original e sonoplastia: Vadeco.

CIASENHAS faz 10 anos e comemora com a nova temporada do espetáculo BICHO CORRE HOJE

2009-09-22T18:53:00.000-07:00

(BICHO - foto de Elenize Dezgeniski)

Ainda dá tempo para quem quiser ver ou rever BICHO CORRE HOJE, espetáculo estreado em 2004, que fará sua última semana de apresentações no Teatro José Maria Santos em Curitiba.
Fiquei ensaiando durante o mês todo e só consegui rever o espetáculo neste último domingo.

O que já era bom está muito melhor.
Durante os anos que se seguiram desde a sua estréia, a companhia, dirigida por Sueli Araujo, mergulhou profundamente na realização de vários espetáculos, o que solidificou a pesquisa de criação cênica e fez amadurecer muito o trabalho do elenco e de toda a equipe.
Em BICHO CORRE HOJE vemos Greice Barros e Patrícia Saravy super donas da cena, inteiras. O espetáculo, além do lindo desenho de luz criado pela iluminadora Fábia Regina, tem pouquíssimos recursos visuais. Tudo acontece grandiosamente apenas pelo jogo das duas atrizes sobre a dramaturgia genial de Sueli Araujo.
Acompanho o trabalho da companhia desde 2004 e estar na platéia, curtindo e admirando o rico e autoral trabalho, sempre foi para mim um prazeroso compromisso com uma das mais importantes companhias da cena contemporânea. O prazer ainda é dobrado ao me encontrar com os amigos queridos da equipe CIASENHAS.
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BICHO CORRE HOJE está na última semana da temporada. De quarta a Sábado ás 20h e Domingo às 19h – Teatro José Maria Santos. Quartas e quintas leve um acompanhante e só pague uma entrada.
Vale a pena.

(DELICADAS EMBALAGENS, espetáculo de 2008 - foto Elenize Dezgeniski)

SOBRE A COMPANHIA

A Ciasenhas de teatro foi fundada em 1999 e, de lá para cá, vem desenvolvendo um contínuo trabalho de investigação cênica. O foco principal do trabalho da companhia é o trabalho do ator-criador no desenvolvimento da dramaturgia.
Nesses dez anos de trabalho foram realizados dez espetáculos: ALENCAR (1999), A FARÇA DE MARY HELP (2000), DEVORATEME (2001), TARTUFO (2002), JOÃO AND MARIA (2003), BICHO CORRE HOJE (2004), VÁCUO (2005), NÃO ME DEIXE MENTIR (2005), ANTÍGONA – REDUZIDA E AMPLIADA (2006) e DELICADAS EMBALAGENS (2008).
Desde 2005 a companhia realiza também, anualmente, a mostra CENAS BREVES em parceria com a Caixa Cultural. O objetivo da mostra é divulgar e fortalecer o trabalhos dos grupos que desenvolvem uma pesquisa continuada.
A dramaturgia e a direção artística da Ciasenhas é de Sueli Araujo e a produtora responsável é a Márcia Moraes. Maiores informações sobre a companhia no site: http://www.ciasenhas.art.br/

TEATRO DE BREQUE: A obra de Caio Fernando Abreu é o ponto de partida para a construção de CHICLETE & SOM

2009-09-18T18:59:00.001-07:00

A obra de Caio Fernando Abreu, escritor gaucho falecido em 1996, é o objeto de estudo no processo criativo e colaborativo do novo espetáculo do Teatro de breque. Trata-se de CHICLETE & SOM, espetáculo produzido por Pablito Kucarz e dirigido por Nina Rosa Sá. No elenco estão Pablito Kucarz, Rúbia Romani, Uyara Torrente e eu. O espetáculo estreará no início do mês de Novembro no TUK, um teatro pequeno e charmoso no Largo da Ordem de Curitiba.
O texto abaixo fala um pouco sobre o nosso encontro e o nosso contato mais profundo com a obra de Caio.

(O elenco em sala de ensaio - foto de Nina Rosa Sá)

MERGULHO NA SUBJETIVIDADE REINVENTADA

Certa vez falávamos sobre a vontade de que o elemento do contraste pudesse estar presente como um possível fio condutor na criação de algumas das cenas do espetáculo. Começamos a desenvolver algumas possibilidades de criação cênica, contaminados pelas referências selecionadas na obra de Caio Fernando Abreu. Percebemos então, que a própria literatura produzida pelo escritor era um específico exemplo do contraste. Confesso que, ao mesmo tempo em que Caio escreveu textos profundamente ricos e ímpares, por outro lado, ele também escreveu alguns textos que consideramos como menos importantes e por isso não entraram na lista dos preferidos. Entre cartas, contos, crônicas, novelas, poesias, dramaturgias e romances pesquisamos muito da importante obra produzida nas décadas de 70, 80 e 90 pelo escritor.
Caio lutou muito para que a sua obra fosse reconhecida.
O escritor foi profundamente influenciado pela obra de Clarice Lispector, escritora que ele admirava muito e que chegou a conhecer e a se relacionar em vida.
De todo o material pesquisado, selecionamos contos, cartas, fragmentos, diálogos e citações para servir de roteiro na dramaturgia de CHICLETE & SOM. Além da obra deixada pelo autor, nos debruçamos também sobre dissertações e teses escritas por pesquisadores que se dedicaram ao estudo de Caio.
No processo de criação, outros artistas são responsáveis pelo desenvolvimento dos demais signos do espetáculo. Maureem Miranda assinará os figurinos, Fábio Allon as interferências em vídeo, Adriana Madeira o cenário e Nadia Naira a luz. No treinamento físico dos atores temos a preparadora corporal Mariana Gomes e o treinamento vocal de Márcia Kaiser. A programação visual está a cargo do também designer Pablito Kucarz.
Antes da estréia publicarei aqui novas informações sobre o andamento de CHICLETE & SOM, contando também como estamos conseguindo nos reinventar a partir do mergulho no universo de Caio Fernando Abreu, sua produção biográfica, ficcional e o quanto dele está em nós. E, como o próprio Caio nos ensinou, "que seja doce! "

“Sua obra parece falar de mim, para mim e de dentro de mim, como se traduzisse não só os momentos que passei, mas também coisas profundas e íntimas que eu sequer tenha verbalizado. Chega a ser meu amigo, ser próximo, falando de solidão, amor, impossibilidade do amor e ainda criando o universo em que escolhi viver na minha profissão, ser artista, do obscuro à beleza desse cotidiano. Pra mim sua obra chega no olho no olho e me arrepia.” (Rúbia Romani - Atriz)

“Conheci a obra de Caio Fernando Abreu há 3 anos, quando ganhei de presente de aniversário o livro Pequenas Epifanias. Não preciso dizer que a partir dali não desgrudei mais de sua obra, afinal de contas este trabalho é resultado de nossa imersão no universo deste autor gaúcho, jornalista por necessidade, homossexual, portador de HIV, solitário e extremamente apaixonado pela vida e pela esperança da felicidade. Foi impossível pra mim, desde meus primeiros contos lidos, não me identificar com as ausências presentes em sua obra – ausência do amor e das pessoas, mesmo quando presentes, ausência da felicidade e sua procura interminável. Apesar deste terreno inóspito que o autor visita frequentemente salta aos olhos o seu humor cínico, sutil e o seu incrível senso de humanidade e de realidade, tendo participado ativamente da vida cultural do Brasil entre as décadas de 70 à 90. Por tudo isso, por também gostar da sua literatura, é que me dediquei a pensar cenicamente sua obra por quase 2 anos.” (Pablito Kucarz - Ator e produtor)

“Conhecer a obra do Caio me faz perceber como ele vai de um extremo ao outro sem perder a força. Ele fala do homossexualismo com a mesma beleza que fala de religião, fala da podridão com a mesma beleza de quando fala do amor. Parece que ele fala pra cada uma das “Uyarainhas” que existem aqui dentro. É lindo. É poderoso. E as vezes até dói de tão bonito.” (Uyara Torrente - Atriz)

OBRAGEM EM DOSE DUPLA

2009-08-26T20:12:00.000-07:00

(MMM - A MONTANHA DO MEIO DO MUNDO - foto de Luana Navarro)

A Obragem Teatro e Cia apresenta dois espetáculos no mês de setembro.
O espetáculo para crianças MMM – A MONTANHA DO MEIO DO MUNDO foi selecionado para o 13º. Fenatib (Festival nacional de Teatro Infantil) e fará três apresentações na cidade de Blumenau/ SC. A data de estréia é no dia 12 de Setembro.
MMM teve sua pré-estréia no dia 03 de julho de 2009 no teatro da Caixa em Curitiba e provavelmente ainda voltará em cartaz nos palcos da cidade até o final de 2009. Trata-se de um espetáculo composto por situações da vida de uma menina chamada MMM, uma aventura repleta de descobertas acompanhada por seus amigos MÓ, MI e MU. Juntos, eles encontram no símbolo da montanha uma maneira de vencer os obstáculos. Basicamente, quase todo o roteiro é construído por ações físicas e pouquíssimo texto. Uma narrativa onde a dramaturgia ganha maior expressão a partir da combinação de animações 2D e seqüências coreográficas dos quatro atores que construíram personagens inspirados na linguagem do universo infantil e nas obras do artista Fernando Botero.

(Em cena: Elenize Desgeniski, Fernando de Proença, Eduardo Giacomini e Paulo Vinícius - Foto de Luana Navarro)

No elenco estão Eduardo Giacomini, Elenize Dezgeniski, Fernando de Proença e eu. O texto e a direção são de Olga Nenevê e Eduardo Giacomini. A sonoplastia é de Edith de Camargo. As animações em vídeo são de Marlon de Toledo sobre os desenhos de Olga Nenevê. Quem assina a Luz é Luiz Nobre e quem a opera é Vanessa Vieira. O design gráfico é de Alessandra Nenevê. O cenário e o figurino são também do Eduardo.
Como ator pude acompanhar todo o processo criativo do espetáculo e, além de indicar, posso também dizer que o espetáculo é uma deliciosa aventura recheada de pura poesia visual e sonora.
A animação da abertura do espetáculo pode ser vista no endereço http://www.youtube.com/watch?v=0EgepccEDMs

(O INVENTÁRIO DE NADA BENJAMIN - foto divulgação de Elenize Dezgeniski)

A segunda novidade é a estreia do espetáculo adulto O INVENTÁRIO DE NADA BENJAMIN no teatro Novelas Curitibanas no dia 17 de Setembro. Não vi nenhum ensaio, preferí a surpresa, mas segundo Fernando de Poença, assessor de imprensa da companhia, “é um drama contemporâneo, com influências cinematográficas e das artes visuais. É a história de um tempestuoso triângulo formado por Martíria (Olga Nenevê) e seus dois filhos, Gabriel (Fernando de Proença) e Rafael (Eduardo Giacomini). Os três personagens estão juntos para os trâmites do inventário de Nada Benjamin. A situação de luto é dolorosa para os três personagens, que ao organizarem a distribuição de pequenos objetos experimentam conflitos e estados de grande emoção. As memórias acabam por desencadear pequenas batalhas entre os irmãos que lutam para estabelecer territórios. Ao demarcarem suas fronteiras, os irmãos criam um ambiente de tensão onde os sentimentos se misturam.O texto é resultado de uma pesquisa de dramaturgia textual original, que busca acentuar a relação entre a palavra e a fala, por meio de deslocamentos, movimentos e estudos da estrutura das palavras, com o intuito de revelar novas possibilidades de interpretação. As possibilidades de corporalidade do texto teatral são transformadas em imagens sonoras. A reflexão sobre o Tempo e sobre a mobilidade das coisas é apresentada a partir do processo relacional de uma família desestruturada pela morte da figura paterna. A narrativa do trabalho mistura o presente e o passado, por meio do deslocamento das ações no tempo, o que faz os personagens re-avaliarem suas visões de mundo”.

(Fernando , Olga e Eduardo - Divulgação - foto de Elenize Dezgeniski)

O espetáculo ficará em cartaz até o dia 18 de Outubro com sessões de quinta à sábado às 21h e aos domingos às 19h. Como fã e seguidor da Obragem desde 2004, aguardo ansioso pela estréia e chamo a atenção para todos que também gostam de teatro contemporâneo e apreciam grupos que desenvolvem uma pesquisa séria de linguagem cênica.
A gente se encontra lá.

A EFÊMERA ARTE INDOCUMENTÁVEL *

2009-08-26T18:32:00.000-07:00

(Um instante poético de uma cena do espetáculo Recreio Pingue - pongue do diretor curitibano Márcio Mattana que esteve em cartaz no teatro Cleon Jaques em Curitiba - Foto de Ale Haro)

Fico pensando no sentido efêmero de um espetáculo, na sua duração enquanto obra de arte e de qual o melhor registro que dele fazemos para documentar a sua existência. Ao contrário da literatura que é eternizada nos livros e que estará disponível enquanto durar suas edições, de um filme que pode ser exibido milhares de vezes ou de um objeto, escultura ou pintura, que poderá ser visto nas inúmeras galerias e museus, um espetáculo é sempre passageiro e por mais que filmemos, fotografemos ou relatemos todo o seu processo de criação e de construção, nenhuma dessas linguagens dá conta de traduzir o que realmente foi o evento teatral, pois, essencialmente o teatro só existe no aqui e agora, ou seja, enquanto dura um espetáculo.
Uma filmagem não traduz uma pausa dramática, por exemplo, não relata o volume e a atmosfera criados pela luz, não diz quase nada a respeito do som das palavras. Por isso, prefiro a fotografia que, apesar de estática e de captar apenas um instante da cena, a meu ver, reflete mais o tempo e o espaço teatral do que o vídeo.
É verdade também que muitas vezes uma fotografia pode pintar uma cena melhor ou pior do que ela foi - tudo depende da técnica e do olhar treinado do fotógrafo. Por sua vez, os melhores fotógrafos são aqueles já acostumados com o fazer teatral, porque são íntimos do tempo e do espaço da cena, são acostumados com o efeito da luz, com o corpo do ator.
Como artistas, sabemos também que nenhuma apresentação é igual à outra e que sempre há a melhor dentro de uma temporada. Essa só é válida para quem esteve presente nessa sessão. Pensando nisso, é uma pena que a emoção e a vibração sentidas no corpo do espectador ao assistir um espetáculo sejam perecíveis e, por mais duradora que seja nossa memória, a exteriorização dessa emoção também não nos vale de um arquivo.
Ainda assim, vale a pena tanto esforço e paixão. Ainda assim, vale a pena todos os dias e noites de preparação e construção de um espetáculo. Afinal, qual registro documental poderia ser mais significativo que o espaço temporal correspondente entre o terceiro sinal e os aplausos do público?

* Texto especialmente escrito para a revista Luz & Cena - Ano XI - julho de 2009 - No. 120

NERVO CRANIANO ZERO: Depois da estreia no Teatro da Caixa, a Companhia Vigor Mortis apresenta no ACT uma nova temporada do espetáculo.

2009-07-29T07:30:00.000-07:00

(fotos de Marco Novack)

NERVO CRANIANO ZERO é um desses espetáculos que, quando termina, faz com que a platéia saia inflada do teatro. É uma produção de altíssimo nível dramatúrgico, plástico e técnico. Quando vocês lerem meu nome da ficha técnica, vão dizer que minha admiração pelo espetáculo é tendenciosa uma vez que fiz a cenografia. Porém, aviso, foi uma grande honra para mim estar na equipe da Vigor Mortis e ter participado do processo de criação de NERVO CRANIANO ZERO.
Estou aqui para contar um pouco deste processo e também para divulgar a nova temporada que acontece entre os dias 06/08 e 30/08 no ACT – Atelier de Criação Teatral em Curitiba. Se você quiser realmente ver um espetáculo de qualidade, após ler este texto, não perca a oportunidade e reserve com antecedência seu ingresso para a próxima temporada. Depois disso, tenho a certeza de que vão concordar comigo e saber que eu não estou exagerando.

MINHA PRIMEIRA DIVERSÃO
A primeira vez que li o texto de NERVO CRANIANO ZERO, escrito pelo também diretor da Vigor Mortis Paulo Biscaia, foi a minha primeira grande diversão no processo. O texto é ótimo, uma bela história de ficção que se desenrola sobre dados científicos e nos apresenta personagens tão bem construídas e tão bem localizadas num tempo e lugar determinados a nos prender por todo momento dentro da trama. Pode virar livro, só basta o Paulo querer.
Na sinopse, divulgada no site da companhia, lemos; “A Dra. Barbara Bava perdeu sua licença médica após um acidente durante pesquisas com sua nova criação. O chip Melpomene. Um indutor de dopamina instalado no nervo craniano zero. O objetivo do chip era estimular a criatividade em seus pacientes: No entanto, Bava é surpreendida por uma reação inesperada do chip: seus usuários não mais tinham circulação de sangue, nem fome ou sono. Ainda assim, o chip era capaz de regular todas as funções mantendo o corpo ativo e com uma capacidade infinita de criatividade sempre que a dopamina é estimulada. Bruna Bloch é uma escritora de sucesso que, temendo não ter mais inspiração para escrever novos best sellers, contrata a Dra. Bava para continuar suas experiências e posteriormente instalar o chip em Bruna. Antes de fazer isso porém, é preciso ter certeza do funcionamento do chip em seres humanos. Bruna então publica um anúncio em jornal contratando uma cobaia para o experimento. A única a responder é Cristi Costa, uma simplória garota do interior com sonhos de ser uma grande cantora. Seus sonhos são quebrados após ser nacionalmente humilhada em um programa de calouros na TV. Não há outra saída para Cristi senão aceitar ser uma cobaia com o chip Melpomone em seu Nervo Craniano Zero. A peça marca a volta da Vigor Mortis ao estilo tradicional do Grand Guignol, mas com uma roupagem que rende homenagem a filmes de David Cronenberg e a obras de terror italianas da década de 70 e 80 como os filmes de Dario Argento e Lucio Fulci.”

SOBRE O PROCESSO E A EQUIPE
Criar a partir do texto que já estava escrito, a partir das especificações do Paulo Biscaia sobre a estética do espetáculo, poder contribuir para o desenvolvimento do processo e me adequar aos demais profissionais que compunham a equipe técnica foi um grande e afinado prazer.
Paulo Biscaia sabe muito bem o que quer e também sabe preparar sua equipe. Ele trabalha rápido. Sabe linkar uma área na outra e faz o processo andar. Apesar de toda essa habilidade em comandar, ele sabe também atribuir uma grande margem para os artistas que compõem a equipe criar. Foi assim comigo, com o iluminador Wagner Correa, com o elenco e demais artistas da equipe. Sempre me senti muito presente no processo. A Vigor Mortis é uma companhia que sabe trabalhar em equipe, todos respeitam muito o trabalho de cada profissional envolvido. A produção foi, o tempo todo, acompanhada e coordenada pela produtora Tânia Araujo, uma profissional prática, competente e, sobretudo, muito querida.
O desenvolvimento do cenário foi também acompanhado pelo iluminador Wagner Corrêa. A luz de Wagner valoriza a cenografia, pontua e desenha os diferentes momentos da trama. É também ponto determinante para a resolução plástica do espetáculo.
Os vídeos e projeções, criados e desenvolvidos pelo próprio Biscaia, continuam sendo alguns dos elementos mais brilhantes da linguagem cênica proposta pela Vigor. Como já disse certa vez aqui no blog, Paulo Biscaia faz isso melhor do que ninguém. As projeções dão um show e costuram brilhantemente as cenas. Como sempre, não estão gratuitamente no espetáculo, são também elementos de desenvolvimento da dramaturgia. Tudo muito sofisticado e preciso.
As personagens ganham forma e conteúdo através das atrizes Michelle Pucci (Bruna Bloch), Rafaela Marques (Cristi Costa) e Simone Martins (Barbara Bava). São bem construídas e estão totalmente presentes na cena. Nas projeções, outros atores contracenam com o elenco principal: Leandro Daniel Colombo, Karla Fragoso, Wagner Corrêa e Carolina Fauquemont.

NOVA TEMPORADA
Quem não conseguiu ver as apresentações no Teatro da Caixa, tem agora uma nova oportunidade. O espetáculo entra em cartaz no próximo dia 06 de Agosto no ACT. Para o novo espaço, algumas reformulações serão necessárias. Tanto o cenário quanto a luz ganharão novos cuidados porque o espetáculo dialogará de forma diferente com o novo espaço cênico. A platéia também assumirá um lugar mais próximo da cena, o que, com certeza, propiciará um novo olhar sobre o espetáculo. É também uma boa oportunidade de rever para quem já viu. No mês de Setembro, a Vigor Mortis estará no Rio de Janeiro fazendo também uma curta temporada de apresentações do espetáculo no Teatro da Caixa.
SERVIÇO: De 06 a 30 de Agosto no ACT – Atelier de Criação Teatral (Rua Paulo Graeser Sobrinho 305 - Curitiba). Quinta a sábado as 21h e domingos as 19h. Reserve seu ingresso antecipado pelo e-mail: nc0@vigormortis.com.br
Veja um trailer do espetáculo e maiores informações em: http://www.vigormortis.com.br/

FICHA TÉCNICA:
Texto e Direção: Paulo Biscaia Filho – Diretor assistente: Leandro Daniel Colombo – Elenco: Michelle Pucci, Rafaela Marques e Simone Martins – Coordenação de produção: Tânia Araujo – Sonoplastia e fotos: Marco Novack – Cenografia: Paulo Vinícius – Iluminação: Wagner Corrêa – Figurino: Karla Fragoso e André Azevedo – Maquiagem: Marcelino de Miranda – Adereços e FX: Thiago Di Giovanni – Confecção de peruca: Sergio Carminatti – Cenotécnicos: Sergio Richter, Anderson Quinsler, Fábio Dombrosk e Gentil Paris – Costureira: Rose Matias

GOL A GOL: Equipe do longa metragem filmado em Curitiba lança blog para divulgar o processo de filmagens

2009-07-27T11:59:00.000-07:00

Estamos nos últimos dias de filmagens do longa metragem Gol a Gol, uma produção da Processo Filmes em parceria com a Evolução Filmes. O longa tem roteiro de Adriano Esturilho e é inspirado no livro [Cancha 2] - Cantigas para perverter juvenis. A direção é também do Esturilho em parceria com Fábio Allon. As filmagens terminam no próximo dia 30 de julho e o filme só será finalizado no primeiro semestre de 2010.
Sou o responsável pelo figurino do filme e conto com a preciosa assistência de Andrea Tristão.
Para divulgar o todo o processo de filmagens a equipe de produção e direção criou um blog fotográfico onde, além das imagens captadas pela lente do still de Rosano Mauro, integrantes da equipe também relatam experiências, acontecimentos e alguns depoimentos sobre a produção. Vale a pena fazer uma visita ao blog e conferir principalmente as belas imagens que são postadas diariamente. O endereço do blog é: http://golagolfilme.blogspot.com/

SOBRE A TRAMA
Num futuro imaginário, PEDRO vive solitário e estafado com seu trabalho na SEGURADORA SOL[AR]IS – que vende apólices por danos ambientais. Em saltos para um passado nostálgico e para um futuro pouco promissor do ponto de vista sócio-ambiental, onde fatos históricos se misturam a fantasias, o personagem revisita memórias e desejos reprimidos de sua infância e juventude, num clima onírico marcado por simbolismos. Num tom de fábula, PEDRO acerta as contas com o passado numa partida de GOL A GOL contra si mesmo ainda criança. Atormentado, mata a VELHA TIA que vendia doces na escola e que, para sua desgraça, também é avó de CINDY - seu amor de infância - com quem não teve coragem de seguir.

FICHA TÉCNICA:

Produtora: PROCESSO FILMES e EVOLUÇÃO FILMES – Produtora associada: GRAFO AUDIVISUAL – Direção: Adriano Esturilho e Fábio Allon – Assistência de direção: Bruno de Oliveira e Diego Florentino – Produção executiva: Diego Stavitzki e Aly Mutitiba – Direção de produção: Antonio Junior e Marisa Merlo – Coordenação de produção: Andrew Knoll – Direção de arte: Guilherme Santana – Assistência de arte: Felipe Potenza e Juliana Yumi Moriya - Cenotécnico: Tio Abel – Figurinista: Paulo Vinícius – Assistência de figurino: Andrea Tristão – Maquagem e cabelos: Marcelino de Miranda – Direção de fotografia: Xanxe – Asistência de fotografia: Eli Dalsin e Andre Santana – Eletrecista: Pirola – Maquinista: Coqueiro – Assistência de elétrica: Maikon – Motorista: Rafaela – Still: Rosano Mauro – Storyboard: Mauricio Marques – Making Of: Evandro Scorsin – Técnico de son: Vadeco – Montagem: Henrique Faria – Designer: Pablito Kucarz – Elenco: Giuly Biancato, Luciana Dal Ri, Tiago Luz, Pedro Albigo, Mauro Znatta, Leandro Daniel Colombo, Thereza Postui, Andrew Knoll, Juliana Biancato, Luiz Bertazzo, entre outros.

TEATRO UNIVERSITÁRIO: Espetáculo anual da FAP torna-se evento obrigatório na agenda do público curitibano.

2009-07-05T09:39:00.000-07:00

Todo ano, no final do primeiro semestre, a FAP – Faculdade de Artes do Paraná – apresenta ao público uma montagem teatral com os alunos do quarto ano do Bacharelado em Artes Cênicas. É parte da conclusão da disciplina de interpretação, onde os alunos acompanham todo o processo de construção do espetáculo, dirigidos pelo professor de interpretação. Pelo segundo ano consecutivo o professor responsável é o ator e diretor teatral Marcio Mattana. No ano passado Marcio montou com os alunos Recreio Pingue- Pongue, um espetáculo sobre a obra de Oswald de Andrade.
Por um lado, isoladamente do histórico de montagens da Faculdade, Elizaveta Bam vale a pena porque é uma aventura teatral de qualidade, onde a platéia insere-se e acomoda-se livremente por todo o espaço cênico ocupado pelo espetáculo. De outro lado, analisando os trabalhos dos anos anteriores na Faculdade, descobrimos que a montagem do quarto ano, dirigida pelo professor de interpretação, tem se tornado um evento obrigatório para o público realmente interessado por teatro em Curitiba. Quem ainda não viu está perdendo muito.

ELIZAVETA BAM
Principal obra dramática de Daniil Charms e do Grupo Oberiu, foi escrita em 1927. Tida hoje como precursora do teatro do absurdo e da obra de Eugene Ionesco, a peça gira em torno de uma mulher, Elizaveta, acusada de ter assassinado o homem que está vindo prendê-la. Para tanto, lança mão de uma estrutura inusitada: cada uma das dezenove cenas se desenvolve em um gênero dramático distinto. Daniil Charms (Daniil Ivanovich Yuvachov), poeta, contista e dramaturgo russo, foi o nome central do Grupo Oberiu, movimento de vanguarda artística da antiga União soviética. Perseguido ferozmente pelo regime stalinista, morreu de fome em uma prisão, em 1942. Sua obra foi salva do regime por amigos e veio a ser conhecida apenas nos anos sessenta.

O ESPETÁCULO
Reunir um elenco de 22 alunos/atores com desejos e repertórios diferentes, inseri-los no processo de criação e administrar a produção artística deste espetáculo, não é uma missão muito simples. Marcio Mattana faz isso melhor do que ninguém. Muito sensível e criativo, o diretor paranaense não mede esforços quando está à frente de um processo tão dispendioso quanto este.
A encenação, muito diferente da apresenta no ano anterior, ocupa todos os lugares do teatro/barracão Cleon Jaques em Curitiba. Tudo vira espaço cênico ou moldura para as cenas. Os atores interpretam, cantam e dançam durante a sequência de cenas surpreendendo a platéia de até 60 pessoas que, ao mesmo tempo em que caminham livremente pelo espaço, tentam descobrir qual o melhor ângulo para se posicionarem diante das cenas.
Para alguém como eu, que já acompanhou um processo de criação e montagem do professor Marcio Mattana, sabe que competência, criatividade e comprometimento com a educação são ingredientes básicos na receita infalível do diretor. Antes de escolher o projeto, ele sempre dedica-se ao conhecimento da turma que irá trabalhar. Márcio, ao lado de outros grandes nomes do elenco de professores da FAP, é um dos principais responsáveis pelo crescimento qualitativo do teatro universitário curitibano e da produção Fapiana.
Parabéns a Faculdade de Artes do Paraná. Parabéns ao querido Marcio e a todos os alunos envolvidos em Elizaveta Bam.
Para quem ainda não viu, o espetáculo terá mais duas apresentações nos dias 08/07 (quarta) e 09/07 (quinta) no teatro Cleon Jaques – Parque São Lourenço em Curitiba. As sessões são sempre as 21:00h. Entrada franca para a lotação máxima de 60 pessoas.

O SENTIDO DA CRÍTICA

2009-06-23T19:32:00.000-07:00

Qual o papel fundamental da critica na cena cultural contemporânea? Qual a importância do critico enquanto autor desse gênero tão polêmico entre os artistas da contemporaneidade? Qual o verdadeiro sentido da critica? Essas e outras questões são imediatamente levantadas em qualquer roda de discussão quando o assunto em pauta é a crítica artística.
Este texto tem como finalidade apresentar uma reflexão sobre o lugar da critica literária no cenário atual.

O CRITICO COMO PROTAGONISTA DO DISCURSO

A critica é produto de uma visão particular. Isso é indiscutível. O critico é o grande responsável pelas informações alí contidas, uma vez que tais considerações foram resultantes das referências e interpretações daquele que a escreveu.
O conteúdo da critica foi contaminado pelo olhar do seu autor e, não nos enganemos, outra fórmula não nos seria possível, pois a imparcialidade e a neutralidade são características que podem pertencer a qualquer outro gênero literário que não à critica. O próprio termo que batiza esse gênero já nos diz que o texto virá acompanhado das impressões pessoas daquele que o publicou.
Uma grande questão que tange o papel do critico é, possivelmente, referida à questão ética. Ser ético implica, nesse caso, em ser sincero, pois o leitor exigirá e reconhecerá isso. Por outro lado, ser ético também significa reconhecer que o seu ponto de vista não é, nem nunca será, uma verdade absoluta. É apenas o seu ponto de vista, mas que poderá influenciar o sucesso ou o fracasso do objeto criticado. Em última instância, ser ético também é se utilizar de uma linguagem cordial e bem focada ou colocada.
O fato de levar o título de critico não confere ao jornalista nenhum critério de valor. Existem ótimos críticos enquanto também existem péssimos críticos, cabe ao leitor atribuir e efetivar esse critério.

O LEITOR COMO MEDIADOR DA RELAÇÃO CRÍTICA X OBRA DE ARTE

Se pudéssemos atribuir a alguém a função de dar um sentido realmente concreto às críticas, esse alguém seria apenas o leitor. Potencialmente o leitor, como possível espectador, leitor ou observador da obra de arte é quem realmente determinará o sentido da crítica. Cabe a ele o papel de concordar ou discordar da argumentação do crítico. Ele, por ter também suas impressões pessoais, é quem determinará a qualidade do texto publicado.
Em contrapartida, ainda não temos no Brasil uma prática efetiva de discussão entre público e críticos. Muitos centros ainda não deram a importância necessária para o papel da crítica como formadora de opiniões entre espectadores e artistas. Muitos críticos ainda não são especializados e muitos dos espectadores nunca leram sequer uma única crítica artística na vida.
Apesar da constituição brasileira, no artigo V, garantir ao artista o seu direito de resposta, no final das apurações, é somente o leitor/espectador que funcionará como o juiz dessa relação onde, por um lado trabalhos são extremamente elogiados e valorizados e, por outro, muitas obras são prejudicadas pelo inconseqüente poder atribuído a críticos menores. Como artista, publico e, numa outra instância, crítico, devo afirmar que, independente das polêmicas comumente instauradas, a produção crítica depende da existência dos artistas, suas obras e a divulgação, assim como a valorização da produção cultural necessita também da existências dos críticos que retornam ao artista e que efetivam suas interpretações por meio das suas publicações. Uma relação bipolar. De ida e volta.

REGISTROS POÉTICOS: A fotografia de espetáculos

2009-06-02T17:15:00.000-07:00

A fotografia, melhor do que qualquer outra linguagem tem sido, ao longo da história, a principal responsável pela divulgação e documentação dos espetáculos. Por sorte, hoje já temos vários fotógrafos que se especializaram na arte de fotografar espetáculos.
O que é captado pode ser um instante poético, um olhar peculiar do fotógrafo sobre a cena. Quando aberto, nos conta muito sobre a atmosfera do espetáculo. Quando fechado pode nos revelar muito sobre a interpretação do ator, sua intenção secreta, seu mistério e sua sedução.
Além da função documental, a fotografia é também uma obra de arte independente. Ao mesmo tempo em que ela depende do objeto fotografado para existir, do fenômeno, depois de revelada e exibida, ela se torna algo além da cena e do ator. É uma outra estética, fruto da técnica e arte do fotógrafo. Dessa maneira, cada profissional tem suas próprias ferramentas que também independem da técnica. É pura poesia visual.
Nesse sentido uma fotografia pode dizer muito mais sobre um espetáculo do que ele realmente foi, pode inclusive valorizá-lo ou o contrário, pode limitar o seu entendimento pelo observador. De qualquer forma, nós, operários dessa arte efêmera que é o teatro, temos muito a agradecer o talento e a dedicação desses maravilhosos artistas que vem se dedicando à arte de fotografar espetáculos. Graças a eles, podemos guardar para sempre, mesmo que na memória, o prazer e a emoção que vivenciamos durante a cena, e que somente quem esteve presente pode compartilhar.
Convidei alguns dos melhores profissionais que tem desenvolvido um maravilhoso trabalho de documentação e poesia sobre as companhias e os artistas de Curitiba. A cada um foi dado o direito de depor sobre o que bem entendessem da relação da fotografia com o teatro. São

excelentes artistas, amigos queridos, que pretendo tê-los por aqui para sempre.

Alessandra Haro

"A fotografia de espetáculos é um trabalho documental. Carrega um sentido utilitário que se sobrepõe a criação do fotógrafo. Mesmo assim, é preciso atentar para o significado das palavras: sobrepor não significa excluir. O fotógrafo que se lança nessa tarefa deve ter em mente que o objetivo principal é documentar, sendo assim, está condicionado a uma série de exigências e restrições que limitam mas não privam da criação.
Luz, tonalidade de cenário e figurino, movimentação cênica... diversas podem ser as adversidades que impedem a liberdade completa de escolhas fotográficas. O fotógrafo precisa se adequar. Para mim, a decisão do clique é o ponto de maior liberdade.
A compreensão e o grau de envolvimento com o que está diante da lente é o que determina a escolha do instante certo para clicar. Compreender o conceito e o clima do espetáculo é de fundamental importância. Do ponto de vista do fotógrafo, as cenas do espetáculo estão em constante mudança plástica. Tudo se organiza, se desorganiza e se reorganiza, de forma diferente e cíclica.
Bresson chamou de instante decisivo o momento exato em que todos os elementos se alinham perfeitamente para dar significado fotográfico à situação. A exata fração de segundo, o ápice do movimento corporal do ator, a intenção que não está explícita, são alguns dos elementos que fazem diferença e tornam esse tipo de fotografia autoral. Outros aspectos, a serem considerados, são a escolha e a composição do quadro. A escolha do enquadramento e da composição da imagem acontece de acordo com as referências e subjetividades de cada um. Como trabalho com fotografia e cinema há 13 anos, a influência da estética audiovisual em minhas fotos é clara: procuro mostrar a dinâmica de movimento da peça. Meu objetivo não é registrar cenas paradas, o movimento de todos os elementos cênicos é importante. O auge do movimento do ator é o instante que busco. Assim, consigo registrar o movimento por meio de uma representação estática."

(Jesus vem de Hannouver, espetáculo da Companhia Silênciosa - Foto de Ale Haro)

Chico Nogueira

"DIÁRIO DE BORDO - Fotografo teatro - quase que exclusivamente - há 31 anos! Fiz curso de fotografia em 1974, lá no SENAC, mas, na verdade, só consegui comprar uma câmera em 78.
Bem, nunca tive dúvida que iria me dedicar à fotografia de espetáculo paralelamente à carreira de ator. Sempre apreciei o trabalho de Jack Pires, o cara que fez a maioria
daquelas fotos que estão expostas lá no Teatro Paiol, e de Orlando Kissner, na época trabalhando no jornal O Estado do Paraná e que se tornou um grande amigo e mentor.
Pois foi Orlando, profissional de primeira, que me sanou muitas dúvidas técnicas e que chamei para me acompanhar à loja quando consegui juntar uma graninha para a primeira câmera.
Nessa época, também, manjava um pouco de laboratório de PB, pois meu irmão mais velho, entusiasta da fotografia, já tinha me ensinado alguma coisa sobre o assunto.
Pois bem, naquele longínquo 1978, eu começava a ensaiar um espetáculo chamado URUBU, texto do Manoel Carlos Karam e com um elenco supimpa.
Foi aí mesmo, então, que comecei a dar os primeiros cliques. Muitos filmes depois, muitos espetáculos depois, eis que, um dia, sem mais nem menos, Dedé Urban, que trabalhava no MIS,
viajou com nosso grupo teatral a Jacarezinho (se não estou enganado!) e viu algumas imagens que eu carregava pra cima e pra baixo. Perguntou-me, assim, de chofre, se eu nunca tinha pensado
em expor o meu trabalho... Isso foi em 1986. Muitas exposições se seguiram a essa do Museu da Imagem e do Som (Livrarias Curitiba, Casa Romário Martins, Solar do Barão, Goethe-Institut, etc.),
além de participações em alguns livros de memórias teatrais (AdemarGuerra, Paulo Autran, Sutil Cia de Teatro).
Embora muita gente me cobre um livro só meu e coisa e tal, acho que já não tenho muito saco pra isso. Prefiro que minhas fotos estejam rolando pela internet (orkut e facebook).
Não sei se dá pra entender isso, mas é uma espécie de agrado que faço a todos aqueles que, de uma forma ou de outra, acabaram fazendo parte da minha carreira e, por extensão, da minha vida!!! Evoé!!!!!!"

(A vida de Galileu - Espetáculo de Paulo Autran - Foto de Chico Nogueira)

Elenize Dezgeniski

"A câmera fotográfica é uma máquina de congelar instantes, às vezes instantes com movimentos. Enquanto miro pelo visor sinto também o meu coração bater no ritmo do movimento do artista, no meu ritmo, atenta sempre às coisas do mundo “real” do qual fazem parte os bastidores; o som, a luz e as disciplinas.
Mas não posso acreditar que uma fotografia seja somente congelamento, ela é muito mais que isso, é “Start” para novas possibilidades da arte que a ela se apresenta.
Sinto meu coração bater enquanto aguardo o momento que estou buscando. Prendo minha respiração, apoio bem os cotovelos nos braços da poltrona e disparo, e às vezes o disparo volta “brilhando” no visor da câmera. Faço com carinho, com inspiração. Acho que o estudo mais aprofundado da fotografia no âmbito da arte tem influenciado o meu trabalho, não posso esquecer de citar aqui a querida Milla Jung que me deu aulas incríveis no ano passado e Luana Navarro, que sem palavras, problematiza o meu trabalho sempre que parece haver nenhum e pessoas assim são fundamentais em nossas vidas. Também sou atriz e faço parte da Obragem teatro e Cia., lugar onde costumamos refletir bastante sobre o teatro no hoje. Minha primeira formação artística foi na música, minha segunda e paralela na fotografia, sou filha de fotógrafo e meu pai também me ensinou muitas coisas.
Hoje vivo e trabalho neste lugar do “dar a ver” essa coisa a qual às vezes chamamos de arte."

(Espetáculo Um dia fora do Tempo da Cia G2 de Dança - foto de Elenize Dezgeniski)

Marco Novack

“Eu entro no espetáculo como seu fizesse parte dele , me imagino ali e tento expressar minha emoção na imagem.
Eu gosto da expressão, do close-up, do bastidor e do movimento. Eu gosto de pessoas na minha lente.”

(Melan&Colia, espetáculo da Emcompanhiade2 - foto de Marco Novack)

Rosano Mauro

"Sempre fico na expectativa antes de fotografar um espetáculo, pois é um conjunto de fatores (luz.espaço.ator.cenário.figurino) pelo qual o olhar do fotógrafo está submetido... e que vai influenciar nas escolhas de composições.enquadramentos. enfim, o meu olhar sobre aquele espetáculo.
É... é um trabalho que não depende só do fotógrafo e de sua criatividade. Procuro sempre saber o mínimo sobre cada espetáculo, se possível assistir a uma apresentação antes de ir fotografar.... pra usar uma linguagem que ajude o clima criado pelo espetáculo.. que passa a usar o suporte da fotografia que dispõe de outras ferramentas para mostrar uma imagem e.. por isso não me preocupo muito em querer contar a história.
Acredito nessa intervenção ao documentar as atitudes e linguagem das produções, e cada fotógrafo tem uma forma de recortar o espetáculo, de sentir as vibrações da cena.
Presto muita atenção nos detalhes e quando é uma montagem muito ágil, tenho que ser sagaz pra conseguir o click que contraia expressão do ator, composição do quadro, tempo de exposição e abertura correta para a iluminação ditada na cena(ufa!). Cada espetáculo tem um viés que me leva a pensar e enquadrar de uma forma, o conteúdo estético da cena é de extrema importância, suas cores e elementos (me delicio com muitos objetos e muita mise-en-scène) enaltecem o meu quadro.
Outro fator que colabora para o resultado final é o trabalho de “pós” com as imagens, “cropo” umas fotos, corrijo temperatura de cor, também uns ajustes de pele... para conseguir o melhor resultado visual de acordo com cada espetáculo. A fotografia digital dinamiza o uso dessas ferramentas.
Consigo encontrar semelhanças de linguagem estética e conceitual nos meus trabalhos, descobertas pelas possibilidades que cada produção oferece."

(Espetáculo Instantâneos de Tempo em Tempo da Cia provisória - foto de Rosano Mauro)

ODE A CHICO NOGUEIRA

2009-05-27T14:55:00.000-07:00

(Chico no espetáculo METAMORPHOSIS em 2005 - foto de Elenize de Barro)

Às vezes convido artistas interessantes para estarem aqui no Blog. Dou sorte de entrevistar somente pessoas que valem à pena. Algumas histórias são feitas para se contar. Esta que agora conto, por exemplo, é uma delas.

Recebi na tarde do ultimo sábado um dos atores mais conhecidos do teatro paranaense, com seu tom espontâneo de um Lord inglês, Chico Nogueira carinhosamente aceitou meu convite para um bate papo. Entre todos os fatos e as curiosidades relatados sobre sua carreira e sobre a história do teatro curitibano, que valeriam um livro, algumas passagens poderão ser conhecidas no texto que se segue.
Conheci o querido Chico nos corredores da FAP – Faculdade de Artes do Paraná, logo no primeiro ano que cheguei. Sempre solicito, ele não nos escondia o jogo, com prazer sempre nos revelou seus truques na arte da representação. Sempre esteve presente.
Além de ator e diretor, Chico desde 1985 cria e desenvolve algumas das trilhas mais interessantes que ouvimos todo ano em alguns dos melhores espetáculos colocados em cartaz nos palcos curitibanos. O prazer pela sonoplastia já lhe rendeu muitos prêmios importantes. A fotografia também o destaca como um dos fotógrafos de espetáculos mais importantes do Paraná. Seu primeiro registro fotográfico de um espetáculo foi em 1978, inspirado pelo trabalho de Jack Pires. Como ator, entre filmes e espetáculos, tem no currículo mais de 40 trabalhos profissionais. Sua mais recente atuação foi na interpretação do cineasta Alfred Hitchcock no espetáculo HITCHCOCK BLONDE, uma realização da Companhia Vigor Mortis, dirigida por Paulo Biscaia Filho. A semelhança física com o cineasta deu um sabor a mais aos olhos dos espectadores.

(cena do espetáculo HITCHCOCK BLODE em 2008 - foto de Lúcia Biscaia)

ESCOLHIDO PELO TEATRO

Francisco Carlos Nogueira nasceu em Curitiba. Se contarmos desde a primeira vez que se apresentou em publico, ele está para completar cinquenta anos de palco. Apesar de sua carreira profissional ter iniciado apenas em 1974, desde os cinco anos de idade ele já se apresentava nos recitais improvisados por seus vizinhos estrangeiros no bairro do Portão, onde vive até hoje. Seus pais, apesar de não serem também artistas, adoravam circo, música, cinema e teatro e sempre carregavam o pequeno Chico para os prazeres culturais.
Além do estímulo proporcionado por seus pais e vizinhos, Chico teve também a sorte de ter uma família de circo morando ao lado de sua casa, que inveja! Era tudo o que um pequeno artista poderia sonhar. Os Irmãos Queirolos, parentes da atriz Bibi Ferreira, quando instalavam seu circo no bairro do Portão, alugavam uma residência na mesma rua onde ele morava, o que lhe proporcionou um contato íntimo com o trabalho e a vida dos artistas circenses. Vem também dessa época o seu interesse pela sonoplastia, pois era muito curioso sobre o que acontecia dentro da cabine de som, onde as trilhas dos espetáculos apresentados eram operadas ainda de forma artesanal e improvisada.
A música também entrou muito cedo na vida de Chico, pois tinha na família e como amigos dos pais alguns músicos. Acostumou-se a ouvir vários estilos, da MPB ao clássico, prática que contribuiu consideravelmente na formação do seu repertório eclético.

(Chico no espetáculo EQUUS em 1995 - foto de Roberto Reitembach)

Com a chegada da televisão em Curitiba, quando ele contava seis anos de idade, em 1960, passou a acompanhar os teleteatros apresentados pela TV Paranaense – Canal 12 e pela TV Paraná Canal 06 - conhecendo então o trabalho dos atores curitibanos que ali se apresentavam, como Ary Fontoura, Édson D´Ávila e Odelair Rodrigues. Era a paixão pela arte da interpretação que pulsava dentro do pequeno escolhido. A mesma paixão com que ele agora se recorda dessas primeiras lembranças que estimulara sua carreira. Aos sete anos já participava dos grupos de jovens que se reuniam para fazer teatro nas igrejas e nas escolas. Na adolescência viu nascer o TCP – Teatro de Comédia do Paraná, projeto criado pelo governador Ney Braga, que possibilitou montagens históricas e a vinda de grandes nomes do teatro nacional para Curitiba, como Paulo Autran, Cláudio Correia e Castro, Ivan de Albuquerque e o casal Paulo Goulart e Nicete Bruno, que chegaram inclusive a residir na capital paranaense por alguns anos.
Em 1985 dirigiu seu primeiro espetáculo, Por telefone, texto de Antônio Fagundes e que tinha no elenco Mário Schoemberger e Regina Bastos. Esse espetáculo marca a inauguração do teatro no SESC da Esquina em Curitiba e também a primeira sonoplastia que ele assinou.
Chico Nogueira graduou-se em Relações Internacionais e em Ciências Contábeis. Foi bancário durante os vários anos em que, paralelamente, trabalhava também como ator. Depois do triste incidente que causou a morte de um dos seus irmãos, em 1986, decidiu, incentivado por seu irmão doze anos mais velho, e aprovado pela mãe, deixar o teatro assumir os rumos da sua carreira e da sua felicidade.
No mesmo dia que se retirou do banco, aceitou o convite do amigo, o ator e diretor Enéas Lour, para integrar o elenco do espetáculo A história de muitos amores dirigido por Fátima Ortiz. Viajaram com o espetáculo durante um ano por todo o Estado do Paraná.

(Um lugar perfeito em 2005 - Foto de Fernando Dias)

As oportunidades foram aparecendo e Chico foi agarrando todas. Foi diretor da Cinemateca de Curitiba de 1991 a 1994, diretor do Museu da Imagem e do Som de 1991 a 2002, e professor da Faculdade de Artes do Paraná a partir de 1988, função que desenvolve até hoje.
Por duas vezes foi ao exterior estudar. Também por duas vezes viu a morte passar bem pertinho, com complicadas cirurgias que teve de enfrentar. Mas, recuperado dos sustos e apesar das dificuldades encontradas na vida e na arte, comum a nossa vida de artista, Chico não se arrepende de permitir que o teatro lhe escolhesse definitivamente. Apesar de falar várias línguas e de dominar muito bem as palavras, nem ele conseguiria me descrever o brilho dos seus olhos, que reluziam quando me contava a sua história.
Salve Chico!

ROMEU E JULIETA - Montagem de Nena Inoue e Mauricio Vogue atualizam clássico de Shakespeare no Guairinha

2009-05-10T17:38:00.000-07:00

(Cena do espetáculo - foto de Ale Haro)

A história de Shakespeare está toda ali, atualizada enquanto dramaturgia e encenação. Não fica no meio caminho, atinge o objetivo. Vale a pena e é uma boa opção para quem quer ver um espetáculo de qualidade.
Originalmente a montagem é destinada ao público jovem, mas acredito que tem agradado todas as gerações. Não espere ver nada de inédito, o que é quase impossível no cenário artístico hoje, mas as referências e apropriações são muito bem absorvidas, elaboradas e aplicadas.
No elenco há algumas revelações como a jovem atriz Daphine Bozaski que ao lado do também jovem ator Pedro Inoue formam um belo e convincente casal para viver os protagonistas. Estão bem e apesar da pouca idade já revelam um futuro promissor nos palcos. São carismáticos, estão preparados e convencem. Pedrinho já brilhou outras vezes como no espetáculo O menino Maluquinho de Fátima Ortiz. Valem a pena.
Um show a parte no espetáculo é a luz de Waldo Leon que, ao meu ver, é atualmente o melhor iluminador da cena curitibana. Criativo, Waldo desenha o espaço e elabora efeitos simples que dão acabamento à encenação não menos criativa de Maurício e Nena. Aliás, falando de encenação, há tempos admiro também as soluções bem criativas de Maurício Vogue que sempre presenteia o público com belas imagens.
Na adaptação do texto vemos referências tanto da filmagem clássica de Franco Zefirelli quanto da versão contemporânea de Baz Luhrmann para o texto de Shakespeare, mas na ficha técnica vemos que o grupo também foi assessorado pela especialista em Shakespeare, professora doutora Margarida Rauen e também pelo consultor de dramaturgia Márcio Mattana.
No mais tudo se encaixa e faz emocionar nesse processo colaborativo formado por veteranos e novatos, diretores e atores.
O espetáculo fica em cartaz até 24 de maio. As sessões são sempre aos sábados e domingos as 19:00h.
Não deixem de ver.

O QUE EU GOSTARIA DE DIZER

2009-05-01T10:55:00.000-07:00

(cena do espetáculo dirigido por Marcio Abreu - foto divulgação)

Gosto muito do trabalho da Companhia Brasileira de Teatro que é dirigida por Márcio Abreu. Do seu repertório vi os espetáculos Suíte 1, Apenas o fim do mundo, Volta ao dia e agora O que eu gostaria de dizer, que esteve em cartaz no Teatro José Maria Santos no período de 17 a 26 de Maio em Curitiba.
A estética ou poética teatral da Companhia Brasileira é algo que sempre me agradou muito principalmente pela forma que, segundo minha análise, sempre falou mais alto que o conteúdo. Apostos são valorizados na dramaturgia, repetidos com diferentes intenções e dão força essencial para a construção das interpretações. Com relação a encenação, alguns elementos também se repetem como as refeições e as canções que são inseridas no decorrer dos espetáculos. Tais elementos sempre funcionam como uma estratégia de manter a cena no tempo presente e atualizam os elementos datados que os cenários costumam apresentar. Vários signos e referências convivem harmoniosamente dentro da estética contemporânea da companhia Brasileira.
O que eu gostaria de dizer, contudo, é um espetáculo diferente dos que estamos acostumados a ver e, apesar da refeição que é mantida durante a apresentação e da canção, que dessa vez não é cantada, mas apresentada como argumento para a construção da cena, outros elementos na relação texto-ator são inseridos na montagem. Não quero dizer com isso que são melhores e nem piores, apenas diferentes. Talvez eu tenha percebido essa diferença principalmente no tom em que o texto é dito. As repetições ainda estão presentes, mas de forma diferente.
Um elemento que também acentua essas diferenças é a presença de Luis Melo no elenco. Sempre seguro do seu trabalho e dono da relação que se instaura entre ambiente e platéia, Melo tem sempre uma presença muito forte que, em certo sentido, se coloca incisivamente nos trabalhos em que participa, coisa dos grandes atores que está além da nossa capacidade de julgamento. Por sorte, os outros dois atores que dividem o palco com ele, Bianca Ramoneda e Márcio Vito, estão à altura e colaboram também com o novo tom apresentado pela Companhia Brasileira ao estarem totalmente inseridos dentro da mesma linguagem.
A dramaturgia, construída em processo colaborativo entre atores e diretor, fala da existência e das relações humanas a partir de três diferentes pontos de vista costurados por um mesmo viés poético. É um bom lugar para se pensar sobre a vida.
A temporada em Curitiba teve casa lotada em todas as sessões e só conseguir ver o espetáculo numa sessão extra do último dia da temporada a convite de Elenize Dezgeniski, fotógrafa contratada da Companhia e minha amiga querida.
Valeu e, parafraseando Gonçalo M. Tavares em citação no espetáculo, “não há melhor lugar para estar do que estar contente”.
Para saber mais sobre o trabalho da Companhia Brasileira visite http://www.companhiabrasileira.art.br/